Las pinturas de Teiji Hayama unen influencias occidentales y japonesas juntas, la combinación de diferentes períodos históricos de arte que van desde el arte cristiano, la mitología griega a la cultura pop japonesa contemporánea y Ukiyo-E. Muchas de las figuras están llenas de simbolismo, una tradición en el arte cristiano. Pálidas, figuras etéreas de Hayama con cuerpos frágiles y pálidos ojos, a menudo inspirados en imágenes bien conocidas de femeninas, retratan un aspecto angelical que choca con una mirada penetrante y desconcertante dirigida al espectador. Símbolos de la devoción religioso y espiritual, las promesas de amor, tatuajes representados en los retratos representan el asiento de las emociones de las chicas jóvenes, sus convicciones, pertenencia o identificación con determinados grupos.

Teiji Hayama comunica la inocencia de los niños al retratar chicas desnudas. Desnudez combinada con la inocencia y la vulnerabilidad es a menudo representado en el arte pop japonés. Hayama también quiere mostrar la transición de la niñez a la adolescencia, una etapa de transición física y mental que implica cambios sociales y psicológicos.

Hola, soy Teiji Hayama, después de la secundaria me mudé a Londres, donde estudié Arte y Moda en el Central Saint Martins College. Trabajé durante unos años como diseñador de moda, Asistente en Zucca, que forma parte del grupo de Issey Miyake.

Supongo que siempre he estado relacionado con el arte, empecé a pintar a la edad de 6 años. Mi ciudad natal, organizó un concurso de pintura y conseguí mi primer galardón con una pintura de un luchador de sumo.

Mi estilo en general en el arte es difícil de clasificar, ya que abarca varios enfoques creativos.

No puedo existir sin el arte, es la forma en la que mejor me expreso. Y decidí entrar en el universo del arte porque creo que mi afinidad con el arte es innata.

Para describir mi arte yo aconsejaría no ver la obra ni experimentar, antes de leer la descripción del proceso de creación detenidamente.

Creo que como artista, creando nuevos trabajos y pensando en nuevas ideas, cualquier cosa puede ser una influencia y las palabras pueden matar totalmente una idea. El arte siempre debe estar sujeto a la interpretación, la interpretación realza el arte.

Técnicamente hablando, mis últimos trabajos viven en el borde de la pintura y la escultura, corte relieve plano y panel de madera grabada al óleo pintada con las púberes.

Mirando hacia atrás en mis años de partida, mi trabajo ha evolucionado mucho, pero algunos temas recurrentes aún permanecen. La idea de «mono no aware» similar a la América diciendo «memento mori», la obsesión que representa la conciencia de la permanencia es más que nunca presente en mi trabajo. Mostrando la más pura esencia del ser humano, es un recordatorio nostálgico de apreciar la belleza efímera que todas las cosas.

El tema que más me interesa es expresar la etapa de transición que es la adolescencia.

El objetivo de mi trabajo es crear un sinfín de emociones, para inspirar a la gente a moverse hacia una existencia que se acerca más a un tipo de belleza que trato de construir en mi arte, o al menos generar un diálogo con el espectador.

Yo no lo he hecho ningún proyecto extraño todavía, pero me encantaría hacer una escultura-doll de uno de mis trabajos que pudiera volar por el aire, impulsado por el viento y el sol.

Encuentro la inspiración creando nuevos trabajos, pensando en nuevas ideas, cualquier cosa puede ser una influencia. Esta obra, que no me canso de verla, representa una importante fuente de inspiración y quedará grabada en mi memoria para siempre, es la vanidad terrestre y la salvación divina de Hans Memling, este tríptico contrasta la belleza terrenal y el lujo con la perspectiva de la muerte y el infierno.

En mis métodos de trabajo, necesito un montón de tiempo en el proceso de preparación, incubación, inspiración y elaboración.

También aprovecho el momento de elegir entre el panel de madera con mucho cuidado, ya que la textura de mi pintura también depende del tipo de madera. Las especies de árboles crecen en un número de dirección de la fibra y por lo general escogen aquellos que se juntan o giran de una manera anormal, aunque es claramente más difícil de pintar sobre dichos cereales, también da otra dimensión a la obra. Tener algunas partes irregulares y curvas en mis diseños, uso una sierra de cinta para cortar la madera, precisamente, y es sólo después de la última etapa de lijar y alisar las operaciones, cuando la superficie estará encolada y lo suficientemente vidriosa para empezar a pintar al óleo. También uso para cortar el chorro de agua, para materiales como latón, acero, aluminio y plexiglás que a veces se añade a la obra con el fin de crear un contraste de materiales.

En mis planes de futuro, quiero profundizar en el tema artístico. En cuanto a la evolución de mi trabajo, esto lo hago sin control alguno, de forma espontánea, a veces inesperadamente.

teijihayama.wifeo.com