Ante la avalancha de fotografías sobre la práctica de surfing, es inevitable llegar a bajar los brazos y rendirse ante tanta imagen banal. Por eso es tan interesante el trabajo de Dane Peterson que reformula la tradicional fotografía del surfing, tan relacionada con el ocio y el impulso de escapar pero tan colonizado por la máquina capitalista de vender deseos.

Dane pertenece a una nueva generación de fotógrafos que está utilizando la fotografía analógica para buscar nuevos caminospresentando unas fotografías pausadas, íntimas , que evocan una de las cosas más autenticas del surf, como es la soledad y el momento de intimidad que se consigue a través de él. Actualiza en cierta manera la tradición que le precede, en sus fotos evita el efectismo y el deslumbramiento de la fotografía más comercial. Es muy de agradecer el esfuerzo para intentar articular una nueva forma de fotografiar algo tan viejo como es el anhelo de libertad que es lo que representa el surf.

¿Qué estabas buscando cuando empezaste a hacer fotos?
Cuando empecé a hacer fotos, fui apodado como un “professional free surfer”. En ese momento, en mi opinión, la mayoría de las fotografías de surf eran bastante aburridas y mundanas. Al decir eso, me refiero a que todo era muy parecido. Como surfista que también estaba siendo documentado por otros fotógrafos, sentí como si mis compañeros y yo no estuviéramos siendo fotografiados de una manera muy creativa o incluso honesta. Recuerdo haber surfeado en Malibú a la luz del atardecer cuando era adolescente y haber visto fotógrafos básicamente de pie, hombro con hombro, obteniendo el mismo ángulo exacto, así que mi motivación era básicamente salir a cambiar eso. Al hacerlo, tenía una tarea importante por delante, especialmente teniendo en cuenta que tenía 22 años (2002) y no tenía ninguna formación dentro del ámbito de la fotografía. Demonios, no creo que siquiera tuviera una cámara en ese momento, por no hablar de fotografiar algo con una verdadera intención. Esa motivación es la que inició mi carrera de 16 años en la fotografía, así como mi aventura de trabajar con métodos analógicos. Hay que recordar que la fotografía digital todavía era relativamente nueva en ese tiempo y no reemplazó en gran medida a las cámaras de película hasta mediados o finales de los 2000 dentro del ámbito del surf. Así que compré una vieja Nikon FM2 y simplemente me sumergí en aprender a leer y medir la luz, utilizar y experimentar con una gran cantidad de películas, realizar procesamientos cruzados y concentrarme en hacer que cada uno de mis fotogramas valiera la pena.

En esta era de tanta saturación de imágenes, ¿qué valoras en el trabajo de un fotógrafo?
Esa es una muy buena pregunta. Como individuos, obviamente todos vemos, apreciamos y valoramos diferentes aspectos del trabajo de los fotógrafos. Y siento que en esta era en la que vivimos actualmente, los mercados están muy saturados. Es un poco loco ser perfectamente honesto. Pero cuando veo trabajos de fotógrafos hoy, supongo que lo que valoro es cuando pueden transmitir una historia, emoción, sentimiento o pensamiento dentro de una sola imagen o trabajo.
Alguien que pueda llevarme a otro lugar durante un momento. Personalmente, ese es mi enfoque, y supongo que por eso valoro eso mismo en otros trabajos. Creo que las personas que son capaces de ser honestas, fieles a sí mismas e incluso vulnerables están produciendo el trabajo de valor a mis ojos. Algo que es muy raro en esta desafortunada era de palos selfies, sobrecarga de imágenes digitales y personas que solo quieren ser famosas.

El retrato en la fotografía es quizás la disciplina más complicada. ¿Preparas tus sesiones de retratos o prefieres improvisar?
Este es un punto interesante. Supongo que nunca he pensado realmente en el retrato de esa manera, aunque definitivamente sí preparo mis sesiones de retratos. En realidad, soy bastante metódico en mi enfoque, ya que conceptualizo mucho mis tomas. Sin embargo, cada cara trae consigo algo nuevo y único, por lo que siempre hay espacio para la improvisación, y trabajar de forma más libre o por separado, por así decirlo …

Con tanto autoconocimientosobre la imagen de uno, ¿cómo es posible lograr retratos honestos?
Hmmmm Creo que todo se reduce a que la persona a la que retratas se sienta cómoda y confiada en su propia piel. Estar cómodo en ese momento te permite ser honesto con tus movimientos y expresiones. Puedes sacar todo tipo de emociones y expresiones de ellos en este contexto.

¿Qué te interesa de la fotografía? ¿Crees que todavía es una forma adecuada de hablar sobre el surf?
Mi interés actual en la fotografía en realidad tiene muy poca correlación con el surf.
Y, lamentablemente, no tengo tanto interés en fotografiar surf. Simplemente no es algo que sirva a mi alma por más tiempo, no me da el mismo placer ni alegría, y creo que perdí ese fuego hace unos 4-5 años. Es algo así como un escenario de “estado allí, hecho, eso”, y he seguido adelante.
Pero con toda honestidad, esa fue una gran bendición, ya que me ayudó a encontrar multitud de cosas que me intrigan realmente dentro de otros aspectos de la fotografía. En cuanto a lo que me interesa de la fotografía; retratos, moda, métodos de procesamiento alternativo y seguir disparando una gran cantidad de películas nuevas y caducadas.

Después de todo este tiempo, ¿cómo le gustaría que su trabajo fuera interpretado?
Nunca he pensado mucho en eso para ser honesto. Pero supongo que si tuviera que hacerlo, me gustaría que la gente viera la honestidad en mi trabajo. El hecho de que me esfuerzo por encontrar y crear estos momentos emotivos que obligan al espectador a detenerse realmente y apreciar una imagen en una sociedad moderna de mediocridad y sobreconsumo de imágenes.

Leí que realmente te gusta el trabajo de Irving Penn. ¿Su trabajo inspira el tuyo?
Es gracioso que menciones eso, ya que fui a una galería que mostraba parte de su trabajo la semana pasada con mi chica. Para responder a tu pregunta, sí! La forma en que utilizó y manipuló la luz natural para su trabajo de moda y retratos es alucinante. Su trabajo me inspira y me impulsa a ser mejor fotógrafo casi todos los días.

El retorno a la fotografía analógica es una forma más tradicional de trabajar. ¿Crees que implica una forma de trabajar totalmente diferente a la fotografía digital?
Personalmente, no estoy “volviendo a la fotografía analógica” como dijiste, así es como aprendí, lo que amo y nunca le he dado la espalda. Pero para responder a tu pregunta, sí, por supuesto, implica un enfoque totalmente diferente al de los métodos digitales. Hay muchos fotógrafos digitales que usan sus cámaras como unputo bazooka. Es casi como grabar vídeo, simplemente manteniendo presionado el disparador sin parar. Es bastante difícil perder el ritmo con ese enfoque, pero tampoco es algo que realmente me impresione o incluso que pueda entender. Con la fotografía analógica, es un proceso mucho más lento, esperar el momento justo para crear la imagen deseada, es como un baile lento con una flor frágil. Tienes que acercarte a cada disparo de una manera en la que realmente hagas que valga la pena. En general, me gusta permitirme solo 1 rollo por “look” o cambio de vestuario. Dependiendo del medio en el que se realice la sesión en un día concreto, puede tener entre 10 y 36 frames, luego cambio de rollo y empezamos a mirar de nuevo. Con el trabajo digital, puedes pasar la misma cantidad de tiempo en un look y disparar literalmente cientos o incluso a veces más de mil imágenes. Es una locura. Luego tienes la parte de la postproducción, ni siquiera me hagas empezar a hablar sobre eso…

Tus polaroids intervenidas presentan una forma diferente de enfrentar el retrato. ¿Crees que le das más capas de significado trabajando las imágenes de esa manera? Tal vez un nuevo enfoque para la fotografía de surf?
Polaroid es un medio hermoso si se utiliza y dispara correctamente. Uso una polaroid en mi Mamiya RZ67 y una cámara Polaroid 195 land. Estos son métodos completamente manuales para crear imágenes polaroid. También solo trabajo con películas de polaroid caducadas que definitivamente se prestan a las capas adicionales que mencionas en mi trabajo. He utilizado estas dos cámaras en la playa para el trabajo de retrato, pero funcionan y se enfocan tan lentamente que no serían adecuadas para tomar fotos de surf ya que las lentes tienen una distancia focal tan corta que no le permiten obtener resultados óptimos. Sé que hay algunas personas que disparan surfeando con land cameras, pero son modelos automáticos de plástico de “usar y tirar” más baratos que requieren una habilidad CERO para operar. Personalmente no aprecio mucho ese enfoque.

El cianotipo es una técnica que está despertando el interés últimamente, ¿cómo llegaste a ella?
¡Los cianotipos son tan geniales! Es asombroso pensar que un método de creación de impresiones desarrollado en 1842 está regresando. Para mí, creo que fue una transición natural para alguien que desarrolla sus propias películas en blanco y negro. Era solo otra forma de crear y manipular mi trabajo con mis propias manos, en lugar de estar en un ordenador y manipular digitalmente todo.

Después de todos estos años tomando fotografías, ¿cómo ves tu evolución?
Es definitivamente una progresión interesante. Teniendo en cuenta que comencé en la subcultura del surf, nunca pensé que estaría fotografiando retratos, editoriales de moda, y trabajo comercial para clientes a escala global. Ha sido un camino largo, difícil y, a veces, con curvas, pero no lo haría de otra manera. Disfruto de un desafío, y creo firmemente en aprender las cosas de la manera más difícil, dedicar tiempo, crecer, aprender y avanzar después de cada experiencia. También creo que ha sido extremadamente importante para mí reconocer todas estas experiencias y oportunidades que he tenido en este viaje.

En su opinión, ¿qué fotógrafos construyen y desarrollan la identidad fotográfica del surf?
Leroy Grannis, John Severson, Ron Stoner, Art Brewer, John Witzig y Jeff Divine. Para mí, esos eran los hombres! Lo empezaron todo en el mundo del surf, y lo hicieron bien, ya que no había otra manera, ni fotografía digital, ni instagram, ¡eran dioses! Estaban disparando con lentes de century optic de 1000 mm, también en el agua, nadando, secando todo, cambiando rollos, recargando las cámaras en las carcasas y volviendo a nadar. Modo bestia total! HAHAHAHAAA.

Has sido profesional del longboard por muchos años, ¿cómo es ese mundo?
Hahahahahaaa. No he sido un “longboarder profesional” durante años, así que no lo sé. Mejor hacerle a mis amigos Alex Knost o Jared Mell esa pregunta. Estoy seguro de que te darán un punto de vista mucho más entretenido del que puedo ofrecerte.

¿Crees que hay un rechazo a la idea de competencia en el campo del surf?
Definitivamente, personalmente no sigo la escena competitiva de élite en absoluto. Simplemente no tiene mucho atractivo para mí. Especialmente en los últimos dos años con cómo la WSL ha reestructurado las cosas. Se ha convertido en un “deporte” que ha perdido todo su valor y su atractivo inicial para mí. Pero al decir eso, hay algunas composiciones interesantes que suceden de vez en cuando. Por ejemplo, los chicos de STAB celebraron recientemente un evento en la piscina new wave en Texas. Eso fue realmente divertido ya que todos estaban divirtiéndose, todos bebían cerveza, se reían y se metían en el agua, básicamente surfeando libremente. Eso fue realmente genial, y eventos como eso son algo que creo que a la gente le gustaría ver más. Eventos como VANS DUCT TAPE son tambien grandes eventos competitivos

¿Qué es lo que más te gusta de tomar fotografías de surf?
Como mencioné anteriormente, la fotografía de surf no es algo que me motive demasiado últimamente. Pero de vez en cuando, si uno de mis viejos compañeros de surf está en la ciudad, podría intentar algo diferente. Las últimas dos veces que hice surf, utilicé una vieja Nikon F100 para la cual Dave Kelly de Australia me hizo una carcasa de agua, y usé película en B/N y filtros de lente de colores. Fue algo divertido. Así que supongo que la respuesta sería simplemente trabajar con mis amigos, experimentándome y desafiándome a mí mismo, tratando de capturar cosas de una manera diferente a la que se está utilizando en estos días en el mundo digital en el que vivimos.

¿Cómo buscas la belleza en tus fotografías?
La belleza para mí proviene de tantos aspectos distintos de una fotografía y del proceso fotográfico que es difícil de decir. A veces puede haber sido un momento fugaz durante la sesión que solo resuena conmigo y con mi sujeto cuando veo una imagen, otras imágenes podrían haber sido capturadas en algún proceso alternativo con el que he estado trabajando, o tal vez es la forma en que la luz cae suavemente en cascada sobre la  cara de los sujetos en un retrato. Para ser honestos, eso es lo más interesante de la belleza, todos la vemos y la sentimos de maneras diferentes. Lo más importante que creo es asegurarse de que lo reconozcamos cuando lo hagamos.

¿A dónde te gustaría dirigir tus proyectos fotográficos?
Para ser honesto, realmente me encanta la idea de fotografiar escenas a gran escala y de estilo teatral en las industrias de la moda, la música y las celebridades. Siempre he sido un amante de la moda de los 90 y me encantaría disparar en estudios enormes con fondos masivos, incorporando iluminación muy baja y también aspectos de movimiento en el trabajo. Luego tener talento vistiendo estas prendas locas, hermosas, largas, fluidas, extravagantes y detalladas. También tengo el sueño de crear un proyecto de body y gender positive con sujetos desnudos en el contexto de aumentar la conciencia sobre las personas con dismorfia corporal, problemas de género, así como apoyar la igualdad de derechos para las mujeres.

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