{english below} Hoy en día es probable que llamen nostalgia a todo lo que recuerdes. Yo no lo llamaría así. La nostalgia de hoy parece un perfume embotellado para pagar con la tarjeta de crédito virtual de tu smartphone. Esa nostalgia se usa como un paño con cloroformo. Son solo vapores. Y tus recuerdos son momentos que puedes traer al presente. Piezas de realidad viva que lanzar al futuro inmediato. Huellas que seguir y rastrear. Hay que darle la vuelta al cadáver totémico del grunge y descubrir que no solo hay gusanos, sino flores salvajes enterradas que gritan y vibran con una furia salvaje y original. Recuerda cuando el mundo era más pequeño (y que quizás no ha dejado de serlo). Cuando detrás de la pantalla había bares pequeños, parques de barrio, casas deshabitadas… y solo tenias que andar hasta allí. UNDERGROUND INC. No es solo recuerdos, es un documental de denuncia sobre el crimen de la avaricia discográfica. Es también un documental sobre la escena que no alcanzaste a ver pero sabías que estaba ahí… y que aún está. Solo tienes que elegir. Solo tienes que encontrar. Eso no es nostalgia. Eso solo es escuchar música. Música salvaje y potente.

Entrevistamos en Staf Magazine a Shaun Katz, su director y realizador principal. Y con esto solo podemos decirte los tres siguientes pasos que debes dar (cada uno más importante que el anterior): leer la entrevista, ver el documental, escuchar la música.

Underground Inc.: the rise and fall of alternative rock es un documental lleno de reflexiones sobre la escena musical independiente de finales de los 80 y gran parte de los 90. ¿Qué idea central que contar viste en tu mente para montar todo el trabajo que has realizado?
Estuve muy inspirado por muchas de estas bandas que habían pasado desapercibidas durante aquel tiempo. Muchos de ellos habían lanzado estos increíbles álbumes. Estaba muy motivado a descubrir lo que sucedía detrás de la escena, en el negocio de la música que había causado que estas bandas no se conocieran mejor. Estas eran bandas que eran similares en estilo a artistas populares como Rage Against The Machine o Smashing Pumpkins, pero el público que compró aquella música simplemente no sabía que existían. En muchos casos, estas bandas, como Sensefield, Jawbox o Course Of Empire, fueron incluso mejores que las conocidas.
En cuanto a la idea central, descubrí  durante la filmación y la edición, que es vital para una banda tomar el control de su destino y su negocio si quieren llegar lejos en el negocio de la música. De lo contrario, nadie lo hará por ti, especialmente una gran compañía discográfica. Creo que muchos artistas jóvenes piensan que una vez que se firma lo han logrado, pero una vez sucede esto, entran en un mundo completamente nuevo de política donde no se requiere un sello para poner su disco o incluso promocionarlo una vez ha sido grabado. Creo que esto es un shock para muchos artistas jóvenes cuando se enteran de esto.

Otra pregunta básica pero muy importante, ¿cómo arranca el proyecto? ¿Qué ayudas y dificultades te encontraste y cómo fue tomando forma hasta el resultado final?
Estaba ayudando a administrar una tienda de discos y el propietario me presentó uno detrás de otro unos álbumes increibles. Eran bandas de las que el público que compraba música nunca había oído hablar. Muy a menudo, estas bandas eran mejores que los grandes nombres de las discográficas. Lo extraño fue que muchas de estas bandas nunca pudieron sacar más de un álbum. Así es como descubrí que hubo una gran fiebre del oro en la industria de la música durante ese tiempo para encontrar el próximo gran golpe después de que Nirvana se volviera enorme. Sin embargo, si no vendiste 500,000 copias desde el principio, habías terminado. Si bien los cuentos de la industria eran interesantes de leer, fue la música de estas bandas lo que me hizo querer hacer la película. ¡Quería entrar y descubrir por qué estas bandas que se convirtieron en la banda sonora de mi vida nunca sacaron ese segundo disco!
La parte difícil fue todo el metraje, 90 horas para ser exactos, ¡y tuve que editarlo todo en 90 minutos! JB Sapienza llegó a bordo dos años después, para ayudar a editar la película y esto realmente sirvió para tener a alguien con quien trabajar en la configuración de la película. Así que fue realmente genial, tener la película editada entre Sydney y Boston; enviarnos escenas por correo electrónico de un lado a otro y tratar de encontrar constantemente formas de sorprendernos, eso fue lo más divertido del proceso. También JB fue beneficioso para establecer la estética de la película, a través de su animación.

Podemos escuchar muchos testimonios de primera mano de sus protagonistas. Por tu cámara han pasado artistas como el productor Steve Albini, David Wyndorf (Monster Magnet), Jamie Miller (Bad Religion), Clint McBay y Mike Lewis (For Love Not Lisa), Todd Huth (Primus), Neil Fallon (Clutch), Joey Castillo … por mencionar solo a unos pocos.

Supongo que una de las más arduas tareas del documental fue diseñar las entrevistas, el calendario, los viajes… ¿Qué puedes contarnos sobre todo esto? Y por otro lado, supongo también que el material es tan rico y profundo que habrá sido difícil mantener la linea recta sobre el mismo tema a trabajar ¿Han surgido nuevas ideas y enfoques para otros proyectos a partir de este trabajo?
Sí, hacer malabares con los horarios era ridículamente complicado. Filmé en 23 ciudades de los EE. UU. Junto con algunas en Australia. Al mismo tiempo, estos artistas también estaban de gira, así que había un par de artistas a bordo que también extrañé, pero quedé muy contento con lo que obtuve. Tenía 90 horas de metraje y fue bastante difícil descubrir qué quedaría en la película. Gran parte del metraje fue tan entretenido y sorprendente de ver, pero también hizo que las cosas fueran difíciles de editar.

Opino que, para bien o para mal, la distancia en el tiempo con aquel movimiento y aquellos acontecimientos da la perspectiva suficiente para abordar algunos de los temas que surgen y se exponen en el documental. Especialmente cuando muchos de los que fuimos adolescentes entonces somos ahora la generación “madura”. ¿Cuales son tus vivencias personales más impactantes sobre aquel momento? ¿Donde y cual fue la actuación más underground que presenciaste? Y con el paso de los años, ¿qué ideas forjaste de tus experiencias y de cómo había ido cambiando la escena?
Para mí fue ver a Kyuss actuar con Mike Dean de C.O.C. en el bajo, tocaban en una pequeña tienda de campaña, eso me voló la cabeza.
Para JB, su recuerdo favorito era ver a Corrosion of Conformity telonear a Metallica y sacarlos del escenario.
Nuestros dos compositores de música, Alex Newport y Mark Bradridge tienen sus propios recuerdos. Alex recuerda haber visto a Dinosaur Jr. y Band Of Susans, y dijo que era como estar parado junto a un motor a reacción, y le encantó.
Mark recuerda haber visto a Helmet tocar en un show en un restaurante brasileño. No tiene idea de por qué estaban tocando en un restaurante. Este fue uno de los espectáculos justo antes de que su guitarrista original fuera expulsado, y dijo que se podía sentir la tensión en la sala entre los miembros. Helmet comenzó a jugar y estaban haciendo temblar todo el restaurante.
Parecía que había una vibración en ese momento que abarcaba energía cruda, peligrosa y creativa, y parecía suceder en todo tipo de formas y especialmente en la música. Fue un momento emocionante para ser joven y expresar tu voz.

En el documental se hablan de dos ideas entrelazadas: de la evolución del rock alternativo desde el punk y el hardcore y del escenario político de George Bush y la guerra del Golfo. Muchos movimientos culturales alternativos nacen de un “NO” visceral al poder, a la autoridad y a la idea preconcebida de “normalidad”. El Mayo del 68 francés decía “no sabemos lo que queremos pero sí lo que no queremos”. El Movimiento Hippie decía “haz el amor y no la guerra”. El Punk, “no hay futuro”. ¿Qué temas en común y distintos ves en estos u otros movimientos independientes?
A pesar de la naturaleza agresiva de la música, creo que los años 90 fueron en realidad una época de gran optimismo. Tenías a los jóvenes reuniendo su voz y queriendo realmente expresar algo. Una gran parte de todo esto es que fue antes de internet, y parecía que muchas ciudades de todo el mundo, especialmente en los EE. UU., Tenían un verdadero sentido de identidad individual. En retrospectiva, estar enojado por George Bush parece pintoresco en comparación, pero se trataba de esa onda y de ver lo que se siente al vivir en un momento de posibilidades. Los estilos musicales se combinaban. La gente estaba siendo inspirada por nuevos sonidos. Parecía que los jóvenes estaban reuniendo su voz a través de cosas como el punk, el hip-hop, el graffiti, etc.

En relación a la anterior pregunta, otra de las características comunes que se comenta en el documental es tocar música a un volumen más alto. Subir el gain de los amplificadores. Afinaciones más abiertas. Música más agresiva. Pero también de emociones más descarnadas. Intensidad, en todos los factores. Es, en  cierto modo, un movimiento inteligente, con un buen uso de la ironía, pero sin el absoluto cinismo del punk. ¿Qué piensas sobre las inspiraciones artísticas y los temas principales abordados por el rock alternativo de los 90?
Una vez más, fue esa sensación de combinar estilos y decir “sí, está bien inspirarse en Black Sabbath y la música pop, así como en el punk, y estamos entusiasmados con eso. No es lo mismo de siempre”.
Lo grandioso de esto fue cuántos sonidos diferentes salieron de él. No fue solo grunge, sino industrial, post-hardcore, stone rock … ¡un buen momento para ser joven y furioso!

El documental subraya en su titulo “auge y caída”. Se habla de muchas facetas sobre este tema. Cómo el éxito se come por dentro a algunos artistas o grupos. La popularidad… Siempre se dicen muchos tópicos en este asunto, sobre la muerte por éxito, sobre “venderse”… Pero una cosa que señala muy bien el documental es el rol que tienen las grandes discográficas sobre este asunto, sobre sus números e intereses comerciales. ¿Cómo desarrollaste esta idea y enfoque? ¿Son tan radicalmente opuestos la industria discográfica y la música alternativa?
Bueno, la primera generación de bandas que se convirtió en un gran éxito estaban legítimamente fuera del radar, tocando porque les encantó. Estaban siguiendo los pasos de otras bandas que se rompieron la espalda y abrieron senderos. De repente, subir a MTV y obtener un gran contrato discográfico se convirtió en una posibilidad real para ellos, y terminó contaminando la escena musical. Esto no se debe a que los músicos dejaran de preocuparse por la música, sino porque una vez que la industria de la música se dio cuenta de que podían ganar dinero con estas bandas, fue dictada por la industria. Hubo esta extraña contradicción de “Bueno, somos realmente clandestinos y auténticos, así que seremos la próxima gran banda y subiremos a MTV”. Entonces, el argumento que mencionas probablemente habla de cómo todo se volvió realmente falso en cierto punto porque la escena underground pasó de ser impulsada por sus raíces a ser impulsada por corporaciones que tienen que recrear esta percepción para las masas.
Hubo algunas personas en la industria discográfica convencional que entendieron eso, pero hubo muchas que no. La forma en que esto se reveló fue que, como fan, había muchos álbumes que me encantaron de bandas que solo lanzaron un único álbum. Muy a menudo, estas bandas eran a menudo mejores que los nombres conocidos. Bandas como Ten Minute Warning, Handsome o Nudeswirl … fantásticas. No podía entender por qué se los pasaba por alto. Cuando exploré por qué era esto, fue cuando descubrí que la industria discográfica jugó un papel importante en aplastar sus carreras … así es como se desarrolló la idea.

Una de mis ideas personales sobre el asunto discográfico es que si algo funciona (por azar) es tratar de fabricarlo en masa. Ordeñar la vaca todo lo que se pueda. ¿Cuales son para ti esos efectos colaterales del rock alternativo de los 90 de fabricación en masa?
Ese fue un gran problema en cómo se contaminó esa escena de rock alternativo. La constante necesidad de las compañías discográficas de replicar ese mismo tipo de sonido. Es horrible. Hubo tantos actos talentosos que fueron ignorados, incluso bandas pop como Brad o The Sundays que poseían el atractivo de ser éxitos de masas, quedaron atrapados en el mismo problema que las bandas de rock. Como dijo Josh Blum de Sugartooth, “El mayor defecto con el negocio de la música es que siempre estás tratando de perseguir lo que ya existe en lugar de intentar crearlo”.

En las dos últimas décadas, la música alternativa no ha desaparecido. Pero la industria discográfica es una maquinaria mayor, más fina y engrasada. ¿Cómo crees que ha ido evolucionando en voracidad y producto de consumo y hacia que dirección va?
Debo ser honesto, no tengo ni idea … Creo que la industria discográfica está en un lugar más fuerte que hace 10 años, pero están jugando de manera muy segura. También parece que la ‘música alternativa’ o ‘música independiente’, también se ha convertido en algo ‘apropiado’ o más seguro, lo cual creo que es el resultado de cómo la radio infectó esta escena. Todavía hay música vanguardista, pero hay que buscarla entre los millones de bandas en Internet. La industria ahora parece orientada a apoyar principalmente las grandes estrellas del pop nuevamente.

Y por otro lado, a través de medios más directos con el público como internet, de pequeños festivales donde el contacto con los músicos en escena y stands es más cara a cara… ¿Cómo crees que ha evolucionado la escena independiente?
En muchos sentidos, la escena independiente se asemeja a los días de los 80 y el Do It Yourself (Haztelo tú mismo) de la escena punk. Todo está en los hombros de las bandas una vez más para hacer todo el trabajo y lo maravilloso de eso es que las bandas pueden tener una relación directa con su audiencia, si han construido un seguimiento orgánico. Ese intermediario de una compañía discográfica ya no es la única forma de seguir adelante como músico.

¿Qué nuevos proyectos tienes y que nos puedas comentar?
Voy a machacar con esta película por todo el mundo antes de centrarme en otra cosa 🙂

English:

UNDERGROUND INC:
THE RISE & FALL OF ALTERNATIVE ROCK.

THE SOUND BEFORE THE SHOT.

Today they are likely to call everything you remember nostalgia. I would not call it that. Nostalgia today looks like a bottled perfume to pay with your smartphone’s virtual credit card. That nostalgia is used as a cloth with chloroform. They are only vapors. And your memories are moments that you can bring to the present. Pieces of living reality that launch into the immediate future. Footprints to follow and track. You have to turn the totemic corpse of grunge and discover that there are not only worms, but buried wild flowers that scream and vibrate with a wild and original fury. Remember when the world was smaller (and perhaps it has not ceased to be). When behind the screen were small bars, neighborhood parks, uninhabited houses … and you just had to walk there. UNDERGROUND INC. It’s not just memories, it’s a documentary about the crime of record greed. It is also a documentary about the scene that you did not see but you knew it was there … and that it is still there. You just have to choose. You just have to find. That is not nostalgia. That is just listening to music. Wild and powerful music.

In Staf Magazine, we interview Shaun Katz, its director and principal director. And with this we can only tell you the next three steps you should take (each one more important than the previous one): read the interview, watch the documentary, listen to the music.

Underground Inc.: the rise and fall of alternative rock is a documentary full of reflections on the independent music scene of the late 80’s and much of the 90’s. What central idea to tell you saw in your mind to mount all the work that have you done?
I was very inspired by many of these bands that had gone unnoticed during that time. Many of them had released these amazing albums. I was very driven to find out what was going on behind the scenes, in the music business that had caused these bands to not have become better known. These were bands that were similar in style to popular artists like Rage Against The Machine or Smashing Pumpkins, but the music buying public just didnt know they existed. In many cases these bands, like Sensefield, Jawbox or Course Of Empire, were even better than the well known ones.
As far as the central idea, I discovered that during the filming and editing, and that was the idea that it’s vital for a band to take control of their destiny and their business if they want to go the distance in the music business. No one will do it for you otherwise, especially not a big record company. I think a lot of young artists think that once they get signed then they have made it, but once that happens they enter into a whole new world of politics where a label aren’t required to put your record our or even promote it once it’s been recorded. I think this is a shock to a lot of young artists when they find this out.

Another basic but very important question, how does the project start? What help and difficulties did you encounter and how did it take shape until the final result?
I was helping manage a record store and the owner introduced me to one incredible album after the next. These were bands that the music buying public had never heard of. Very often these bands were better than the house hold names. The strange thing was that a lot of these bands never got to put out more than one album. This is how I discovered that there was this big gold rush in the music industry during that time to find the next big thing after Nirvana became huge. Yet if you didn’t sell 500,000 copies right out the gate you were done. While the tales of industry were intriguing to read about, it was the music by these bands that made me want to make the film. I wanted to get in there and find out why these bands that became the soundtrack to my life never got that second record out!
The difficult part was all the footage – 90 hours of it to be exact – and I had to edit it all into 90 mins! JB Sapienza came on board two years in, to help edit the film and this really helped to have someone to work with in shaping the film. So that was really cool, have the film being edited between Sydney and Boston; us emailing scenes back and forth and trying to constantly come up with ways to surprise each other, that was the most fun thing in the process. Also JB was beneficial in establishing the aesthetic of the film, through his animation.

We can hear many first-hand testimonials from its protagonists. Artists like Steve Albini (producer), David Wyndorf (Monster Magnet), Jamie Miller (Bad Religion), Clint McBay and Mike Lewis (For Love Not Lisa), Todd Huth (Primus), Neil Fallon (Clutch) have passed through your camera. Joey Castillo … to mention just a few.

I guess one of the most arduous tasks of the documentary was to design the interviews, the calendar, the trips … What can you tell us about all this? And on the other hand, I also suppose that the material is so rich and deep that it will have been difficult to keep the straight line on the same tidea to work. Have new ideas and approaches for other projects emerged from this work?
Yeah, juggling schedules was ridiculously tricky. I filmed in 23 cities in the U.S. along with a few in Australia. At the same time these artists were also touring, so there were a couple of artists on board that I also missed – but I was very happy with who I got. I had 90 hours of footage and it was quite challenging to figure out what would stay in the film. So much of the footage was so entertaining and amazing to watch, but it also made things difficult to edit.

I think that, for better or worse, the distance in time with that movement and those events gives enough perspective to address some of the issues that arise and are exposed in the documentary. Especially when many of us who were teenagers then we are now the “mature” generation. What are your most impressive personal experiences about that moment? Where and what was the most underground performance you witnessed? And over the years, what ideas did you forge from your experiences and how the scene had changed?
For me it was seeing Kyuss perform with Mike Dean from C.O.C. on bass, they played in a little tent – that blew my mind.
For JB, his favourite memory was watching Corrosion of Conformity open for Metallica and blow them off the stage.
Both of our music composers, Alex Newport and Mark Bradridge have their own recollections. Alex recalls seeing Dinosaur Jr. and Band Of Susans, and said it was like standing next to a jet engine – and he loved it.
Mark recalls seeing Helmet play a show at a Brazilian restaurant. He has no idea why they were playing in a restaurant. This was one of the shows right before their original guitarist was kicked out, and he said you could feel the tension in the room between the members. Helmet started playing and it was making the whole restaurant shake.
It seemed there was this vibe about that time that embraced raw, dangerous, creative energy, and it seemed to happen in all kinds of ways and especially in music. It was an exciting time to be young and get your voice out.

The documentary talks about two intertwined ideas: the evolution of alternative rock from punk and hardcore and the political scene of George Bush and the Gulf War. Many alternative cultural movements are born from a visceral “NO” to power, authority and the preconceived idea of “normality”. The French May 68 said “we don’t know what we want but what we don’t want”. The Hippie Movement said “make love and not war.” Punk, “there is no future.” What issues in common and different do you see in these or other independent movements?
Despite the aggressive nature of the music, the 90s was actually a time of great optimism, I think.  You had the youth getting their voice together and wanting to really express something. A big part of all this is that it was before the internet, and it felt like a lot of cities around the world, especially in the USA had a real sense of individual identity. In hindsight being angry about George Bush seems quaint in comparison but it was about the vibe and about seeing what it felt like to live in a time of possibility. Music styles were combining. People were being inspired by new sounds. It felt like the youth were getting their voice together through things like punk, hip-hop, graffiti etc

In relation to the previous question, another of the common characteristics discussed in the documentary is to play music at a higher volume. Increase the gain of the amplifiers. More open tunings. More aggressive music But also of more stark emotions. Intensity, in all factors. It is, in a way, an intelligent movement, with a good use of irony, but without the absolute cynicism of punk. What do you think about the artistic inspirations and the main themes addressed by the alternative rock of the 90s?
Again it was that sense of combining styles, and saying “yes, it’s okay to be inspired by Black Sabbath and pop music, as well as punk – and we’re excited about it. It’s not the same old stuff”.
The great thing about were how many different sounds came out of it. It wasn’t just grunge, but Industrial, post-hardcore, stone rock…..a great time to be young and angry!

The documentary underlines in its title “rise and fall”. There are many facets about this subject. How success is eaten inside by some artists or groups. The popularity … Many topics are always said in this matter, about the death by success, about “selling” … But one thing that the documentary points out very well is the role that the major labels have on this issue, on their Commercial numbers and interests. How did you develop this idea and approach? Are the record industry and alternative music so radically opposed?
Well the first generation of bands that became hugely successful were legitimately under the radar, playing because they loved it. They were following in the footsteps of other bands who broke their back and blazed trails. Suddenly getting on MTV and getting a huge record deal became a real possibility for them, and it landed up polluting the music scene. This isn’t because musicians stopped caring about music, but it was because once the music industry realised that they could make money from these bands it became dictated by industry. There was this weird contradiction of, “Well we’re really underground and authentic so we’re going to be the next big thing and get on MTV”. So the statement that you mentioned probably speaks to how the whole thing became really fake at a certain point because the underground scene went from being driven by a grass roots foundation to being driven by corporations who have to recreate this perception to the masses.
There were some people in the mainstream record industry that understood that, but there were many that didn’t. The way this was revealed was, as a fan there were so any albums I loved by bands who only released one album. Very often these bands were often better than the household names. Bands like Ten Minute Warning, Handsome or Nudeswirl….fantastic. I couldn’t understand why they were so overlooked. When I explored why this was, that’s when I discovered that the record industry played a big part in squashing their careers….this is how the idea developed.

One of my personal ideas on the record issue is that if something works (by chance) it is trying to make it mass. Milking the cow as much as possible. What are those side effects of the alternative rock of the mass-produced 90s for you?
That was a huge issue in how that alternative rock scene was polluted. The constant need for the record companies to replicate that same type of sound. It’s horrible. There were so many talented acts that got ignored, even pop acts like Brad or the Sundays who possessed the catchiness to be massive sellers got caught up in the same problem as the rock bands were. As Josh Blum from Sugartooth said, “The biggest flaw with the music business is that your always trying to chase the thing that already exists rather than trying to create it”.

In the last two decades, alternative music has not disappeared. But the record industry is a larger, finer and more oiled machinery. How do you think it has evolved in voracity and consumer product and in which direction is it going?
I must be honest, I have no idea… I think the record industry are in a stronger place than they were 10 years ago, but they are playing it very safe. It also seems that ‘alternative music’ or ‘indie music’, has also become kind of ‘proper’ or safer, which I think is a result of how radio infected that scene. There still is edgy music out there, but you have to really search for it among the millions of bands on the internet. The industry now seems geared to mainly support pop acts again.

And on the other hand, through more direct media with the public such as the Internet, small festivals where contact with the musicians on stage and stands is more face to face … How do you think the independent scene has evolved?
In many ways, the independent scene resembles the days of the 80s D.I.Y. punk scene again. Its all on the bands shoulders once more to do all the work and the wonderful thing about that is that bands can have a direct relationship with their audience, if they have built an organic following. That middle man of a record company isn’t the only way to forge ahead as a musician any more.

What new projects do you have and what can you tell us?
I’m going to stick to getting this film out world wide before I focus on anything else 🙂