Algunos artistas viven pendientes de su obras y de su estatus, mientras otros se dejan guiar únicamente por sus impulsos de libertad. El destino solamente es un camino que siguen apasionadamente en busca de ese destello de creatividad que compense todos los esfuerzos invertidos a lo largo de los años, pero nunca se toman ese éxito como la última estación del viaje. Por este motivo, siempre quedan grandes retos que cumplir y nuevos diseños que sacarse de la manga. Esto es lo que debe pensar Jeremy Fish, un ilustrador consagrado y apasionado del skate que se trasladó a San Francisco para estudiar en la universidad a principios de los años 90 y, sin pretenderlo, encontró su pasaporte hacia la fama. Un largo recorrido en el que ha conocido artistas legendarios, ha tenido la oportunidad de exponer en diversas galerías e incluso ha logrado aparecer en una película de Tim Burton. Nos hemos sentado en la pizzería que se encuentra al lado de su casa para hablar sobre todos estos temas y descubrir los entresijos de sus ilustraciones.

¿Qué fue lo que te llevó a instalarte en San Francisco, el mundo del skate o su escena artística?
Fue una combinación de ambas cosas. Si te soy sincero, la educación fue el motivo principal, puesto que mis padres querían que me matriculara en la universidad y yo, realmente, quería ir a la escuela de arte, cosa que no les hacía demasiada ilusión. Pero trasladarme a San Francisco fue importante porque siempre me han gustado los artistas que han salido de esta ciudad y aquella escena que se hizo tan famosa que influyó mucho en mi obra a principios de los años 90. Además, aquí estaba el epicentro de la cultura del skate y de todo aquello que me importaba, como las revistas. Así que si tenía que ir a la universidad, éste era el mejor lugar del mundo. Resumiendo en orden de importancia: la educación fue lo primero, luego vino el skate y tercero fue el arte.

¿Qué sucedió cuando terminaste tus estudios?
Tuve mucha suerte porque el vecino de mi apartamento de estudiante trabajaba en la industria del patín en la ciudad. San Francisco es el hogar de Thrasher Magazine, Slap Magazine, Spitfire Wheels, Independent Trucks y Deluxe… y mi amigo Dustin trabajaba para ellos. Así que, justo un mes después de terminar mis estudios, él me llamó, me dijo que su jefe había dejado el puesto y que ahora él estaba al frente del departamento donde imprimían las camisetas, las pegatinas y los gráficos las tablas. Mi especialidad era en impresión y tenía experiencia en el sector publicitario, así que para mi fue un sueño hecho realidad poder trabajar de lo que me gustaba y, además, en el mundo del skate. Sin duda, ésa fue una de las mejores oportunidades que he tenido en toda mi vida.

¿Qué recuerdas de aquella época?
Yo hacía de intermediario entre el departamento de diseño y la gente que se encargaba de imprimir los gráficos. Por ejemplo, Todd Francis, que entonces era el jefe de diseñadores de Antihero, preparaba las imágenes y yo tenía que comprobar sus colores, mezclar las tintas y asegurarme de que todo estaba correcto. Después tenía que trabajar con el impresor para que todo saliera bien.

¿Cómo fue la experiencia de trabajar con un referente como es Todd Francis?
Él es uno de mis artistas favoritos por un gran número de razones. Muchas veces bromeo con él y le digo que fue el mejor profesor de universidad que tuve porque justo acababa de graduarme y ninguno de mis profesores tenía demasiado sentido del humor o talento. Lamentablemente, esa es la realidad de muchos profesores universitarios y creo que el 99% del tiempo te está enseñando alguien que puede que no tenga las habilidades suficientes para sobrevivir en el campo que tú quieres dedicarte. Pero Todd me enseñaba mediante cosas prácticas, es decir, yo aprendía en base a sus éxitos y a sus errores. Cuando hacía un gráfico para una tabla, yo le preguntaba cómo había logrado ese color o ese degradado. Estaba aprendiendo de un tío que era de los mejores del mundo y no digo esto porque sea mi amigo, sino porque realmente creo que no había nadie diseñando skates a mediados de los 90 que tuviera tanto talento y tan buen humor como Todd Francis. Y no sólo él, también Christian Cooper, que se encargaba del diseño en Stereo, y muchos otros. Puede que ahora vendan más tablas, pero entonces su trabajo era mejor… o puede que yo fuera más joven y me sintiera más identificado con el público al que se dirigían con esos gráficos.

¿Qué lecciones aprendiste trabajando con todos estos iconos?
Aprendí cosas sobre el color, la técnica de diseño y la separación de los gráficos por capas. Recuerdo que Todd me dijo una vez algo que todavía pongo en práctica hoy en día cuando hago trabajos que van dirigidos a un público joven: “piensa sobre ello, cuando estás decorando una tabla de skate, tu público es un chaval de 16 años y sólo hay dos cosas que puedes hacer para llamar su atención… hacer que se ría o hacer que se sienta fuerte. Si no logras una de estas dos cosas, no le importará una mierda lo que hayas diseñado”. Y esto es una gran verdad. Puedes observar la mayoría de gráficos clásicos que se han hecho durante la historia de este deporte y verás que te despiertan una sonrisa o te hacen sentir un tipo más duro. O puede que, simplemente, sean diseños bonitos y eso es el punto intermedio.

¿Cuándo diste el salto a diseñar tus propios gráficos?
Piensa que la gente que tenía la imprenta también era propietaria de las revistas de skate y, en el verano de 1998 o 1999, yo estaba en mi casa haciendo mis diseños durante las noches y organizando pequeñas exposiciones, porque eso es lo que haces cuando sales de la escuela. Se podría decir que yo tenía dos vidas: un trabajo a jornada completa revisando gráficos de skate y un trabajo por las noches en el que me dedicaba a pintar y montar exposiciones. En cierto momento ambos mundos empezaron a solaparse. Los tíos para los que trabajaba vinieron a mis exposiciones y, poco a poco, se animaron a hacerme encargos de ilustraciones. Recuerdo que diseñé una camiseta para Slap, otra para Thrasher y luego ya llegaron las tablas de skate… no eran estúpidos, sabían que eso era lo que yo quería hacer, pero al principio no querían que lo hiciera durante su jornada laboral. Cuando las cosas que diseñaba empezaron a venderse bien, fue cuando me dieron un trabajo en el departamento de arte. Seguramente ese fue el último empleo estable que he tenido.

Después empezaste tu etapa como artista freelance…
Debido a la gran visibilidad que me dio la industria del skate, me ofrecieron una columna en Slap para mostrar mis ilustraciones. En aquellos dos años y medio, seguramente diseñé unas 300 tablas… no estoy orgulloso de todas ellas porque técnicamente no sabía como sacar todo el partido al ordenador y tenían muchas partes con textos. Es cierto que no trabajaba para la mayor empresa del mundo del skate, así que mi tarea consistía en imitar gráficos de otras marcas que yo no era incapaz de hacer. Fue una época complicada porque no me sentía cómodo trabajando de esa manera. Aunque esa oportunidad me permitió establecerme por mi cuenta y hacer mis propias cosas.

¿Qué retos te planteaste entonces?
Cuando dejé esa empresa, la visibilidad que tenía por haber hecho 300 tablas y por haber publicado mis ilustraciones en esa revista hizo que me llegaran mails de todas partes del mundo invitándome a participar en exposiciones, a colaborar en revistas o a diseñar para marcas de ropa. Así que convertí esa pasión en una manera de ganarme la vida. Primero participé en un programa de becas de una galería de arte de San Francisco, que me ofrecía la posibilidad de vivir en la galería y hacer mis diseños a cambio de abrirla al público dos días a la semana. Después me instalé en un local cerca de la playa que había sido un videoclub y tenía una pequeña cocina y un baño, pero era muy económico… y mi carrera como artista freelance empezó realmente allí.

Tu estilo se caracteriza por mezclar animales con máquinas. ¿Cuándo empezaste a ir en esa dirección?
Aunque no lo creas, eso surgió cuando era pequeño y, realmente, no sé cómo surgió. Mi madre aún saca dibujos que hice en la guardería donde aparece una rana que tiene forma de camión y hay un tío dentro conduciendo la rana. Supongo que tiene relación con los dibujos animados que veía cuando era niño o con los libros que me leían mis padres. Todo lo que estaba a mi alrededor puede haber tenido influencia en estos temas. Ahora que soy mayor, creo que los animales son más sencillos para utilizarlos como símbolos que representen la personalidad de la gente y los vehículos son, simplemente, temas muy divertidos de dibujar. La unión de ambos mundos me permite crear cierta tensión.

¿Qué papel juega la ciudad de San Francisco en tu obra?
Creo que aparece de una forma muy respetuosa por la gran oportunidad que me brindó al inicio de mi carrera artística. Siempre he estado agradecido a la gente que me ha abierto puertas y me ha ayudado. Por ejemplo, no estaría aquí sentado si no fuera por la propia esencia de este lugar. Así que es una manera de decir gracias a la ciudad más cara de los Estados Unidos y a mi vecindario, que está en el tercer puesto del ranking nacional. Me siento muy afortunado, vivo trabajando de lo que me gusta y estamos haciendo esta entrevista en la pizzería al lado de mi casa. Está cerrada, pero nos dejan hacerlo aquí de todas formas. Le debo a esta ciudad casi todo lo que tengo, incluso más de lo que soñé.

Para terminar esta conversación, ¿qué puedes avanzarnos sobre tus próximos proyectos?
Estoy preparando una gran exposición para principios del próximo año en una galería de Los Ángeles. Puede que este año me haya concentrado más en mi vida personal, he rehabilitado mi apartamento, me he casado y he hecho unos cuantos temas para anuncios. También he colaborado con Tim Burton, que ha rodado una película en mi vecindario sobre una pintora muy famosa de los años 50 y 60 llamada Margaret Keane, y tuve la oportunidad de pintar algunos murales para la película… y también aparezco en ella. Nos utilizaron a mi mujer y a mi como personajes en una de las escenas. Fue una gran oportunidad. Además, estas Navidades saldrán varios skates que he diseñado para Santa Cruz.

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Entrevista: Stephane Merand
Edicion: David Moreu
Imágenes: Archivo