(english below) Deanna (DT) y Ed Templeton (ET) acaban de editar un libro Contemporary Suburbium (Nazraeli press 2017), un nuevo acercamiento a la vida urbana norteamericana. Con una fotografía preciosista y una cuidada edición, Deanne y Ed acaban de sacar un magnífico libro sobre la vida en el extrarradio norteamericano.

Creo que esta es la primera vez que editas un trabajo conjunto. ¿Cómo es la experiencia de trabajar con otro fotógrafo?
ET: Hicimos un zine conjunto una vez llamado “Ninas Patinetas” que eran fotos de chicas patinando, y hemos hecho algunas exposiciones juntos, pero sí, este es el primer libro oficial que se ha publicado con la fotografía de ambos juntas.
DT: Trabajar con Ed fue un placer. Confío en su juicio y aporte. Y si él no está de acuerdo con algo, entonces me obliga a validar por qué sea lo que sea que estoy presionando es correcto.

Compartir el trabajo, editar este libro juntos: ¿es una forma interesante de crecer como fotógrafos?
ET: Fue divertido tratar de tejer una historia juntos en el pequeño espacio de este libro y también ya que el libro es de estilo acordeón, hacer que la historia sea continua y no suelta como en la mayoría de los libros. Para mí fue sencillo porque normalmente hago el diseño de mis libros, estoy acostumbrado a trabajar con mis propias imágenes, pero trabajar con Deanna es interesante porque hay formas en que veo su trabajo y me gustaría diseñarlo, y ella tiene diferentes ideas y me hace ver su trabajo de nuevas maneras y tal vez más cerca de cómo lo ve.

Deanna Templeton

Podríamos decir que la vida en los suburbios o en los barrios casi se ha convertido en un género en la fotografía contemporánea. ¿Qué te motivó a hacer este libro?
ET: La principal motivación es que vivimos en los suburbios y terminamos disparando muchas fotos de la vida aquí. Creo que nuestros viajes frecuentes nos dan una nueva idea de dónde vivimos en comparación con el resto del mundo y son esas diferencias y cosas extrañas las que me interesa explorar. Los Estados Unidos son un lugar donde grandes porcentajes de la población creen en fantasías extravagantes, política, espiritual y científicamente, y busco esas cosas, así como las cosas arquitectónicas que son muy típicas de los suburbios aquí. También la gran inspiración es hablar con Chris Pichler de Nazraeli Press sobre proyectos e ideas y luego sacar de esa conversación una idea para un libro que pasa a primer plano.

(Deanna) En 2002, comenzó una serie de revistas llamada “Blue Kitten Photos, one, two, and three”: ¿qué crees que gana la fotografía cuando la editas en revistas o libros?
DT: Editar las fotografías en un zine o libro realmente te da un control total sobre cómo quieres contar la historia. Para ver tu visión de principio a fin. Para las revistas de fotos de Blue Kitten, era solo yo la que hacía la secuencia y decidía en qué combinaciones de imágenes me sentía reflejada. Aunque fue divertido hacer eso por mi cuenta, a medida que los proyectos crecen, realmente me gusta la opinión de un extraño (Ed.). Como dije antes, tener a alguien cuestionándote de vez en cuando ayuda a reflexionar si realmente crees en tu propio trabajo.

Ed Templeton

¿Trabajas pensando en un proyecto fotográfico o ese proyecto fotográfico ya está en tu corpus de fotos?
ET: No trabajo en “forma de proyecto”. Para mí todos los días, en cada momento, intento tener una cámara en mi mano y, por lo tanto, cualquier segundo de mi existencia podría convertirse en una fotografía. Es a través de esta práctica que construyo mi cuerpo de trabajo, y la mayoría de mis libros de fotos y espectáculos provienen de la extracción selectiva de imágenes de ese corpus. Hacerlo de esta manera significa que esas ediciones pueden tener una buena profundidad. Las fotos de este libro, por ejemplo, datan de 2001. Eso significa que estamos seleccionando imágenes de más de 15 años de trabajo.
DT: Trabajo de dos maneras. Primero, siempre tengo una cámara alrededor de mi cuello, así que si sucede algo interesante a mi alrededor, entonces estoy lista. Disparo y acumulo y luego veo si hay un corpus de trabajo que tenga sentido en conjunto. Y segundo, trabajo en proyectos. Mi libro “The Swimming Pool”, sobre nadadores submarinos desnudos en los que trabajé durante 8 años: todos los veranos invitaba a amigos y amigos de amigos a nadar para mí específicamente para ese proyecto. También aproximadamente en la misma época en que estaba trabajando en otro libro, “Scratch My Name On Your Arm” sobre personas que reciben autógrafos en su cuerpo en lugar de un papel. A veces disparo una foto y luego pienso que quiero explorar más este tema en particular.

Deanna: ¿Cuál crees que es la conexión entre tu primer libro “Tu logotipo aquí” y el último que has hecho con Ed?
DT: Ambos libros estaban hechos de imágenes que me parecieron familiares, o más bien estoy buscando una familiaridad.

Deanna Templeton

¿Cuándo comenzó a darse cuenta de que la fotografía puede ser un medio de expresión artística?
ET: Me llamó la atención en 1994 cuando me di cuenta de que la vida que tenía para vivir como un skater profesional viajando por el mundo era digna de documentación. Fue entonces cuando comencé a disparar y nunca he parado desde entonces. Parte de esta comprensión para mí, vino de ver y digerir el trabajo de los fotógrafos Nan Goldin, Larry Clark y Jim Goldberg.
DT: Cuando Ed me dio espacio en una pared para un espectáculo que fue comisario de la Galería de Arte New Image hace unos 20 años.

¿Qué es lo que hace que sigáis utilizando cámaras analógicas?
ET: ¡Me encanta pagar por el carrete y el procesamiento! Argh. Esa parte es bastante exigente. Pero sí disfruto de la apariencia y el conocimiento del carrete, y paso el tiempo en el cuarto oscuro haciendo auténticas copias hechas a mano. Me gustan los errores, y que puedas ver la ‘mano’ en el trabajo. Le dice a un coleccionista que un artista hizo este trabajo, como una pintura, y no es de una máquina.
DT: Hace aproximadamente 13 años, un museo compró algunas de mis copias para su colección, con ese dinero compré una Leica M6. Estaba muy emocionada y agradecido. Siento que voy a sacar hasta el último centavo de esa cámara.

Ed Templeton

¿Qué fotógrafos y editores nos aconsejáis para que estemos actualizados con la nueva fotografía en los Estados Unidos?
¡Muchos editores están haciendo excelentes libros! Aperture está haciendo muy buenos álbumes de fotos, Nazraeli, Little Big Man Books. Esos son algunos editores de los Estados Unidos que se me ocurren de repente. En cuanto a los fotógrafos, estamos tan inundados de imágenes que cada vez es más difícil encontrar nuevos artistas que realicen trabajos interesantes a menos que ya los hayamos encontrado y ya los veamos en galerías y museos o aparezcan en una revista. Solo conozco a jóvenes amigos míos que hacen un trabajo interesante como Nolan Hall o Grant Hatfield. Stacy Kranitz, Daniel Arnold, Troy Holden son algunos de los fotógrafos de los que veo constantemente un buen trabajo nuevo via instagram.

¿Qué fotógrafos son los que más te han influenciado?
ET: Para mí han sido fotógrafos y fotógrafos de la calle que no se presentan de manera tradicional. Así que Garry Winogrand, Robert Frank, Jim Goldberg, Larry Clark, Susan Meiselas, Tom Wood, Larry Towell, Eugene Richards, Araki, Peter Beard, Mary Ellen Mark, Max Pam y David Hockney.
DT: Más o menos lo mismo para mí, excepto que me gustaría agregar a Hellen Levitt, Vivian Maier, Hiromix, Alec Soth, Bruce Davidson, Danny Lyon y Gilbert y George.
ET: ¡Oh, sí! Danny Lyon!

Deanna Templeton

Ed, me encanta la cantidad de revistas que has publicado. ¿Crees que los fanzines autoeditados son una forma interesante de conocerte a ti mismo como fotógrafo?
ET: Sí, totalmente. El proceso de hacer y publicar un zine es un buen ejercicio para hacer con su propio trabajo. Creo que es una forma barata y fácil de publicar y compartir tu trabajo. Hicimos zines originalmente porque nadie iba a publicar nuestro trabajo, así que nos publicamos en una máquina xerox y se los dimos a amigos. No se trataba de ser conocido o hacer dinero, sino más bien de hacer algo en lugar de nada.

La vida en la ciudad es una fuente inagotable para los fotógrafos, pero tus fotografías, más que un simple reflejo de la calle, transmiten un cierto estado mental, tu trabajo es hipnótico, ¿qué es lo que te motiva a hacer estas fotos?
ET: Creo que cada fotografía dice mucho sobre el fotógrafo, y ciertamente mi estado mental debería aparecer en mi trabajo si el espectador es lo suficientemente sensible como para leerlo. Me siento impulsado a hacer fotos. Salir de la casa no vale la pena si no tengo una cámara. Simplemente me gusta ver el mundo a través de una cámara y sacar ciertos lugares para compartir con los demás. Me gusta organizar una selección de fotografías para contar una determinada historia. Veo la historia de una manera, pero como la historia se cuenta con imágenes, hay mucho margen de maniobra para que el espectador haga sus propias interpretaciones, y eso también está bien. Las fotografías a menudo tienen más de un significado. Elijo fotos para libros y exposiciones que signifiquen algo para mí y espero que el espectador tenga la misma sensación que yo cuando lo miro.

Ed Templeton

¿Y qué te motiva a desarrollar gran parte de tu trabajo fotográfico en la ciudad donde vives?
ET: Haría lo mismo donde sea que viva. Si viviera en el campo o en el centro de la ciudad, creo que estaría documentando la gente y la escena allí. La motivación ha evolucionado con el tiempo. Desde que comencé a tomar fotos y a pintar a principios de los 90, el mundo se ha convertido en una película que estoy viendo y todo es potencialmente utilizable. Me gusta ver el mundo a través de ese lente, y con el tiempo he sido entrenado para verlo de esta manera, por lo que la motivación ahora es parcialmente de segunda naturaleza.
DT: Para mí, esta es una forma de mantener la práctica de disparar. Los dos trabajamos desde casa, por lo que documentar nuestra ciudad natal es una forma de salir de la casa, tomar el sol y hacer ejercicio. Y como no nos vamos de casa sin nuestras cámaras, disparamos en nuestras salidas.

Al ver tu trabajo en perspectiva, ¿cómo crees que ha evolucionado?
ET: ¡Ha cambiado tanto! Mis pinturas especialmente. Sigo aprendiendo cosas nuevas sobre qué y cómo presentar una idea, para que realmente puedas ver la evolución en mis pinturas. Fotográficamente, creo que los cambios son más sutiles, ya que el aparato no ha cambiado, y todavía estamos mirando un rectángulo B & W. Pero para mí veo personalmente el cambio en la forma en que obtengo las fotos y la frecuencia con la que obtengo una buena foto.
DT: Saber mejor lo que me gusta y me disgusta.

Deanna Templeton

Volviendo al libro: es un libro muy local, pero perfectamente comprensible para cualquiera, ¿qué crees que es universal en tus fotos?
ET: Creo que los suburbios en Estados Unidos tienen un cierto sentimiento y espero que ese sentimiento se refleje en las fotografías, a pesar de que el suburbio costero de California en el que vivimos es bastante diferente a la mayoría de los suburbios que no tienen clima soleado y la proximidad al océano que tenemos. La universalidad proviene del hecho de que los humanos y todo el bagaje que los acompaña es generalmente el mismo en cualquier parte. Los suburbios son simplemente un telón de fondo diferente, así que aunque estamos disparando aquí, se trata de personas. Estas fotos tratan de notar las pequeñas diferencias que existen entre las personas y la arquitectura en diferentes entornos, y para mí al menos, quería establecer un equilibrio entre la igualdad de este lugar, los adolescentes aburridos que viven en él, la belleza y la enfermedad mental colectiva aparente en las personas que viven en su burbuja suburbana supuestamente perfecta.

Hace algunos años, editar libros de fotos no era algo muy común; ahora mismo, al menos aquí en España, hay una explosión de fotolibros y revistas. ¿Crees que da una nueva perspectiva a la fotografía, otra forma de narratividad?
ET: Creo que la tecnología ha hecho que la publicación sea accesible y relativamente barata para cualquiera. Entonces, no hay “porteros” que decidan qué es lo que vale la pena publicar. Así que, naturalmente, veremos libros de todos los que lo deseen. Esto es bueno y malo. Todos deberían tener su oportunidad. Pero con todo el mundo teniendo esa oportunidad, veremos muchos proyectos a medio hacer de baja calidad porque el sello distintivo de la juventud y el deseo es la falta de paciencia, lo sé por experiencia personal. Y también les hablo a muchos chicos que están entusiasmados por mostrarme su trabajo y hacer libros, y la mayoría de las veces harían un mejor trabajo si invirtieran más tiempo en el trabajo y esperaran algunos años. Pero no pueden ver el pasado “ahora”. Así que hay un montón de libros para ver, y como siempre, los mejores llegarán a la cima, y ​​algunos de los que surjan vendrán de alguien que se arriesgó y publicó y obtuvo éxito, y eso es justo y justo y cómo debería ser.

Creo que, como muchos escritores que siempre escriben sobre el mismo tema, los fotógrafos tienen sus propias obsesiones. ¿Qué te gusta fotografiar más?
ET: He perdido temas que buscar constantemente, pero el tema principal siempre han sido las personas. Patinadores, fumadores adolescentes, gente en las calles, en las playas…siempre se trata de personas. La juventud y la adolescencia parecen ser temas comunes. Me encantaría ser invisible, entonces podría seguir a cualquier grupo de personas y disparar en secreto. Eso es básicamente lo que trato de hacer sin ser invisible, es mucho, mucho más difícil.
DT: Tengo que decir que la gente también. Siempre estoy buscando algún tipo de conexión.

¿Cuáles fueron tus primeros proyectos fotográficos y qué aprendiste de ellos?
ET: Para mí, comenzó con querer documentar a los skaters. He estado mostrando el trabajo durante años en exposiciones, pero todavía tengo que llevar a buen término ese proyecto original. ¡Así que mi primer proyecto aún no está terminado y he estado trabajando en él durante 23 años!
DT: Mi primer proyecto fueron los libros de autógrafos en cuerpos “Your Logo Here” y “Scratch My Name On Your Arm.” Aprendí que tenía que hacer fotos que no juzgaran el tema, a estar abierta a cosas con las que no estoy de acuerdo para lograr hacer fotos que puedan iniciar un diálogo.

¿Te sientes reflejado en tus fotos?
DT: Sí, a veces. A veces eso es lo que me empuja a soltar el disparador, veo algo que me recuerda a mí mismo.
ET: Creo que lo mencioné anteriormente, creo que cada foto es un reflejo de la mente del fotógrafo.

Deanna Templeton

Ed Templeton

Deanna Templeton

Ed Templeton

Ed Templeton

Deanna Templeton

Ed Templeton

English:

DEANNA & ED TEMPLETON.

REFLECTIONS OF BECOMING. A PHOTO EASSAY ON THE NORTH AMERICAN SUBURB

Deanna and Ed Templeton have just published the book Comtemporary Suburbium, a new approach to American urban life. With a precious photography and a careful edition, Deanne and Ed have just released a magnificent book about life in the American suburbs.

I think this is the first time you edit a joint work. How is the experience of working with another photographer?
ET: We did make a joint zine together once called “Ninas Patinetas” that was photos of girls skateboarding, and we have done a few exhibitions together, but yes, this is the first official book that has been published with both of our photography together.
DT: Working with Ed was a treat. I trust his judgement and input. And if he disagrees with something then it forces me to validate why whatever it is I’m pushing for is right. 

Sharing the work, editing this book together: is it an interesting way to grow as photographers?
ET: It was fun to try to weave a story together in the small space of this book and also since the book is accordion style, to make the story continuous and not by spreads as in most books. For me it was smooth because I usually do the layout for my books, I’m used to working with my own images, but working with Deanna is interesting because there are ways I see her work and would want to lay it out, and she has different ideas and it makes me see her work in new ways and perhaps closer to how she see it.

We could say that  life in the suburbs or neighborhoods has almost become a genre in contemporary photography. What motivated you to make this book?
ET: The main motivation is that we live in the suburbs and end up shooting lots of photos of life here. I think our frequent travels give us a new insight into where we live in comparison to the rest of the world and it’s those diffrences and strange things that I am interested in exploring. The USA is a place where large percentages of the population believe in outlandish fantasies, politically, spiritually and scientifically, and I look for those things as well as things architectually that are very typical for the suburbs here. Also the big inspiration is talking with Chris Pichler of Nazraeli Press about projects and ideas and then out of that conversation an idea for a book coming to the forefront.

(Deanna) In 2002 you started a series of zines called “Blue Kitten Photos, one, two, and three”: what do you think Photography gains when you edit it in zine or book?
DT: Editing ones photographs into a zine or book really gives you complete control on how you want to tell the story. To see your vision from start to finish. For the Blue Kitten Photo zines, it was just me doing the sequencing, and deciding what images combinations spoke to me and I felt releated to each other. Even though it was fun to do those on my own, as projects get bigger, I really like an outsiders input, (Ed’s.) Like I said before having someone question you every now and then helps you reflect on if you really believe in your work or think maybe they have a valid point.

Do you work thinking about a photographic project or that photographic project is already in your corpus of photos?
ET: I don’t work in “project form.” For me every day, every moment, I try to have a camera on my shoulder and therefore any given second of my existance could potentially become a photograph. It is through this practice that I build my body of work, and most of my photo books and shows come from selectively pulling edits of images from that body. Doing it this way means that those edits can have good depth. The photos in this book, for instance, go back to 2001. So that means we are selecting images from over 15 years of work.
DT: I work in two ways. First, I always have a camera around my neck so if something interesting happens around me then I’m ready. I shoot and accumulate then later see if there is a body of work that makes sense together. And second, I do work on projects. My book, “The Swimming Pool” about underwater nude swimmers I worked on for 8 years. Every summer I would invite friends and friends of friends over to swim for me specifically for that project. Also about the same time I was working on another book, “Scratch My Name On Your Arm” about people who get autographs on their body instead of a piece of paper. Sometimes I shoot a photo and then think I want to explore this particular theme more.

Deanna: What do you think is the connection between your first book “Your logo here” and the last one you’ve made with Ed?
DT: Both the books were made of images that I felt were familiar, or rather I’m looking for a familiarity.

When did you begin to realize that photography can be a means of artistic expression?
ET:  It struck me in 1994 when I realized that the life I was getting to live as a pro skateboarder travelling the world was worthy of documentation. That’s when I started shooting and have never stopped since. Part of this realization for me, came from seeing and digesting work from photographers Nan Goldin, Larry Clark, and Jim Goldberg.
DT: When Ed gave me space on a wall for a show he guest curated at New Image Art Gallery abouth 20 years ago.

What is it that keeps you using analog cameras?
ET: I totally love paying for film and processing! Argh. That part is pretty taxing. But I do enjoy the look and feel and lore of film, and spending time in the darkroom making authentic hand done prints. I like the mistakes, and that you can see the ‘hand’ in the work. It tells a collector that the artist his/herself made this work, like a painting, and it’s not from a machine.
DT: About 13 years ago a museum purchased some of my prints for their collection, with that money I bought a Leica M6. I was so excited and thankful. I just feel like I’m going to get every last penny out of that camera.

What photographers and publishers do you advise us to be up to date with the new photography in the USA?
So many publishers are making great books! Aperture is making really good photo books, Nazraeli, Little Big Man Books. Those are a few US publishers I can think of immediately. As far as photographers, we are so inundated with images that it’s increasingly hard to find new artists making interesting work unless they have already been found and you are seeing them already in galleries and museums or featured in a magazine. I just know young friends of mine making interesting work like Nolan Hall or Grant Hatfield. Stacy Kranitz, Daniel Arnold, Troy Holden are some other photographers I see consistently good new work from via instagram.

Which photographers are the ones that have most influenced you?
ET: For me it’s been street photographers and photographers who don’t present in a traditional way. So Garry Winogrand, Robert Frank, Jim Goldberg, Larry Clark, Susan Meiselas, Tom Wood, Larry Towell, Eugene Richards, Araki, Peter Beard, Mary Ellen Mark, Max Pam, David Hockney.
DT: Pretty much ditto for me except I would like to add Hellen Levitt, Vivian Maier, Hiromix, Alec Soth, Bruce Davidson, Danny Lyon and Gilbert and George.
ET: Oh yeah! Danny Lyon!

Ed, I love the amount of zines you have published. Do you think self-publishing fanzines is an interesting way to get to know yourself as a photographer?
ET: Yes, totally. The process of making and publishing a zine is a good excersize to do with your own work. I think it’s a cheap and easy way to publish and share your work. We made zines originally because nobody was going to publish our work, so we published ourselves on a xerox machine and gave them to friends. It wasn’t about getting known or making money it was more about just doing something as opposed to nothing.

Life in the city is an inexhaustible source for photographers, but your photographs, more than a simple reflection of the street, transmit a certain mental state, your work is hypnotic, what is it that motivates you to make these photos?
ET: I think each photograph says a lot about the photographer, and certainly my mental state should come through in my work if the viewer is sensitive enough to read them. I feel driven to make photos. Leaving the house isn’t worth it if I don’t have a camera. I just like seeing the world through a camera and plucking certain sights out to share with others. I enjoy arranging a selection of photographs to tell a certain story. I see the story one way, but since the story is told with images, there’s a lot of wiggle room for the viewer to make her own interpretations, and those are OK too. Photographs often have more than one meaning. I choose photos for books and exhibitions that mean something to me and I hope the viewer generally gets the same feeling I get when I look at them.

And what motivates you to develop much of your photographic work in the city where you live?
ET: I would be doing the same thing wherever I live. If I lived out in the countryside or in the city center I think I would be documenting the people and scene there, I just happen to live in between those two in the suburbs. The motivation has evolved over time. Since starting to shoot photos and make paintings in the early 90’s the world has become a movie I’m watching and anything is potentially usable. I like seeing the world through that lens, and over time I have been trained to see it this way, so the motivation is partially second nature now.
DT: For me this is a way to keep up the practice of shooting. We both work from home so documenting our hometown is a way to get out of the house, get some sun and exercise. And being that we don’t leave home without our cameras we shoot on our outings.

Seeing your work in perspective, how do you think it has evolved?
ET: It has changed so much! My paintings especially. I just keep learning new things about what and how to present an idea – so you can really see the evolution in my paintings. Photographically I think the changes are more subtle, since the apparatus has not changed, and we are still looking at a B&W rectangle. But for me I see the change personally in how I get photos and the frequency in which I get one that I think works as  a good photo.
DT: Knowing better what I like and dislike.

Returning to the book: it is a very local book, but perfectly understandable to anyone, what do you think is universal in your photos?
ET: I think the suburbs in America all have a certain feeling and I hope that feeling comes through in the photographs, even though the California coastal suburb we live in is quite different than the majority of suburbs that don’t have the sunny climate and proximity to the ocean that we have. The universality comes from the fact that humans and all the baggage that comes along with them is generally the same anywhere. The suburbs are just a different backdrop, so even though we are shooting here it’s really about people. These photos are about noticing the small differences that exist within people and the architecture in different environments, and for me at least, I wanted to strike a balance between the sameness of this place, the bored teenagers living in it, the beauty, and the collective mental illness apparent in the people living in their supposedly perfect suburban bubble.

Some years ago editing photobooks was not a very common thing; right now at least here in Spain there is an explosion of photobooks and zines. Do you think that it gives a new perspective to photography, another form of narrativity?
ET: I think technology has made publishing accessible and relatively cheap to anybody. So there are no “gatekeepers” deciding what is worthy of being published, and no major cost prohibitions. So naturally we will see books from everyone who fancies one. This is both good and bad. Everyone should have their chance. But with everyone having that chance we will see a lot of low-quality half-baked projects because the hallmark of youth and desire is a lack of patience, I know this from personal experience. And also I talk to lots of kids who are burning to show me their work and make books, and most of the time they would serve the work better if they invested more time into the work and waited a few years, putting the work through the ringer so it comes out the other side battle tested and stronger. But they can’t see past “now.” So there are loads of books to see, and like always the best will rise to the top, and some of those that rise will come from someone who took the chance and self published and got noticed, and that is just and fair and how it should be.

I think that, like many writers who are always writing about the same subject, photographers have their own obsessions. What do you like to photograph the most?
ET: I have lost of subjects that I’m constantly looking for but the main subject has always been people. Skateboarders, teen smokers, beach goers, people on the streets, it’s always about people. Youth and adolescence seem to be common themes. I would love to be invisible, then I could follow any group of people around and shoot secretly. That’s basically what I’m trying to do without being invisible, it’s just much, much harder.
DT: I have to say people too. I’m always looking for some kind of connection.

What were your first photographic projects and what did you learn from them?
ET: For me it started with wanting to document skateboarders. I have been showing the work for years in exhibitions but have yet to bring that original project to fruition. So my first project is not even finished yet and I’ve been working on it for 23 years!
DT: My first project was the body autographs books, “Your Logo Here” and “Scratch My Name On Your Arm.” I learned that I needed to make photos that didn’t judge the subject, to be open to things I dissagree with. To make photos that can start a dialouge.

Do you feel reflected in your photos?
DT: Yes, sometimes. Sometimes that is what makes me push the shutter release, I see something that reminds me of myself.
ET: I think I touched on that above, I think every photo is a reflection of the photographer’s mind.

DEANNA TEMPLETON

ED TEMPLETON