(english below) En cierta manera la fotografía de skate sigue la máxima de Cartier Bresson del instante decisivo, el momento en que la imagen está, ese segundo donde todo cuadra. En el caso de Benjamin Deberdt nos encontramos con fotografía de skate como excusa para hacer ARTE con mayúsculas. Benjamin Deberdt logra transcender la mera fotografía utilitaria de rápido consumo que inunda las publicaciones para ofrecernos una imagen genuina de la ciudad y de cómo interactuamos con ella, una imagen que puede ser vital, introspectiva, pero que seguro no nos deja indiferentes.

¿Qué fue primero: el skate o la fotografía?
Hmm, ahora que lo pienso, sería la fotografía… Siempre estuve fascinado con la cámara de mi padre. Era una herramienta familiar preciosa, algo que se sacaba para ocasiones especiales. Entonces, una  vez que crecí lo suficiente, él me enseñó a usarla sin romperlo. Podría haber documentado algunos de mis modelos de aviones de la Segunda Guerra Mundial  lo cierto es que no es que estuviera pensando demasiado en la fotografía. Era solo un objeto realmente genial que estaba allí y que por supuesto, te atrae. Pero la idea real de “fotografía” vino con el skateboarding, una vez que me enamoré del skateboarding … Toda su cultura era tan visual. Para acceder a cualquier información al respecto, tenías que estudiar las revistas y cada detalle de cada foto en ellas, incluso de las de esos tíos patinando piscinas abandonadas en el desierto, en algún lugar de California, con pantalones cortos de neón. Estaba tan lejos de nuestra realidad, parecía un sueño, entonces esas fotos eran diseccionadas, tal vez para verificar que fueran reales. Así que fue el skate el me metió esa idea tonta en la cabeza: “Oh, podría intentar tomar fotos de mis amigos que patinan y podrían quedar bien… ¿Quizás?”

Alex Olson, republique, Paris 2015

Tu fotografía recuerda bastante a la fotografía clásica de calle, muy directa y natural ¿cómo piensas que se desarrolló esta forma de ver la fotografía?
Diría que mucho de eso proviene del estudio de esas pocas copias de Transworld que podríamos obtener cuando viajamos a París, y de conseguir lo que estuviera disponible en la tienda de skate. En aquel entonces, Tobin Yelland tenía bastantes imágenes, y tenían un aspecto genial. Granoso, blanco y negro, y aparte de las fotos de acción, también tenía todas esas fotos de la vida de esos tipos, pasando el tiempo en las calles, que se veían realmente emocionantes. Era Transworld, por lo que todo ello me era bastante familiar, pero aun así se veía realmente emocionante el poder echar un vistazo a la vida en la calle. Porque eso fue lo que nos atrajo: las calles, porque incluso en nuestro campo, eso era lo que teníamos: las calles. No había piscinas abandonadas para nosotros … En aquel entonces, no tenía ni idea, pero un joven Tobin Yelland había hecho un curso de fotografía con Larry Clark que lo empujó a documentar eso: la realidad de la vida de sus amigos, porque tenía acceso a algo especial. Y, de muchas maneras, Larry es un fotógrafo muy clásico, solo que explora temas crudos. Entonces, al no tener idea sobre la historia de la fotografía, recibí una clase de segunda mano sobre fotografía de calle a través del trabajo de Tobin, solo porque quería saber más sobre Julien Stranger y Micke Reyes. De hecho, recuerdo haber tratado de explicárselo todo a esos dos, muchos años después, ¡bastante borrachos en una fiesta en San Francisco!

Ayudaste a fundar Sugar y Kingpin ¿cómo fue la experiencia de estar en la fundación de estas dos revistas de cabecera?
Para decirlo en pocas palabras, podría decir que Sugar me enseñó lo que quería hacer con mi vida, y Kingpin me recordó lo que no quería hacer con mi vida … Pero obviamente, hay más, mucho más. Cuando a mi primo Seb Caldas y yo nos ofrecieron comenzar una revista de skate en Francia en 1997, fue un sueño hecho realidad. Crecimos juntos, patinando, haciendo fanzines con amigos y así es como aprendimos nuestras primeras habilidades … ¿Y ahora tenía que llevar una revista “real” y él la diseñaría? ¡apúntanos! Entonces, Sugar fue muy idealista de muchas maneras. Nuestro editor no venía de la industria del skate, por lo que siempre que la revista se vendiera, podríamos hacer lo que quisiéramos con ella. No estábamos allí para impulsar la última campaña de marketing. Si estabas haciendo algo que pensábamos que era genial, te querríamos en la revista. Eso fue todo. En muchos sentidos, Kingpin era exactamente lo opuesto a eso, principalmente porque los tiempos habían cambiado. Las ventas de revistas estaban empezando a desvanecerse, por lo que el poder de las marcas sobre los medios estaba creciendo, tanto en el skateboard como fuera de él. No estoy seguro de haberme adaptado muy bien a eso … [Risas] Pero esos momentos en Londres alrededor de 2002 fueron grandiosos. Muchas cosas estaban sucediendo, y muchas personas inspiradoras estaban gravitando hacia la ciudad. Fue un momento emocionante para patinar en Londres … Me he encontrado y he sido influenciado por muchas personas maravillosas de aquellos tiempos, desde Fos hasta Lev Tanju, Stefan Marx o “Deeli”. También fue cuando Sen Rubio se convirtió en un súper fotógrafo casi de la noche a la mañana, así que había muchas cosas sucediendo y de lo que aprender.

Tom Knox, bs tailside, London 2014

¿cómo piensas que te ayudó a crecer como fotógrafo?
Diría que a través de los años he aprendido a intentarlo y a mantenerme abierto … Debido a que el skateboarding siempre está evolucionando, y están llegando nuevas generaciones, tienes que dejarlas. No se puede lamentar que Natas y Dressen no sean los mejores patinadores de calle para siempre. Tienes que mirar quién es nuevo y aceptar lo que traen. No caer en las tendencias tontas, pero mantener una mente abierta a ellas. Y así es como terminas documentando cosas y personas que podrían importar a largo plazo. Porque para mí, todo se trata del tema, no del ángulo o la técnica de encuadre. Veo personas cuyas historias me apetece contar, y trato de hacer eso.

He leído que sigues disparando con tu Nikon fm2 ¿qué es lo que te aporta disparar con carretes?
Pues todavía está viva y coleando pero es solo una de las cámaras que uso (todas de carrete). Al principio, fue por necesidad en cierto modo. Estaba demasiado arruinado para tener todo digital, y no tenía necesidad de disparar mucho para llenar una revista, así que solo usé mis herramientas, ya que aún eran de primera clase. Con el paso de los años, me di cuenta de que el equipo digital se estaba volviendo obsoleto y anticuado en su aspecto cada seis meses, y que mis imágenes se ven exactamente iguales, ya fueran recientes o tuvieran veinte años, así que tenía sentido seguir disparando de la forma en que sabía hacerlo. Además, sigo diciéndolo, pero es muy cierto: ¡realmente no me gusta la forma en que se ven las partes de enfoque en digital! [Risas] Entonces, sí, los carretes son lo mío!

Bobby Puleo, NYC Home, 2008

A la hora de salir a la ciudad a fotografiar ¿te gusta llevar más o menos planificado tu trabajo o te gusta improvisar?
Puede que lo sepas, pero he tenido problemas de salud en la última década, principalmente neurológicos, que me han dejado un poco discapacitado. Ahora tengo que caminar con un bastón, ya no puedo patinar o cargar cosas pesadas, lo cual obviamente ha cambiado completamente mi práctica. Nunca más  el “oh, recuerdo haber visto un lugar en esa zona, cuando volvía de una fiesta a las 5 de la mañana … ¿creo que es así?” ¡Para mí! [Risas] Al principio, realmente fue duro, para ser sincero. Había tomado fotos “sobre la marcha” durante toda mi vida, simplemente pegándome como una lapa a personas que iban a su rollo. Ahora, tengo que ser mucho más organizado. Pero puedo hacerlo funcionar. Básicamente, cada foto que tomo estos días realmente la quiero. Y tengo que conseguirlo. Pero tengo la sensación de que la gente lo respeta y hace el esfuerzo. Además, al final del día, siempre es la misma historia: sales con una foto en mente, y la vida sucede, reaccionas ante lo inesperado y vuelves a casa con algo diferente.

En tu trabajo tienen mucha importancia los retratos (que por cierto, son magníficos), que es quizás uno de los tipos de fotografía más difíciles ¿Cómo abordas esta situación?
Realmente no puede haber una fórmula para eso. Cada uno es el resultado de un momento, circunstancias y cómo reaccionas ante todo. Puedes pasar días con un amigo cercano y darte cuenta más tarde que no tienes ni un retrato decente. Y al día siguiente, te  presentan a un extraño cansado y con jet-lag en un estreno de video con diez minutos para hacer una entrevista y tomas un retrato en una habitación oscura iluminada por un neón y de alguna manera puedes salir con algo con lo que realmente te sientes bien. Al final, el estilo de retrato está realmente dictado por el equipo que tienes a mano. Tal vez, te encontraste con alguien sin preverlo y solo puedes apuntar y disparar, con un carrete a punto de terminar. Tal vez es algo organizado y tienes “el objetivo de retrato” contigo. El secreto de un buen retrato está en el objetivo realmente …

Jahmal Williams, NYC 2010

¿Qué es lo que te gustaría transmitir con los retratos?
No estoy seguro de que haya una dirección definida. Como dije, son el resultado de entornos y estados de ánimo muy diferentes, así que … ¿Podrías decir que principalmente son el resultado de yo quererlo? Como ya no estoy en las calles diariamente, ahora tengo que hacerlo realidad, ya sea que conozca a la persona o no. La mayoría de las veces, un retrato es el resultado de mi deseo de conocer a alguien. Y con suerte algo bueno sale de ello … ¿Tal vez un retrato dice más sobre el estado de ánimo de los fotógrafos que del modelo, después de todo?

También tengo un enfoque más sistemático en estos días, tal vez. Siendo mayor, he aprendido que el tiempo es siempre ahora … Sea cual sea el grupo de personas, el momento, el estado de ánimo no durará para siempre. Incluso si hablamos de un grupo de amigos cercanos que viven en la misma ciudad. Las cosas cambiarán, y no tendrás la oportunidad de disparar esa misma foto de nuevo. Es la naturaleza de la vida, y algo que veo más claramente. Mi fotografía es sobre personas, así que seré más consciente de que un momento en particular solo ocurrirá una vez, y trataré de documentarlo. A veces, lo consigo, la mayoría de las veces, ¡no! [Risas]

Jeremie Daclin, boardslide, bercy Paris 1998

Volviendo al inicio de tu carrera ¿tomaste algún estudio de fotografía?
No, nunca lo hice. Tuve la suerte de crecer en una época en la que las revistas de skateboard eran el punto de encuentro de estilos muy diferentes, provenientes de personas con mucho talento, como Tobin Yelland, Thomas Campbell o Spike Jonze … Luego, la generación Slap, con Lance Dawes y, más tarde, Joe Brook y Brian Gaberman. Y, por supuesto, Daniel Harold Sturt. Pero aparte de eso, no tenía ningún conocimiento acerca de la historia de la fotografía. Si no fuera por el skate, tendría los gustos más conservadores. Ya sabes,  un póster de Doisneau en mi pared, o algo así. O simplemente admirando todas las fotografías de los discos de jazz de los 60. Esta es probablemente la razón por la que tengo un enfoque tan “clásico”, en el sentido de que no trato de romper las reglas que nunca supe que existían. Si eso tiene sentido…

Y en esos inicios como fotógrafo ¿cuáles eran tus influencias tanto dentro de la fotografía de skate?
Como dije, me encantaron los documentales de Tobin. Entonces tuve la suerte de conocer a Thomas Campbell, patinando en París. Rápidamente nos relacionamos con el nerd de Chet Baker y la música de jazz, y como era fotógrafo de Transworld en aquel entonces, me enseñó todo lo básico que necesitas saber sobre flashes, ojo de pez, decirle a la gente que deje de usar ropa aburrida, todos los productos … Aún recuerdo claramente esa noche en París, donde le dijo a mi amigo Seb Charlot que se tomaría una foto de él en esas muy divertidas, pero pequeñas repisas de mármol que teníamos en la Bastilla. En cuestión de minutos, nos hizo arrastrar esas barreras de construcción grises y verdes para crear un fondo, y luego le dijo a Seb que usara mi chaqueta de segunda mano porque era más colorida. ¡Deberías haber visto su rostro, vistiendo mi chaqueta ajustada, cuando era obvio que era más partidario de un estilo más holgado! Meses más tarde tuvo una página completa en Transworld como skater francés desconocido, y yo había aprendido los conceptos básicos de la fotografía de skate: ¡hazla emocionante! [Risas] Le debo mucho a Thomas. Más tarde, me obsesioné con Slap, y tengo que decir: Lance Dawes está muy poco valorado. Él era realmente bueno capturando a las personas que importaban, lo cual es un talento en sí mismo. Él siempre disparaba a personas de las que nunca habías oído hablar, pero enseguida sabías que era alguien “importante”, de una forma u otra. El skateboarding no es un deporte. Quien salte más lejos no merece necesariamente la portado o una entrevista… Entonces, conocer a Joe Brook también fue otra revelación. Cuando Slap llegara a la ciudad, sería el equipo más desigual sobre el papel: Kenny Reed, Jessie Van Roechoudt, Scott Bourne, Rob Gonzales, Danny Montoya y Anthony Claravall filmando. “¡Esperen, ustedes están viajando juntos por Europa durante dos meses!? ¿Y funciona? “Y Joe estaría disparando a esos tipos, Y a los lugareños. Amor puro por el skateboarding. Y un buen ojo… Por supuesto, ha habido muchas más influencias, desde Wig Worland a Spike Jonze. La gente tiende a olvidar qué tan bueno y creativo fue Spike a principios de los noventa, en Transworld. Y también pondré esto aquí: el fotógrafo europeo de skate más subestimado es Tuukka “Deeli” Kaila. Búscalo, gente. Ah, y en estos días, realmente me gusta mucho el trabajo de Danny Sommerfeld. Creo que es uno de los fotógrafos de skate más emocionantes de Europa en este momento.

Joffrey Morel, ollie Paris 2015

Y fuera de la fotografía de skate ¿qué es lo que te interesa? ¿a qué fotógrafos sigues?
[Risas] ¿Ninguna? En realidad, eso no es verdad. Sería risible si no mencionara cuánto me ha influenciado Ari Marcopoulos a lo largo de los años. Me presentaron su trabajo a través de los anuncios Metropolitan a finales de los años noventa, y luego supe del amplio alcance de su trabajo. Me encanta su estilo y enfoque, pero también el hecho de que consiga estar siempre en contacto con sus tiempos  y la emoción que siente al disparar. Creo que es muy inspirador: verlo documentar algunas escenas desconocidas para mí y personas de las que no tendría ni idea … Ah, y realmente disfruto el trabajo fotográfico de Dennis Hopper desde los años sesenta. Recuerdo que Strobeck me habló de una exposición, en una esquina de la calle, en la planta baja de la casa de Dill. Estoy tan contento de que lloviera ese día y de tomar su consejo. Gracias, Bill!
Honestamente, tiendo a sentirme realmente influenciado por las cosas si concuerdan conmigo, por lo que tiendo a evitar mirar demasiadas cosas. Lo hice en los primeros años de Sugar, por necesidad, para mantener la revista tan emocionante e impredecible como fuera posible, pero creo que sé quién soy ahora, como fotógrafo, así que preferiría inspirarme con el enfoque de alguien antes que en la forma en que formulan su imagen.
Una de las mejores cosas de Kingpin es que siempre integraba elementos de la vida en la calle y, en un momento dado, intentaba convencer a Niall Neesson, el editor, de que debíamos comprar y enviar una copia de “Teenage” de Joseph Szabo a todos los fotógrafos de skate en Europa, porque la mayoría de ellos tenían carencias en ese departamento… [Risas]

Juan La Torre, nollie back tail, MACBA 1998

Hasta el momento has editado 2 zines con tus fotos. Ver un conjunto de fotos editados alrededor de una idea es algo muy importante para cualquier fotógrafo ¿cómo fue el proceso de edición?
Si te refieres a las revistas This Was Just Now, recientemente publiqué el # 4, en realidad. Y, mientras tanto, he publicado algunos proyectos de impresión para varios proyectos de marca, como En Transit, Paris Deux Jours Deux Nuits o The Magic Number. Pero, sí, agrupar algunas imágenes que parecen funcionar juntas y sacarlas como impresión siempre es muy satisfactorio … Especialmente cuando tienes el control completo de lo que decides usar. Es un poco como armar una revista, pero con solo una persona a la que intentar complacer: ¡a ti mismo! Ha sido un gran pequeño experimento, en muchos niveles. ¡Ver lo que podría hacer mezclando fotografías antiguas y recientes, o poder sacar trabajos recientes sin tener que discutir con un editor de revista lo que los lectores quieren! [Risas]. Ver su recepción y conectarse con personas de todo el mundo … Así que ha sido una gran excusa para salir de la casa y rodar cosas nuevas.

¿estás trabajando en algún nuevo zine?
Debería, ¿verdad? Lo más probable es que debería tener un nuevo This Was Just Now fuera bastante pronto, pero aún no estoy seguro de qué habrá en él … Tal vez fotos de mi viaje a Brasil. Fue corto, pero muy inspirador. La cultura del monopatín es tan fuerte allí y tan viva. Conocer las escenas locales en el Festival MIMPI fue una oportunidad única. Entonces, se supone que debo trabajar en un proyecto basado en mis primeros viajes a Nueva York, en 1995 … ¡Pero déjame buscar en los archivos antes de decir más!

Kenny Anderson, Berlin 2010

Ahora llevas unos años con live skateboard media ¿cómo valoras la experiencia?
Es una gran herramienta para mantenerse en contacto con la realidad del skateboarding día a día, las escenas pequeñas y los motores que lo mantienen emocionante y fresco. Cada vez que me canso demasiado y empiezo a preguntarme si el skateboard podría haber perdido su magia, alguien saca un video, un zine, algo que me golpea en la cara. Le pregunté a Dill hace un par de años si el skate todavía estaba bien, para VIVIR, y se enojó tanto. Me encanta, me encanta que él, Pontus, los chicos magenta, los chicos Evisen, Morita, Nick Sharatt de Palomino y muchos más en todo el mundo aún lo aman lo suficiente como para tomarlo en serio. No como deporte, como cultura, como primer amor … Porque esto es lo que es para todos nosotros. Y tenemos que mantenerlo sagrado, de una forma u otra …

Tienes en tu web una sección dedicada al DIY ¿crees que es una forma de crear comunidad que distingue al skate?
Hemos producido algunos videos y entrevistas en torno a la escena de DIY o personajes muy activos, aquí en Francia, como Romain Covolan o Greg Dezecot, pero nunca reclamaría la escena DIY. Soy un chico de campo que fue a la gran ciudad, y estoy más fascinado por ella y por el conocimiento de la escena de la calle, pero todo el movimiento DIY es una de las cosas más interesantes y puras que ha sucedido en el skateboarding durante la última década. No se puede negar …

Leo Romero, fs nosegrind, Paris 2013

Pienso que has sido el autor de alguna de las fotos más icónicas de gonz. Viéndolo en perspectiva ¿qué es lo que te aportó gonz como fotógrafo y persona?
Cuando pienso en Mark, principalmente pienso en todos los momentos y grandes trucos que logré joder de verdad … [Risas] Es tan espontáneo en todo lo que hace, incluido su patinaje, que básicamente me enseñó a  estar siempre listo, o al menos a intentarlo! Pero, sí, tengo algunas buenas historias de Gonz que nunca se convirtieron en una gran foto.
Pero, aparte de eso, diría que lo principal que aprendí de Mark es que debes vivir tu vida de la manera que quieras. O al menos inténtalo. Sé fiel a cómo te sientes, porque ¿qué más se supone que debes hacer? ¿Intentar ser alguien más, alguien que nunca ha sido feliz en toda la historia de la humanidad? Y no de una manera perezosa, abandonada. Trabaja duro en lo que te gusta, solo puedes obtener felicidad de ello …

Lucas Puig, flip reflection, Athens 2003

Scott Bourne, Paris 2013

Ave, Paris 2015

English:

BENJAMIN DEBERDT.
THIS IS THE STREET. SKATE PHOTOGRAPHY TAKEN TO ANOTHER LEVEL 

In a certain way, skate photography follows Cartier Bresson’s maxim of the decisive moment, the moment in which the image is, that second where everything fits. In the case of Benjamin we find skate photography as an excuse to make ART with capital letters. Benjamin manages to transcend the mere utilitarian photography of fast consumption that floods the publications to offer us a genuine image of the city and how we interact with it, an image that can be vital, introspective, but that surely does not leave us indifferent.

What came first: skateboarding or photography?
Hmm, now that I think about it, it would be photography… I was always quite fascinated with my dad’s camera. It was a precious family tool, something you took out for special occasions. So, whenever I got old enough, he taught me how to use it without breaking it. It might have been to document some of my Second World War airplane models… But it’s not like I was thinking too much about photography. It was just this really cool object that was there. So, off course, you are attracted to it. But the actual idea of “photography” came with skateboarding, once I fell in love with skateboarding… The whole culture of it was so visual. To access any information about it, you would study the magazines, and every single detail of every single photo in those. Even the ones of dudes skating abandoned pools in the desert, somewhere in California, wearing neon shorts. It was so far from our reality, it looked like a dream, so those photos were dissected, maybe to verify they were real. So, this is skateboarding that put that silly idea in my head: “Oh, I could try to shoot photos of my friends skating that could look cool, too… Maybe?”

Your photograph is quite reminiscent of classic street photography, very direct and natural, how do you think this way of seeing photography developed?
I would say that a lot of it comes from studying those few copies of Transworld we could get when going to Paris, and grabbing whatever what available in the skateshop. Back then, Tobin Yelland had quite a lot of images in it, and they were so cool looking. Grainy, black and white, and apart from the action photos, he would have all those pictures of the life of those guys, hanging out in the streets, that felt really exciting. It was Transworld, so all those would have been quite family friendly, but still it felt really exciting to get a glimpse into that street life. Because that was what we were drawn to: the streets, because even in our countryside, that’ what we had: the streets. No abandoned pools for us… Back then, I had no idea, but a really young Tobin Yelland had done a photo course under Larry Clark that pushed him to document that: the reality of the life of his friends, because he had access to something special.  And, in many ways, Larry is a very classically trained photographer, only that he explores gritty subjects. So, having no idea about photo history, I was getting a second hand class in street photography through Tobin’s work. Just because I wanted to know more about Julien Stranger and Micke Reyes. I actually remember trying to explain it all to those two, many years later, quite drunk at a house party in San Francisco!

You helped to found Sugar and Kingpin. How was the experience of being in the founding of these two leading magazines?
To put it simply, I could say that Sugar taught me what I wanted to do with my life, and Kingpin reminded me what I did not want to do with my life… But obviously, there is more to it, way more. When my cousin Seb Caldas and I were offered to start a skate magazine in France in 1997, it was a dream come true. We had grown up together, skateboarding, doing zines with friends and that is how we learned our first skills… And now I was to run to a “real” mag, and he would design it? Sign us in! So, Sugar was very idealistic in so many ways. Our publisher was not coming from the skateboard industry, so as long as the mag did sell, we could do what we wanted with it. We were not there to push whoever latest marketing campaign. If you were doing something we thought was cool, we would want you in the magazine. That was it. In many ways, Kingpin was the exact opposite of that, mainly because times had changed. Magazines sales were starting to fade away, and so the power of brands over media was growing, wether in skateboarding or outside of it. I am not sure I adapted very well to that… [Laughter] But those times in London around 2002 were great. So many things were happening, and many inspiring people were gravitating toward the city, notably through the Side Effects of Urethane exhibitions. It made for an exciting time to be skating in London… I have met and been influenced by many great people around from those times, from Fos to Lev Tanju, Stefan Marx, or “Deeli”. This is also when Sen Rubio turned into a super photographer almost overnight, so there was a lot happening, and to draw from…

How do you think it helped you to grow as a photographer?
I would say through the years I have learned to try and stay open… Because skateboarding is always evolving, and new generations are coming in, you have to let them. You can’t mourn that Natas and Dressen are not the top street skaters forever. You have to look at who’s new and accept what they are bringing. Not fall into the silly trends, but keep an open-mind to it. And this is how you end up documenting things and people that might matter in the long-run. Because for me, it is all about the subject, not the angle or framing technique.  I see people that makes me want to tell their story, and try to do that.

I read that you keep shooting with your Nikon fm2. What does it bring you shooting with film?
The FM2 is still alive and kicking. But it is only one of The camera I use… All film, though. At first, it was out of necessity in a way. I was too broke to get all digital, and had no need to shoot a lot to fill a magazine, so I just used my tools, as those were still top notch. As times passed by, I realized the digital gear was getting obsolete and dated in its look every six months or so, where my images looks exactly the same, whether they were recent or twenty years old, so it all made sense to keep shooting the way I knew how to. Also, I keep saying it, but it is so true: I really don’t like the way out of focus bits look like in digital! [Laughter] So, yep, film it is. Works for me!

At the time of going out to the city to take pictures, Do you like to plan your work or do you prefer to improvise?
You might know about it, but I have been through some health issues over the last decade, mainly neurological induced, which have left me a bit handicapped. I have to walk with a cane now, can’t stand on a board anymore, or carry heavy stuff. Which obviously has completely changed my practice. No more  following the “oh, I remember seeing a spot in that area, when coming back from a party at 5 in the morning… I think it’s this way?” for me! [Laughter] First, it really messed with my head, to be honest. I had taken photos “on the fly” my whole life, just tagging along with people as they were doing their thing. Now, I have to be way more organized. But I can make it work. Basically every photo I shoot these days I really want it. And I have to get it. But I have the feeling people respect that and make the effort. Plus, end of the day, it is always the same story: you go out with one photo in mind, and life happens, you react to the unexpected, and you get back home with something different.

In your work portraits are very important (which, by the way, are magnificent). Perhaps it is one of the most difficult types of photography. How do you approach this situation?
There really can not be no formula to it. Each one is the result of a moment, circumstances and how you react to it all. You might spend days with a close friend and realize later you do not have one decent portrait from it. And the next day, you are introduced to a jet-lagged and tired stranger at a video premiere with ten minutes to do an interview and shoot a portrait in a dark room lit by one neon and somehow you might come out with something you feel good about. End of the day, the style of portrait is really dictated by the gear you have at hand. Maybe, you bumped into someone, and you happen to have a point-and-shoot with a roll to finish. Maybe it is an organized thing and you have “the portrait lens” with you. The secret of a good portrait is in the lens, really…

What do you want to convey with the portraits?
I am not sure there is a defined direction. Like I said, they are the results of very different settings and moods, so… You could say that mainly they are the result of me wanting it? Because I am not out there in the streets on a daily basis anymore, I now have to make it  happen, wether I already know the person, or not. Most of the time, a portrait is the result of me wanting to meet someone. And hopefully something good comes out of it… Maybe a portrait says more about the photographers mood than of the model, after all?
I also have a more systematic approach these days, maybe. Being older, I have learned that the time is always now… Whatever group of people, moment, mood will not last forever. Even if we talk about a group of close friends living in the same city. Things will change, and you will not get a chance to shoot that same photo again. It is the nature of life, and something I see more clearly. My photography is about people, so I will be more aware that one particular moment will only happen once, and try to document it. Sometimes, I succeed, most times, not! [Laughter]

Going back to the beginning of your career, did you take photography studies?
No, I never did. I was lucky to grow up in a time where skateboard magazines were the meeting point for very different styles, coming from super talented people, like Tobin Yelland, Thomas Campbell or Spike Jonze… Then the Slap generation, with Lance Dawes and, later, Joe Brook and Brian Gaberman. And, off course, Daniel Harold Sturt. But apart from that I had zero knowledge about that the history of photography. Outside of skateboarding, I would have the most conservative tastes. You know, have a Doisneau poster on my wall, or something. Or just being in awe of all the photographs on 60’s jazz records. This is probably why I have such a “classic” approach, in the sense that I don’t try to break rules that I never learned they existed. If that makes sense…

And in those early days as a photographer, what were your influences in skate photography?
Like I said, I loved the documentary stuff of Tobin. Then I was lucky to meet Thomas Campbell, skating in Paris. We quickly buddied over nerding out on Chet Baker and jazz music, and as he was a photographer  for Transworld back then, he taught me all the basic stuff you need to know about flashes, fish-eye, telling people to stop wearing boring clothes, all the goods… I still clearly remember that night in Paris, where he told my friend Seb Charlot he would take a photo of him on those very fun, but small marble ledges we had in Bastille. In a matter of minutes, he had us drag those grey and green construction barriers behind it to create a background, then told Seb to wear my second-hand workwear jacket because it was more colorful. You should have seen his face, wearing my skin tight jacket, where he was more on the baggy side of life! Months later he had a full page in Transworld as an unknown French skater, and I had learn the basics of skateboard photography: make it exciting! [Laughter] I owe Thomas so, so much. Later, I got obsessed with Slap, and I got to say: Lance Dawes is very under-rated. He was really good at capturing the people that mattered. Which is a talent in itself. He would always shoot people you have never heard about, but right away you knew this was someone “important”, in one way or another. Skateboarding is not a sport. Whoever jumps the furthest does not necessarily deserve the cover. Or an interview… Then, meeting Joe Brook was also another eye-opener. When Slap would get into town, it would be the most mismatched crew on paper: Kenny Reed, Jessie Van Roechoudt, Scott Bourne, Rob Gonzales, Danny Montoya and Anthony Claravall filming. “Wait, you guys are all traveling together around Europe for two months!? And it works?” And Joe would be shooting those guys, AND the locals. Pure love for skateboarding. And a good eye… Off course, there has been many more influences, from Wig Worland to Spike Jonze. People tend to forget how good and creative Spike was in the early nineties, at Transworld. And I will also put this here: the most under-rated European skateboard photographer is Tuukka “Deeli” Kaila. Look him up, people. Oh, and these days, I really, really like the work of Danny Sommerfeld. He is one of the most exciting skate photographers in Europe right now, I think.

And outside of skateboard photography, what is it that interests you? What photographers do you follow?
[Laughter] None? Actually, that is not true. It would be laughable if I did not mention how much Ari Marcopoulos has influenced me, over the years. I got introduced to his work through the Metropolitan ads in the late nineties, then later learned about the wide scope of his work. I love his style and approach to it, but also how in touch with his times he manages to stay, and how excited to shoot he is. I think that is very inspiring: seeing him document some obscure to me scenes and people I would have no idea about… Oh, and I really, really enjoy Dennis Hopper photo work from the sixties. I remember Strobeck telling me about an exhibition, on a street corner, downstairs Dill’s place. I am so glad it was raining that day, and I took his advice. Thanks, Bill!
In all honesty, I tend to get really influenced by things if they resonate with me, so I tend to avoid looking at too many things, so I don’t go all other the place. I kind of did that in the early years of Sugar, out of necessity, to keep the mag as exciting and unpredictable as possible, but I believe I know who I am now, as a photographer, so I would rather get inspired by someone’s approach to it, than he way they frame their image. End of the day, I am more about the subject than the ultimate tilted framing, anyway.
One of the great things about Kingpin is it was always integrating street life elements in it, and at one point, I was trying to convince Niall Neesson, the editor, we should buy and send a copy of  “Teenage” by Joseph Szabo to all the skate photographers in Europe, because most of them were lacking in that department… [Laughter]

So far you have edited 2 zines with your photos. To see a set of photos edited around an idea is very important for any photographer: how was the editing process?
If you refer to the This Was Just Now zines, I recently put out #4, actually. And, in the meantime, I have put out a few print projects for various brand projects, like En Transit, Paris Deux Jours Deux Nuits or The Magic Number. But, yep, grouping some images that seem to work together and getting it out as print is always very satisfying… Especially when you have complete control of what you decide to use. It is a bit like putting a magazine together, but with just one person you are trying to please: yourself! It has been a great little experiment, on many levels. Seeing what I could do mixing old and recent photographs, or being able to put out recent work without having to argue with a magazine editor about what the readers want! [Laughter] And seeing the reception, and connecting with people from around the world from it… So, it has been a great excuse to get out the house and shoot new stuff.

Are you working on a new zine?
I should, right? I most likely should have a new This Was Just Now out fairly soon, but not sure yet what will be in it… Maybe photos from my trip to Brazil. It was short, but so inspirational. Skateboard culture is so strong, there, and so alive. Meeting the local scenes at the MIMPI Festival was a unique opportunity. Then, I am supposed to work on a project based around my first trips to NYC, back in 1995… But, let me dig through the archives before I say more!

Now you have been working a few years on LIVE skateboard media, how do you value the experience?
It is a great tool to stay in touch with skateboarding day to day reality, the small scenes and the movers and shakers that keep it exciting and fresh.  Every time I get way too jaded, and start to wonder if skateboarding might have lost its magic, someone puts out a video, a zine, something that slaps me in the face. I asked Dill a couple years ago if skateboarding was still cool, for LIVE, and he got so mad. I love it, I love it that him, Pontus, the Magenta guys, the Evisen guys, Morita, Nick Sharatt from Palomino and so many more around the world still love it enough to take it seriously. Not as a sport, as a culture, as a first love… Because this is what it is to all of us. And we have to keep it sacred, one way, or another…

In your website there is a section dedicated to the d.i.y. Do you think it’s a way to create a community that distinguishes skateboarding?
We have produced a few video pieces and interviews around DIY scenes or characters that are very active, here in France, like Romain Covolan or Greg Dezecot, but I would never claim the DIY scene. I am a countryside kid that went to the big city, and I am way more fascinated by it, and knowledgeable on the street scenes. But, the whole DIY movement is one of the most interesting and pure thing that has been happening in skateboarding during the last decade.  There is no denying it…

I think you’ve been the author of some of the most iconic Gonz photos. Looking at it in perspective, what did Gonz bring you as a photographer and as a person?
Oh, boy, when I think about Mark, I mainly think about all the moments and great tricks of him I managed to royally fuck up… [Laughter] He is so spontaneous in all he does, including his skating, that he basically taught me to always be ready, or at least try to be! But, yep, I have some great Gonz stories that never turned into a great photo, I will tell you that!
But, apart from that, I would say that the main thing I learned from Mark is that you should live your life the way you want to. Or at least try to. Be true to how you feel, because what else are you supposed to do? Try to be a someone else, someone that has never be happy in all mankind history? And not in a lazy, derelict way. Work hard at what you are into, you can only gain happiness from it…

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