{english below}  Arik Roper es un artista cuyo trabajo ha trascendido las fronteras del arte visual, siendo conocido por sus ilustraciones en el mundo de la música, especialmente en las portadas de discos de bandas como Sleep, Earth, Sunn O))) y muchas más. Su estilo se caracteriza por una combinación de fantasía clásica, mitología y naturaleza, creando escenas que parecen sacadas de un sueño, pero siempre con una profunda conexión con el mundo que nos rodea. Hacía muchos años que no hablábamos con él, creo que más de 10. De hecho, Arik fue uno de los primeros artistas que diseñó una portada para la versión online de Staf. Después de eso, hemos tenido la gran suerte de tenerlo en el Moments Festival (y que nos hiciera el cartel de 2022! un sueño!), de compartir y aprender de su gran maestría, con exposiciones y talleres, tanto en Málaga como en Madrid. Hace un par de años editó un libro muy importante y no tuvimos tiempo de sentarnos a charlar con él sobre este proyecto. Ya es un poco tarde para presentaros el libro, obviamente, pero queríamos poner nuestro granito de arena para que se conozca este gran trabajo editorial. En esta entrevista, Arik nos comparte su proceso creativo, sus fuentes de inspiración y cómo su trabajo ha evolucionado a lo largo de los años, manteniendo siempre un enfoque genuino y personal en su arte.

Arik, tu libro Vision of the Hawk recopila una gran variedad de tu trabajo. ¿Podrías contarnos cómo fue el proceso de selección de las piezas para esta monografía y los desafíos que enfrentaste al curar una colección tan grande?
Tengo tanto trabajo desde finales de los 90 que fue algo abrumador empezar a revisarlo todo y decidir qué incluir. Tenía más arte del que podía meter en un solo libro. Parte de mi material antiguo se ha perdido y ni siquiera tengo escaneos. La mayoría del material más antiguo no era adecuado, no encajaba con la linea del libro o estaba desactualizado, no era lo que quería mostrar. Hubo algunas piezas que se pasaron por alto accidentalmente y que podrían haber sido incluidas, pero no lo fueron. Así que poco a poco fui revisando mis archivos antiguos y seleccioné lo que quería usar. Quizá en el futuro haga otra edición con el material que no quedó en este volumen. Además de las selecciones, hice todo el diseño y la maquetación del libro yo mismo, así que eso también me llevó tiempo y esfuerzo.

Tu arte es conocido por sus temas psicodélicos vibrantes y las representaciones de entornos naturales idílicos. ¿Cómo logras equilibrar estos elementos para crear una narrativa visual coherente a lo largo de tu trabajo?
Las imágenes están un poco desordenadas en cuanto al orden, pero intenté mantener la diversidad en los estilos y los temas. No quería agrupar demasiadas piezas similares, así que traté de que fueran lo más variadas posible.

Habiendo trabajado con bandas como Sleep, Earth y Sunn O))), ¿cómo se adapta tu proceso creativo cuando diseñas portadas de álbumes para reflejar la música y la filosofía de cada banda?
Siempre intento captar algo de la estética o la sensación de la banda. A veces tienen una linea visual obvia asociada a ellos y otras veces es más sutil, basada en otras características de los miembros de la banda. Nunca quiero hacer arte que sea demasiado “unidimensional” o superficial. Siempre intento transmitir algo más profundo sobre la banda o la música, más allá de los elementos más obvios.

Durante tu participación en el Moments Festival en Málaga en 2022 y en Madrid en 2023, mostraste gran parte de tu trabajo. ¿Cómo fue la experiencia de exponer en España y cómo influyó el público español en tu percepción sobre tu propio trabajo? 
Fue un honor que me pidieran venir a España (¡dos veces!). Me encantó estar allí y conocer a la gente. El público fue muy receptivo y cálido. La gente española es genial. Parecía sincera y realmente les gustaba el trabajo. Es muy bonito, como artista, ver cómo la gente de otras partes del mundo aprecia algo que has creado. Son ciudades muy diferentes. Me encantó el ambiente más pequeño y local de Málaga, y estar cerca del mar. Tuve más experiencias personales allí y conocí a gente muy buena. Madrid también es genial, claro, pero diferente. Es grande y tiene mucho por ver. Me encantó caminar durante horas por diferentes barrios y todas las opciones de restaurantes, museos, etc. Y también conocí a personas maravillosas allí.

La edición limitada de tapa dura de Vision of the Hawk incluye un libro adicional, Starcult. ¿Podrías explicarnos el contenido de Starcult y su relación con el volumen principal?
El contenido de Starcult es una colección de dibujos más pequeños en blanco y negro que hice a lo largo de un par de años. Son piezas aleatorias, más bien como bocetos de tinta elaborados. Cada uno lo hice en un par de horas. No se habían publicado, así que decidí reunirlos y ofrecerlo como un libro extra para quienes compraron la versión de tapa dura deluxe de Vision of the Hawk.

La Coningsby Gallery de Londres fue el lugar de lanzamiento y exposición de Vision of the Hawk. ¿Cómo difería esta exposición de otras presentaciones de tu trabajo y cómo fue recibida por el público?
La Coningsby Gallery es la galería de mi agencia de arte, Debut. Ellos amablemente me ofrecieron el espacio para el lanzamiento del libro durante un fin de semana y expuse algunas impresiones del libro. El lugar era muy bueno, en el centro de Londres, y la reacción fue excelente. Amigos y fans vinieron a comprar el libro y a visitarme. Fue genial.

Tus ilustraciones a menudo evocan sueños ancestrales y visiones psicodélicas. ¿Cuáles son tus principales fuentes de inspiración para estos temas y cómo han evolucionado con el tiempo?
Me inspiro mucho en la mitología, la naturaleza, la astronomía, experiencias meditativas, cosas que están más allá del mundo mundano y fabricado, cosas que expanden mi mente. He empezado a representar imágenes que siento que son “atemporales” y no están limitadas por tendencias culturales o contemporáneas. Cuando era más joven quizá me inclinaba más a hacer trabajo que abrazara aspectos de la cultura pop, pero ahora ya no tanto.

Con una carrera que abarca varias décadas, ¿cómo percibes la evolución de la escena del arte psicodélico y qué papel crees que ha jugado tu trabajo en su desarrollo?
La escena del arte psicodélico, a veces llamada “arte visionario”, ha explotado en los últimos 25 años. Gran parte de esto se debe al auge de los psicodélicos en la cultura popular. Psicodélicos extremos que eran raros en los 80 y 90 ahora son muy conocidos, como el DMT y la ayahuasca. El artista visionario Alex Gray ha inspirado a una nueva generación de pintores que están haciendo arte claramente influenciado por él y sus predecesores. Creo que mucho de este arte está bien hecho, aunque tiende a ser algo repetitivo y encasillado en un molde de género.
Es difícil definir mi arte como “psicodélico”, porque no siempre es necesariamente psicodélico, es decir, no tiene el aspecto de “arte visionario”. El arte visionario suele ser abstracto y amorfo, como si el artista intentara capturar la experiencia visual psicodélica en sí misma. El mío es más como el arte clásico de fantasía e ilustración, pero está influenciado por los psicodélicos y tiene una profundidad que se hace más evidente cuando se observa bajo el efecto de los psicodélicos. Mi libro Mushroom Magick de 2009 dejó una impresión en este sentido, y llegó justo antes de que los hongos comenzaran a ser ampliamente discutidos y reconocidos en la cultura popular.

Además de las portadas de álbumes, tu arte ha aparecido en libros, revistas, animaciones y diseños de videojuegos. ¿Cómo afrontas el desafío de adaptar tu estilo a diferentes formatos mediáticos?
Normalmente, puedo llevar mi estilo a estos formatos. Si estoy haciendo una ilustración para una revista, por ejemplo, quieren que trabaje en mi estilo, por eso me contrataron. Esto se aplica a otros trabajos como el diseño para videojuegos, etc. Cuando era más joven y comenzaba como ilustrador freelance, hacía más trabajos donde me contrataban para hacer ilustraciones más anónimas, como storyboards para comerciales y películas. Puedo trabajar en diferentes estilos y eso era una ventaja. Afortunadamente, hoy en día puedo trabajar siendo yo mismo, con mi estilo visual, porque es lo que el cliente quiere.

Tu trabajo ha sido descrito como proveniente de las profundidades de una imaginación fértil. ¿Podrías describir tu proceso creativo, desde el concepto inicial hasta la pieza final?
Si estoy haciendo arte para alguien, por ejemplo, para una banda, empiezo a hacer una lluvia de ideas considerando qué información tengo sobre esa banda, ya sea su música, su vibra o lo que sea. Hago bocetos y los voy desarrollando hasta llegar a una idea que pueda mostrarles a ellos o al cliente. El proceso de lluvia de ideas es impredecible y puede llevar un tiempo completarlo. Si estoy haciendo arte para mí, empiezo imaginando una escena, un personaje o un escenario que quiero crear, y luego continúo desde allí.

La naturaleza es un tema destacado en tu arte. ¿Cómo influencian tus experiencias personales e interacciones con la naturaleza tus creaciones artísticas?
La naturaleza es la arquitecta, la creadora de formas, el Tao, como a veces se le llama. Observar la naturaleza con conciencia puede dar lugar a ideas en tu mente. Simplemente mirar con atención el mundo natural puede inspirarte. La forma en que crece un árbol y cómo está diseñado un insecto, son obras de creación asombrosas. Crecí en una zona rural y boscosa, pasaba mucho tiempo explorando. Esto, obviamente, influyó en mi aprecio por el mundo natural.

Con tu amplia experiencia, ¿qué consejo darías a los artistas emergentes que buscan desarrollar un estilo único en la escena artística contemporánea?
Les diría que, en lugar de proponerse desarrollar un estilo único, hagan lo que disfruten y se sientan muy cómodos con ello. Si quieren experimentar, que lo hagan, pero no se obliguen a ser “únicos” necesariamente. Cuando creas lo que disfrutas y te vuelves muy bueno en ello, los estilos surgirán de forma natural. Mirar más allá del arte contemporáneo también es útil. Miren el arte clásico, el arte antiguo, no solo el arte popular actual. Eso ayudará a desarrollar un estilo personal y crecer como artistas.

Mirando hacia el futuro, ¿hay nuevos temas o proyectos que te entusiasmen para tu próximo trabajo?
Estoy trabajando en un nuevo proyecto para Sleep. También estoy trabajando con algunas personas en un concepto épico para un videojuego, entre otras cosas.

Has trabajado en portadas de álbumes para bandas como Sleep y Earth dentro del mundo del metal psicodélico. ¿Cómo consigues captar la esencia de la música a través de tus ilustraciones mientras mantienes tu estilo personal?
Simplemente creo lo que siento. No tengo la intención de mantener un estilo. Como dije antes, intento incorporar la sensación de la banda en la ilustración y sale como sale.

Arik, en tus primeros años en Nueva York, estuviste muy involucrado en la escena del skate y con la Alleged Gallery. ¿Cómo influyó tu experiencia como skater en tu estilo artístico y tu enfoque hacia el arte?
En ese momento, influyó mucho en mi arte, llevándome hacia un estilo urbano/grafitero. Estaba haciendo cosas que se parecían a los gráficos de skateboard inspirados en el graffiti y el arte callejero, o como el arte de cómic underground. Aunque seguía haciendo trabajo más de fantasía, la escena del graffiti era muy popular y estaba rodeado de ella, así que la adopté por un tiempo. Supongo que fusioné el arte de fantasía con el street art porque me gustaban ambos.

La Alleged Gallery fue un punto de encuentro para los artistas emergentes de los 90. ¿Qué impacto tuvo este espacio en tu desarrollo profesional y tu conexión con otros artistas de la escena underground de Nueva York?
Estaba en el lugar adecuado en el momento adecuado cuando surgió esta escena, en 1991-92. Cuando comenzó la Alleged Gallery fue un momento emocionante. Fue el inicio de lo que se convertiría en un movimiento artístico. Hice muchas conexiones personales y profesionales de forma natural. Tuve suerte de conocer a mucha gente excepcionalmente creativa. Algunas de esas conexiones me ayudaron en mi carrera, conseguí trabajos haciendo ilustraciones en agencias de publicidad simplemente porque estaba allí, conocía a la gente y era bueno dibujando.
Sorprendentemente, mi carrera artística no despegó realmente a partir de esa escena. Estuve en algunas de las primeras exposiciones de Alleged y participé socialmente, pero en retrospectiva, lo que la gente conoce de mí hoy comenzó cuando hice mis propias conexiones con la primera escena de rock/metal pesado y los sellos de música en los 90. No quiero restarle importancia a las conexiones que hice dentro de la escena de Alleged y el skate, todo está conectado. Pero de alguna manera forjé mi propio camino dentro de la escena underground de Nueva York, tanto dentro como fuera de Alleged.

En el libro Young, Sleek and Full of Hell, se documenta la historia de Alleged Gallery y su influencia en el arte contemporáneo. ¿Cómo describirías la atmósfera creativa de la galería y su papel en la promoción de nuevos talentos durante esa década?
Todo parecía desarrollarse de manera orgánica. No creo que Aaron Rose pudiera haber predicho lo que llegaría a ser. No intentaba convertirse en algo exactamente, solo era una escena en la que la gente creativa la iba creando sobre la marcha. Aaron era de LA y trajo una conexión de la costa oeste a esta escena tan dura de Nueva York, y eso la hizo algo único. Era una especie de mezcla entre el arte de la costa oeste y de la costa este, algo nuevo en aquel entonces. La galería Alleged era básicamente un sitio de encuentro para todos nosotros. Algunos de ellos llegaron a hacerse famosos. ¡Hay demasiadas historias que contar!

Tu trabajo psicodélico está profundamente conectado con visiones surrealistas. ¿Qué impacto crees que tiene tu trabajo en quienes experimentan estos álbumes y cómo contribuye tu arte a la experiencia musical?
Es difícil decirlo realmente, pero creo que mi abrazo de los psicodélicos como una influencia evidente en los 90 cambió mi propio trabajo hacia obras más atmosféricas y épicas en todo lo que hacía, incluyendo para las bandas. Empecé a crear entornos más que personajes y narrativas. Esto, en última instancia, influyó en parte del arte metal y psicodélico contemporáneo. No pretendo tomar crédito por todo esto, pero puedo ver patrones claros de dirección visual en las portadas de álbumes cuando miro atrás.

¿Qué planes tienes para este año, Arik?
Trabajando en un cómic, preparando una exposición de arte en Nueva York y otra para 2026 en Nueva Orleans. Manteniendo la cordura y recordando las cosas buenas de este mundo salvaje.

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English:

ARIK ROPER. BETWEEN FANTASY AND NATURE, ART AS A MEANS OF EXPLORATION

Arik Roper is an artist whose work has transcended the boundaries of visual art, becoming known for his illustrations in the world of music, especially on album covers for bands like Sleep, Earth, Sunn O))) and many more. His style is characterized by a combination of classic fantasy, mythology, and nature, creating scenes that seem to come from a dream, but always with a deep connection to the world around us. It had been many years since we last spoke with him, I think more than 10. In fact, Arik was one of the first artists to design a cover for the online version of Staf. Since then, we’ve been lucky enough to have him at Moments Festival (and he even made the poster for 2022! A dream come true!), sharing and learning from his incredible mastery, with exhibitions and workshops in both Málaga and Madrid. A couple of years ago, he published a very important book, and we didn’t have time to sit down and chat with him about the project. It’s a bit late to present the book now, obviously, but we wanted to do our part to help bring attention to this great editorial work. In this interview, Arik shares his creative process, sources of inspiration, and how his work has evolved over the years, always maintaining a genuine and personal approach to his art.

Arik, your book Vision of the Hawk compiles a wide variety of your work. Could you tell us about the process of selecting the pieces for this monograph and the challenges you faced while curating such a large collection?

I have so much work going back to the late 1990s that it was slightly overwhelming to begin to look through it and decide what to include. I had more art than I could fit into one book. Some of my old material has been lost and I don’t even have scans. Most of the much older material was not appropriate, it either didn’t fit with the vibe of the book or was outdated and not what I wanted to show. There were some pieces that were accidentally overlooked and could’ve been included but were not. So I gradually went through my old files and selected what I wanted to use. Maybe in the future I can make another edition with material that didn’t make it into this volume.

In addition to the selections I did all the layout and design of the book myself so that also took a lot of time and effort.

Your art is known for its vibrant psychedelic themes and representations of idyllic natural environments. How do you balance these elements to create a cohesive visual narrative throughout your work?

The images are somewhat random in their order but I did try to keep the styles and themes diverse. I didn’t want too many similar pieces grouped together so I attempted to make them as variable as possible.

Having worked with bands like Sleep, Earth, and Sunn O))), how does your creative process adapt when designing album covers to reflect each band’s music and philosophy?

I always try to capture something about the aesthetic or the feeling of the band itself. Sometimes they have an obvious visual vibe associated with them and sometimes it’s more subtle and based on the or other nuances of the band members. I never want to make art that is too “one dimensional” or shallow. I always attempt to convey something more deep about the band or music than the most obvious elements.

During your participation in the Moments Festival in Málaga in 2022 and Madrid in 2023, you showcased a large part of your work. How was the experience of exhibiting in Spain and how did the Spanish audience influence your perception of your own work? 

It was an honor to be asked to come to Spain (twice)! I loved being there and meeting people. The audiences were receptive and warm. Spanish people are so great. They seemed genuine and honestly liked the work. It feels very good, as an artist, to see how people in other parts of the world admire something you’ve created. I loved the smaller local feeling of Malaga, and being by the water. I had more personal experiences there and met some very good people. Madrid is fun too of course, but different. It’s big and there’s a lot to see. I loved walking around for hours in different neighborhoods and all the restaurant options, museums, etc. And I met wonderful people there too.

Your limited edition hardcover of Vision of the Hawk includes an additional book, Starcult. Could you explain the content of Starcult and its relationship with the main volume?

The content of Starcult is a collection of smaller black and white drawings that I had made over the course of a couple years. They’re random pieces, more like elaborate ink sketches. Each one was made in a couple hours or so. They had not been published so I decided to put them together and offer it as a bonus book for those who got the deluxe hardcover version of Vision of the Hawk.

The Coningsby Gallery in London was the venue for the launch and exhibition of Vision of the Hawk. How did this exhibition differ from previous showcases of your work, and how was it received by the public?

The Coningsby Gallery is the gallery owned by my representative art agency Debut. They kindly  offered me the gallery for a weekend to have the book launch and I showed some prints from the book. The location was really good, in central London, and the reaction was great too. Friends and fans showed up to get the book and visit. It was a blast.

Your illustrations often evoke ancient dreams and psychedelic visions. What are your main sources of inspiration for these themes, and how have they evolved over time?

I get a lot of inspiration from Mythology,  Nature, Astronomy, Meditative experiences, things that are beyond the mundane manufactured world, things that expand my mind. I’ve moved more into depicting imagery that I feel is “timeless’ and not bound by cultural and contemporary trends. When I was younger I may have been more inclined to do some work that embraced aspects of pop culture but not as much these days.

With a career spanning several decades, how do you perceive the evolution of the psychedelic art scene, and what role do you think your work has played in its development?

The Psychedelic Art scene, sometimes called “Visionary Art”, has blown up over the past 25 years. Much of it is due to the rise of psychedelics in popular culture. Extreme psychedelics that were rare in the 1980s and 1990s are now well known, like DMT and Ayhuasca. The visionary artist Alex Gray has inspired a new generation of painters who are making art clearly influenced by him and his predecessors. I think a lot of it is well done even if it tends to get somewhat repetitive and stuck in a genre mold.

It’s hard to define my art as “Psychedelic” in a way because it’s not usually overtly psychedelic necessarily, meaning it doesn’t have the look of “Visionary” art. Visionary Art is often abstract and amorphous as if the artist is trying to capture the visual psychedelic experience itself. Mine is much more like classic fantasy art and illustration but it’s informed by psychedelics and has a depth that shows through when viewed on psychedelics.

My book Mushroom Magick from 2009 made an  impression in this way and arrived at a time just before mushrooms became widely discussed and acknowledged in mainstream culture.

Your website mentions the availability of a limited edition of your book. What motivated you to produce this special edition, and how does it enhance the reader’s experience compared to the standard edition?

The hardback edition of Vision of the Hawk was created as a special limited alternate version and included the book Starcult as I mentioned before. The contents are the same but it is a hardback book and has different cover art.

In addition to album covers, your art has appeared in books, magazines, animations, and video game designs. How do you approach the challenge of adapting your style to different media formats?

Usually I’m able to carry my style into these formats. If I’m doing an illustration for a magazine, for example, they want me to work in my style which is why they hired me. This applies to others like gaming design work etc.

 When I was younger and starting out as a freelance illustrator I did more work in which I was hired to do illustrations that were more anonymous such as storyboards for commercials and films. I can work in different styles and this was an advantage. Fortunately today I’m able to work as myself, in my visual style, because that’s what the client wants.

Your work has been described as coming from the depths of a fertile imagination. Could you describe your creative process, from the initial concept to the final piece?

If I’m making art for someone, a band for example, I start brainstorming by considering what information I have about that band whether it’s music or vibe or whatever. I do sketches and build it to an idea that I can show to the band or client. The brainstorming process is unpredictable and can take a while to complete.

If I’m making art for myself, I start by imagining a scene or character or setting that I want to bring into existence, then proceed from there.

The natural world is a prominent theme in your art. How do your personal experiences and interactions with nature influence your artistic creations?

Nature is the architect, the form maker, the Tao, as it’s sometimes called. Observing nature with consciousness can give rise to ideas within your mind. Simply looking carefully at the natural world can inspire you. The way a tree grows and the way an insect is designed, these are works of astounding creation.

I grew up in some part of the country that were rural and forested, I spent a lot of time exploring. This obviously played a part in my appreciation for the natural world.

Given your extensive experience, what advice would you give to emerging artists seeking to develop a unique style in the contemporary art scene?

I’d say instead of determining to develop a unique style, do what you enjoy and become very comfortable with that. If you want to experiment then do so, but don’t force yourself to be what you consider “unique” necessarily. When you create what you enjoy and you get very good at it then styles will naturally emerge.

Looking beyond contemporary art is always helpful too. Look at classical art, older art, not just current popular art. That will help to develop one’s personal style and grow as an artist.

Looking to the future, are there new themes or projects that excite you for your upcoming work?

I’m working on a new project for Sleep. Also working with some people on a pitch for an epic video game concept, among other things.

You’ve worked on album covers for bands like Sleep and Earth within the psychedelic metal world. How do you manage to capture the essence of the music through your illustrations while maintaining your personal style?

I just create what I feel. There’s no intention of maintaining a style. As I said before, I try to incorporate the band’s feeling into it and it comes out as it does.

Arik, in your early years in New York, you were deeply involved in the skate scene and with Alleged Gallery. How did your experience as a skater influence your artistic style and approach to art?

At the time it influenced much of my art toward an urban/graffiti style. I was doing stuff that looked like graffiti inspired skateboard graphics and street art, or like underground comic art. I was still doing work that was more like fantasy style but the Graffiti art scene was very popular and I was surrounded by it so I embraced it for a time. I guess I merged fantasy art into graffiti art sometimes since I liked both.

The Alleged Gallery was a meeting point for emerging artists in the ’90s. What impact did this space have on your professional development and your connection with other artists from the New York underground scene?

I happened to be at the right place at the right time when this scene emerged 1991-92. When the Alleged gallery started it was an exciting time. It was the beginning of what became a movement in the art scene.  I made many personal and professional connections naturally. I was lucky to meet a lot of exceptionally creative people. Some of that helped me in my career, I got jobs doing illustration at ad agencies (sometimes modeling for photo shoots) simply because I was there and knew people, and because I was good at drawing.

Surprisingly, my art career didn’t really take off from that scene. I was in some of the first Alleged shows, and involved socially,  but in retrospect what people know of me today started when I made my own connections with the early heavy rock/metal scene and music labels in the 1990s. I don’t mean to downplay the connections I made within the Alleged and skateboard scene, everything is connected. But I somewhat forged my own path which existed in the NYC underground scene within and outside of Alleged.

In the book Young, Sleek and Full of Hell, the history of Alleged Gallery and its influence on contemporary art is documented. How would you describe the creative atmosphere of the gallery and its role in promoting new talents during that decade?

It all seemed to develop organically. I don’t think Aaron Rose could have predicted what it would become. It wasn’t trying to become anything exactly, it was just a scene in which creative people were making it up as they went. Aaron was from LA and he brought a West Coast connection to this gritty NYC scene and made it into a unique thing. It was very West Coast meets East Coast type of art vibe which was new back then. The Alleged gallery was basically a hangout for all of us. Some of them went on to become famous. There are too many stories to tell!

Your psychedelic work is deeply connected to surreal visions. What impact do you think your work has on those who experience these albums, and how does your art contribute to the musical experience?

It’s hard to say really, but I think my embrace of psychedelics as an overt influence in the 1990s changed my own work to more atmospheric and epic works in everything I did, including for bands. I saw new dimensions of reality. I began creating environments more than characters and narratives. Ultimately this went on to influence some metal and contemporary psychedelic art. I’m not taking credit for all of it by any means, but I can see clear patterns of visual direction in album art when I look back on it from afar.

What plans do you have for this year, Arik?

Working on a comic book, working on an art show in New York and another for 2026 in New Orleans. Staying sane and remembering the good things in this wild world.