Anthony Friedkin

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11 November 2024 Texto: Redacción. Fotografía: Anthony Friedkin. foto portada: "Four Convicts" Folsom Prison, California 1991.

Un Viaje Visual por la Diversidad de California

Las fotografías de Anthony Friedkin han sido reconocidas internacionalmente. Su trabajo forma parte de las colecciones permanentes del Museo J. Paul Getty, del Museo de Arte Moderno de Nueva York, del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles y de la Casa George Eastman en Rochester. Sus fotografías han sido publicadas en Japón, Rusia, Europa y en muchas revistas de Bellas Artes en América. Recibió una beca de la Fundación Nacional de las Artes en 1977 y fue galardonado con una mención especial por el alcalde de Los Ángeles, Tom Bradley, por su contribución a la Fotografía de Bellas Artes en 1980. En 1996, fue patrocinado por la Fundación Parsons para crear un conjunto ejemplar de fotografías sobre Los Ángeles.

Nacido en Los Ángeles, Anthony Friedkin ha estado documentando el paisaje social con sus ensayos fotográficos en profundidad, que abarcan una amplia variedad de temas y estilos de vida. Al utilizar su cámara como un medio de descubrimiento personal, sus fotografías en blanco y negro de exploran las múltiples capas de la realidad.

Friedkin también ha enseñado fotografía en la Universidad de California en Los Ángeles (U.C.L.A.) y en el Instituto de Artes de California. Ha dado conferencias como invitado en el Museo J. Paul Getty, en la Biblioteca Pública del centro de Los Ángeles y en muchas otras instituciones educativas diversas.

“TIMEKEEPER”, un trabajo muy personal, contiene muchas de sus fotografías más impactantes. Se autoeditó en 2003.

Friedkin comenzó a trabajar profesionalmente casi desde el momento en que terminó la escuela secundaria. Comenzó su carrera como fotógrafo corresponsal para Magnum Photos. Su trabajo ha aparecido en Rolling Stone, Newsweek, French Zoom, el periódico Los Angeles Times, Malibu magazine y numerosas publicaciones de libros, incluido el extenso volumen de Taschen sobre Los Ángeles y “This Side of Paradise” de la biblioteca Huntington. Más tarde se convirtió en fotógrafo para películas, programas de televisión y documentales.

Actualmente, persigue una pasión de toda la vida por fotografiar el sur de California, incluida su “Ocean Wave Series” y también crea panorámicas que interpretan el graffiti y el arte callejero en los diversos vecindarios de Los Ángeles.

“Woman by the Pool” Beverly Hills California 1978

Cuéntanos como era tu vida de joven antes de que la fotografía apareciera en tu vida, y de donde viene tu amor por la fotografía…

Nací y crecí en Los Ángeles, California. Mi familia cercana incluía a mi madre, mi padre, mi abuela y un hermano mayor. Vivíamos cerca del campus de la Universidad de California en Los Ángeles (UCLA), una universidad muy respetada. Durante mi infancia, gran parte del campus estaba desierto, con campos abiertos y colinas donde mi hermano y yo volábamos cometas, perseguíamos conejos, montábamos en bicicleta y corríamos libremente sin adultos de por medio. En el pueblo cercano había dos cines principales donde íbamos a ver todo tipo de películas, algo que nos encantaba. También vivíamos cerca de las hermosas playas del sur de California, como Malibú, donde pasábamos muchos días en familia disfrutando del océano y de las atractivas calas marinas.

Recibí mi primera cámara cuando era niño. Tenía ocho años. La cámara era una Kodak Brownie, y fue un regalo de cumpleaños de una amiga de mi madre, que era actriz de teatro. Me enamoré instantáneamente de ella, y empecé a tomar fotos de todo lo que sucedía a mi alrededor. Fotografié a mi hermano con una espada de madera jugando a los caballeros de la mesa redonda, a mi gata dando a luz al final de mi cama, hice retratos de mis amigos, todo era un posible sujeto, incluidos los árboles. Tomaba fotos sin parar. Hacía que mi pobre madre me llevara al laboratorio todo el tiempo, para dejar el rollo expuesto y recoger las impresiones y negativos anteriores. Compraba muchos rollos nuevos de película en blanco y negro para seguir fotografiando. Estaba enganchado desde una edad temprana.

“Clockwork Malibu”, Rick Dano on P.C.H. Malibu, California 1977

Tu sueles hablar de tu experiencia con la cultura del skateboarding en Los Ángeles. ¿Cómo descubriste la cultura del surf y el skate en Los Ángeles y qué te atrajo de estos subculturas?

Mi fotografía y mi pasión por el surf siempre han ido de la mano. A los 11 años trabajaba en el cuarto oscuro mientras aprendía a surfear. Los surfistas interactúan con la naturaleza de una manera profunda, son como bailarines tribales sobre las olas. El skateboarding surgió naturalmente del surf; podías hacer trucos en la calle, volar alto en una piscina, o ir a gran velocidad por largas y empinadas bajadas que duraban de 10 a 15 minutos. Como artista, usando mi trabajo fotográfico, he hecho todo lo posible por documentarlo. Este trabajo lo llamo “The Surfing Essay”. Llevo más de 50 años fotografiándolo… sé que suena una locura, pero es cierto. Tanto los surfistas como los skaters tienen una intensa hermandad (y ahora hermandad también de mujeres)… es una comunidad creativa sin límites.

“Breaking Wave”, Venice Beach, California, 1978

También vemos a la comunidad chicana en tu trabajo, ¿de donde viene tu interés por esta comunidad? ¿Qué papel desempeñó la comunidad chicana en la cultura de Los Ángeles durante los años 70, 80 y 90, y cómo se reflejó eso en tu trabajo? ¿cómo fue tu experiencia sobre este trabajo?

Me preguntas cómo me involucré con la comunidad chicana en mi trabajo… Crecer en Los Ángeles, originalmente llamada “El Pueblo de la Reina de Los Ángeles”, hace imposible no relacionarse con personas mexicanas y sudamericanas. Su comida, su música, su cultura familiar y su ética de trabajo me influenciaron mucho. Muchos nacieron aquí, otros llegaron… cuando yo crecía, nadie hacía preguntas sobre la ciudadanía o si estabas aquí legalmente… todos eran bienvenidos. En mi escuela secundaria pública, que estaba en el oeste de Los Ángeles y era conocida como una escuela acomodada (en comparación con muchas otras en LA), asistían muchos chicos chicanos, muchos de ellos eran mis amigos. La historia de Los Ángeles está profundamente influenciada por la cultura chicana, en muchos barrios de toda la ciudad. Siempre he fotografiado la cultura chicana porque es muy vibrante… los grafitis son impresionantes, las pandillas son reales y extremadamente peligrosas. En el mundo del entretenimiento, tienes actores como Edward James Olmos, que nació y creció en el Este de Los Ángeles. Tuve la suerte de trabajar con él. Esto me dio la oportunidad como fotógrafo para conectar más profundamente con la cultura chicana. Todavía estoy documentando (en película en blanco y negro) los murales de grafiti hechos por artistas chicanos por toda la ciudad.

“Hustlers” (male prostitutes) from the Gay Essay, 1971

¿Puedes compartir algunos desafíos específicos que enfrentaste al fotografiar eventos o momentos espontáneos en la cultura del surf y el skate?

Fotografiar el mundo del surf y del skate puede ser desafiante por diferentes razones. Ambos pueden ser peligrosos, especialmente cuando estás en el océano con una carcasa de cámara pesada. Básicamente pierdes un brazo para nadar, porque estás sosteniendo la carcasa, así que cuando llega una gran serie de olas y tienes que nadar para salvarte, haces lo mejor que puedes con un brazo; usar aletas para nadar marca una gran diferencia. Además, al fotografiar surfistas en el océano, te colocas en la zona de impacto, donde la ola explota, lo que puede mantenerte bajo el agua y lanzarte como una pelota de ping-pong en una lavadora. Contener la respiración durante mucho tiempo da miedo. Con el skate, la patineta misma puede convertirse en un proyectil serio cuando el patinador cae, especialmente en una piscina; tienes que estar muy atento para asegurarte de que el patinador o su patineta no te golpeen. Las condiciones climáticas también juegan un papel importante y no siempre son ideales.

Surf Concert, “The Tops Off” Santa Monica, California 1979

Se ve que trabajas con equipos y técnicas que han cambiado con el tiempo. ¿Cómo has adaptado tu equipo y técnicas fotográficas a medida que avanzabas en tu carrera y cómo has manejado la evolución tecnológica?

Lo grandioso de la fotografía es que el diseño fundamental de una cámara ha permanecido casi igual a lo largo de la historia. Tienes una caja de cámara hermética, una lente y material sensible a la luz (película) o un sensor digital, donde se enfoca la imagen. Luego captura la foto. Lo que más importa es la imagen creada, sin importar qué tipo de cámara se haya usado… digital o de película. Literalmente tengo más de 100 cámaras, todas ellas con una ingeniería increíble. Tanto de película como digitales, de formatos pequeños y grandes. Para mí son instrumentos visuales que se tocan, de la misma manera que un músico toca una guitarra o un violín, yo toco una cámara.

Algunas de tus imágenes son icónicas de la cultura california, varias imágenes icónicas de los años 70 y 80 en Los Ángeles. ¿Cómo recuerdas la transición cultural de esas décadas y qué impacto tuvo en tu trabajo y en la manera en que documentaste la vida urbana y las subculturas?

Cada década, el surf y el skateboarding pasan por grandes cambios. Ya sea desde los años 70 a los 80, o del 2010 al 2020, hay nuevos diseños de equipo, nuevas ideas de ingeniería. Se crean diferentes estilos expresivos tanto por surfistas como por skaters. Soy muy tradicional en cuanto a mi trabajo… He mantenido las mismas técnicas de trabajo en términos de cómo fotografío, durante la mayor parte de mi vida. Mantengo el mismo respeto por todas las personas que fotografío, incluidos los convictos más duros en la cárcel. Culturalmente, el público redefine su idea de lo que son el surf y el skate con el tiempo. Para mí, lo constante es la fotografía. Lo único que no ha cambiado, hasta donde yo puedo decir, es la “emoción” y el amor por ser un surfista o skater dedicado en cuerpo y alma. Ambas prácticas han explotado comercialmente a lo largo de los años, apareciendo en los Juegos Olímpicos y con grandes patrocinios corporativos los profesionales. Cuando empecé con el surf y el skate, te consideraban un marginado en la sociedad, hace ya tiempo que no es así.

Actor Edward James Olmos, Zoot Suit, Los Angeles, California, 1978

¿Puedes hablar sobre algún proyecto específico en el que hayas documentado la cultura del surf o el skateboarding en Los Ángeles? ¿Qué hizo que ese proyecto fuera significativo para ti?

En 1975 comencé una travesía fotográfica que llamo “The Surfing Essay”. Es un diario personal de mi vida como surfista y fotógrafo. Quería fotografiar al surfista cuando sale del océano, explorar cómo son sus amigos, cómo se divierten. ¿Cómo son sus novias? ¿Cómo viven? También quería fotografiar a los creadores de tablas de surf, que son considerados como sacerdotes en la comunidad surfista. También quería crear una serie extraordinaria de fotografías de las olas del océano. Para mí, se mueven a través del espacio con una belleza etérea; las considero esculturas líquidas. Cada ola es verdaderamente única, nunca podrá repetirse.

¿Cómo se ha desarrollado tu estilo fotográfico a lo largo de los años y cómo ha influido la cultura de Los Ángeles en tu trabajo?

Mi estilo fotográfico no ha cambiado desde que era niño. Creo que la forma más pura de fotografía (su mayor fuerza) está en la simple imagen en blanco y negro… mostrando el tiempo y el lugar, capturados a través del lente de una cámara. Al igual que un retrato de alguien que revela parte de su alma. Para mí, este tipo de fotografía es como actuar en el teatro, nunca pasará de moda, y ahora, con la aparición de imágenes generadas por IA, creo que es más relevante que nunca. También abstrae la realidad, lo cual, como artista, abrazo plenamente. Crecer en Hollywood me ha dado un sentido muy sofisticado de lo que es real y lo que no lo es (visualmente). Estoy seguro de que esto ha influido en mi mirada y en cómo me acerco a lo que fotografío.

“Andrea in the Ocean” , Santa Monica, California 1980

¿Cuál ha sido tu experiencia al trabajar con diferentes comunidades y subculturas? ¿Hay algún grupo o tema que consideres que te ha influenciado particularmente?

Hace muchos años, cuando fotografié “The Gay Essay”, la experiencia me pareció profunda… Aprendí mucho sobre la intimidad, la pasión y el amor. Todo esto existía de manera dramática dentro de la comunidad gay. Los beneficios de vivir una vida auténtica, de abrazar la propia sexualidad, eran algo admirable… La forma en que las personas homosexuales se cuidaban entre sí era conmovedora. Quise fotografiar a personas gays que vivían su estilo de vida de manera abierta en ese momento, su sentido de libertad personal. Muchas de ellas fueron tratadas muy mal en esa época… Vivir abiertamente requería coraje, arriesgaban su empleo, su seguridad personal, e incluso ser excomulgadas de sus familias. Eran avergonzadas de forma horrible, se les decía que eran pecadores y mentalmente inestables, que la homosexualidad era una maldición, un tabú social. Su valentía para vivir su vida de manera abierta y positiva fue una inspiración para mí, y todavía lo es.

¿Hay algún evento o momento en particular en tu carrera que consideres un punto de inflexión o especialmente significativo?

No… realmente no. He estado fotografiando toda mi vida, no hay un evento o momento clave en mi carrera… Creo que está en mi destino ser fotógrafo… Lo creo totalmente, y sigo fotografiando todo el tiempo.

“Two Little Girls” , East Berlin, East Germany, 1969

¿Qué papel ha jugado el contexto cultural de Los Ángeles en tu trabajo y cómo te ha influenciado en tu carrera como fotógrafo?

Crecer en Los Ángeles definitivamente me ha influido. Es muy diferente de otras grandes ciudades del mundo. Estamos constantemente expuestos a Hollywood, la tierra de fantasía, donde los sueños de la gente se realizan y se pierden. Descubrir lo que es verdad en este tipo de entorno no siempre es fácil, especialmente siendo fotógrafo. La manera en que la luz del sol entra en LA —no se parece a ninguna otra ciudad que conozca— es única. Los coches que circulan por LA son excepcionales, tanto los personalizados como los tradicionales. Automóviles extraordinarios que rara vez se ven en otros lugares urbanos. Son caros, y rápidos… muy rápidos. Las comunidades costeras dispersas por LA muestran sus propias personalidades. Son ricas en diversidad, como Venice Beach en comparación con Malibu, por ejemplo… pero, nuevamente, volviendo a la pregunta: ¿qué es real y qué no lo es? ¿Qué es falso y qué es legítimo? ¿Y quién lo sabe? Tal vez lo falso sea mejor, la fantasía más satisfactoria. Este enigma, este conflicto estimula mi mente. Lo aplico visual y emocionalmente a mi trabajo… Creo que es algo propio de LA… Afecta la manera en que veo las cosas, cómo las fotografío, y también cómo me relaciono con la gente. LA es un estado mental, irónicamente uno que me ha dado un profundo respeto por la verdad, sin importar cómo se explore ese misterio y se defina visualmente.

¿Hay algún fotógrafo o artista que haya sido una gran influencia para ti a lo largo de tu carrera?

Hay varios fotógrafos cuyo trabajo admiro profundamente y por los que siento cariño. Algunos son de los primeros años de la fotografía, como Eugene Atget y André Kertész, por ejemplo. Los grandes fotógrafos del siglo XX como Edward Weston, Edward Steichen, Irving Penn y Robert Frank, por nombrar algunos, me han causado una fuerte impresión. El fotógrafo contemporáneo Josef Koudelka es, creo, inigualable; su visión es absolutamente extraordinaria. La obra de su vida es increíble, un gran artista en el sentido más verdadero.

“JAWS” , Universal Studios, Hollywood, California, 1978

¿Cómo era Los Ángeles en la década de los 60, 70…? ¿Qué aspectos de la ciudad te impactaron más en ese momento?

Los Ángeles en los años 1960-1970 fue un lugar emocionante y creativo para vivir. En ese momento había intensas protestas contra la guerra de Vietnam en Estados Unidos. Muchas de ellas se realizaron en el campus de la UCLA y otros lugares de la ciudad. La banda de rock “The Doors” era de LA y explotó alrededor de 1967… Actuaban por toda la ciudad… La industria musical en LA era enorme. Algunos de los mejores surfistas y skaters salieron de LA durante ese tiempo, como los Dog Town y Z-Boys, todos provenientes de Venice Beach. Muchos directores de cine influyentes como Steven Spielberg, George Lucas y Francis Coppola, todos de LA, hicieron algunos de sus primeros filmes clásicos como “Star Wars”, “Apocalypse Now” y “Jaws”. Los movimientos políticos de los afroamericanos y los chicanos estaban directamente conectados con Los Ángeles en ese entonces, al igual que los derechos LGBTQ+ durante ese tiempo. Los Ángeles es la ciudad de los ángeles, algunos caídos, no hay otro lugar como este… siempre ha sido una fuerza importante en las artes y continúa siéndolo.

“Chicano Graffiti”, storefront, Los Angeles, California 2019

¿Tienes alguna relación con Craig Stecyk? ¿Tuvisteis oportunidad de trabajar juntos en algun proyecto?

Craig Stecyk es un amigo y colega de toda la vida. Hemos trabajado en numerosos proyectos juntos a lo largo de los años: películas, exposiciones de arte y libros. He fotografiado activamente a Craig (desde sus días en Dog Town y Z-Boys) cuando era socio de Zephyr Surfboards, junto con Jeff Ho y Skip Engblom. Un verdadero hombre del Renacimiento, un provocador, talentoso artista, cineasta y escritor. Craig Stecyk ha hecho una gran contribución a la historia del skateboarding y el surf.

¿Cómo crees que ha evolucionado Los Angeles en los últimos 40-50 años?

¿Cómo ha evolucionado Los Ángeles en los últimos 40-50 años? Siempre hemos estado en el centro del universo en cuanto a películas y medios (de todo tipo). Nadie lo hace como nosotros aquí, marcamos el estándar desde hace más de cien años… y lo seguimos haciendo, en LA (Hollywood)… películas y videos, todo tipo de música, danza, artes visuales, actuación, nada de eso ha cambiado… ahora es aún más. También somos una ciudad de atletas extraordinarios que viven y trabajan aquí, abarcando desde el surf y el skateboarding hasta el baloncesto, el fútbol americano, el tenis y el béisbol… todo esto se ha intensificado con los años. El tráfico de coches es insoportable a veces, muchos sin hogar (almas perdidas) viven ahora en nuestras aceras, entre adictos a las drogas y personas con enfermedades mentales. Estamos haciendo lo mejor que podemos para lidiar con eso… LA sigue siendo un gran lugar para vivir… las costas del océano en LA son hermosas, nuevas culturas diversas viven ahora dentro de la ciudad, ricas en cultura, comida e historias familiares. Hemos construido algunos de los mejores museos en Los Ángeles, muchos considerados de clase mundial. He estado aquí toda mi vida… nací aquí, estoy orgulloso de ser de LA.

“Train Station” Hollywood Film Set, Los Angeles, 1984

¿Cómo era la relación entre las diferentes subculturas en Los Ángeles durante esas décadas? ¿Hubo algún momento significativo o evento que marcara un cambio en la dinámica cultural?

No me siento calificado para responder a esta pregunta de manera adecuada… Soy fotógrafo… Esta pregunta podría ser respondida mucho mejor por un periodista o sociólogo que haya estudiado en detalle las diferentes subculturas que existen dentro de LA y cómo funcionan entre sí. Ha habido numerosos eventos que han moldeado a Los Ángeles a lo largo de los años… elegir solo uno sería difícil, creo (como los disturbios de Watts en Los Ángeles, por ejemplo). Yo creo fotografías, eso es lo que hago. Este viaje me ha llevado a muchos lugares a lo largo de mi vida, incluidos Europa, Japón, México y América del Norte. Mis expresiones artísticas y declaraciones sociales se hacen en mis fotografías.

Portrait of Natas Kaupas, Skateboarder, Los Angeles, California, 1988

¿Puedes compartir alguna anécdota personal o profesional memorable de tu tiempo en Los Ángeles durante esos años?

A finales de la década de 1970, decidí hacer un ensayo fotográfico sobre cómo se comunican entre sí las personas ricas en Estados Unidos. Un fotógrafo puede entrar en cualquier gueto y comenzar a fotografiar… puede ser peligroso, pero nadie te detendrá. Intenté lo opuesto, fotografiando en la comunidad super rica de Beverly Hills, California. Elegí contar mi historia en una de las ciudades más protegidas, más privadas y más elegantes del país. A menudo no fui bienvenido, incluyendo una vez en que una mujer me roció con una manguera mientras tenía mi Leica en la mano. El Hotel Beverly Hills, uno de los hoteles más famosos del mundo, con una historia de celebridades, príncipes, reinas y miembros de la realeza de todo el mundo que se alojaban allí… Tenía que conseguir una foto del hotel para la historia… sin embargo, después de que me dijeran en una reunión, por parte del gerente de asuntos del hotel, que no había forma en el infierno de que me permitieran hacer fotografías allí… estaba completamente prohibido. Incluso pregunté si podía tomar una foto de su papel tapiz en los pasillos, con nadie en la imagen, y me lo negaron. Pasaron meses y luego una exnovia me llamó y dijo que se estaba quedando en el hotel y que estaba descansando junto a la piscina y si quería visitarla. Aquí estaba mi oportunidad de conseguir la toma… me vestí como un profesional del tenis: camisa blanca brillante, pantalones cortos blancos, con una raqueta de tenis al hombro y mi cámara Leica M4 colgada del cuello… cuando llegué a la cima de las escaleras que conducen hacia afuera, vi a una mujer sexy de pie junto a la piscina, tenía una gran figura y un sombrero grande… bajé las escaleras, rodeé la piscina, me arrodillé y tomé 2 fotos de esta mujer de espaldas, rodeada de la piscina y otros huéspedes. Me levanté y me alejé… Esta imagen se ha convertido en una de mis fotografías más famosas, de las que he hecho en mi vida, es una pieza emblemática. Estaba destinado a ser… a veces está bien ir a la clandestinidad, ser sigiloso, conseguir la foto, los dioses de la fotografía entienden…

“Surfboard Blanks”, Santa Monica Canyon, California, 1977

En tu proyecto “The Gay Essay”, documentaste la vida de la comunidad LGBTQ+ en los años 70 de una manera muy profunda , emocional y autentica. ¿Cómo decidiste enfocarte en esta comunidad y qué desafíos enfrentaste al capturar sus experiencias en ese momento?

Decidí fotografiar “The Gay Essay” mientras viajaba por Europa, era un adolescente mayor en ese momento. Tenía empatía por las personas gay, que sentía que eran maltratadas y malentendidas. Me parecía trágicamente injusto y deplorable que la gente fuera hostil y amenazante hacia otros basándose en su identidad sexual. Pensé que sería un desafío darme esa tarea, en muchos niveles, tanto personales como fotográficos. Era un joven fotógrafo, siguiendo mis instintos, y crear el The Gay Essay resultó ser uno de los proyectos más importantes de mi vida. Lo que se me reveló al hacer las fotografías fue la necesidad humana de experimentar intimidad y amor, junto con un profundo deseo de conectarse entre sí de maneras apasionadas y físicas. Estos son sentimientos que todas las personas en la tierra comparten, son verdades universales. Ganar la confianza de las personas al fotografiarlas es de suma importancia. Cómo te presentas, con una cámara en mano, significa todo. Mientras fotografiaba “The Gay Essay”, hice todo lo posible por ser totalmente genuino sobre lo que estaba haciendo y cuáles eran mis objetivos. Hubo momentos en que me encontré en situaciones que nunca podría haber imaginado. Creo en usar la cámara como un medio de descubrimiento personal… para crear fotografías extraordinarias.

Jay Riddle, skateboarding in Malibu, California, 1980

Además de tu trabajo con la comunidad LGBTQ+, has documentado aspectos de la vida en Hollywood. ¿Cómo abordaste el desafío de capturar la esencia de un lugar tan icónico y a menudo representado en los medios de comunicación?

Hollywood es el maestro del engaño. Crecí en medio de eso. Mi padre, David Friedkin, fue un guionista y director exitoso. De niño, lo visitaba en los sets de películas, siendo testigo del arte y de la mágica grandeza de todo eso. Más tarde, trabajé como fotógrafo de cine durante más de 40 años, además de que me dieron un encargo especial (como artista) para fotografiar los Estudios Universales en Hollywood. Esto me permitió la rara oportunidad de hacer un conjunto personal de fotografías sobre el arte de hacer películas. Podía explorar y documentar mis propias observaciones sobre “la fábrica de sueños”. Intento capturar la línea entre la fantasía y la realidad, haciendo imágenes que revelen y expongan el proceso artístico de la realización cinematográfica. Quiero hacer esto con el mayor respeto y reverencia por Hollywood. Hacer cine, cuando se hace correctamente, es un acto sagrado. El proceso creativo de hacer películas es complejo. La gente no tiene idea de cuánto trabajo duro se realiza en el negocio del cine, la dedicación y el compromiso que se requiere. Tomé retratos de actores en personaje, el surrealismo de los estudios, props, sets de películas, artistas de maquillaje en acción, efectos especiales – explosiones, películas de ciencia ficción…- es un rico paisaje visual que me inspira.

Portrait of Craig Stecyk, Dogtown, Venice, California, 1974

¿Cómo ha influido tu experiencia en la fotografía de proyectos sociales y culturales diversos en tu estilo y enfoque fotográfico en general? ¿Hay algún proyecto en particular que haya sido especialmente revelador para ti?

Fotografiar comunidades diversas y culturales a lo largo de mi carrera no ha influido en mi estilo como fotógrafo, ciertamente de ninguna manera directa. Mi creencia fundamental sobre lo que es la fotografía y cómo me expreso en el medio comenzó cuando era niño. Se ha mantenido así de manera consistente a lo largo de mi vida. Soy muy tradicional en cómo uso la cámara y hago mis impresiones para exposiciones. Ciertos proyectos han presentado oportunidades en las que pude expandir mi visión, para crear fotografías que no había visto o pensado antes… y traté de abrazar esas posibilidades plenamente. El poder de la fotografía siempre me ha asombrado, incluso durante todo el tiempo que he estado haciéndolo; la experiencia de mirar una gran fotografía puede ser transformadora y de gran alcance.

“Carmel Wave,” Carmel, California 2015

Mirando hacia atrás, ¿cómo crees que Los Ángeles ha cambiado desde que llegaste y cómo esos cambios se reflejan en la vida y la cultura de la ciudad hoy en día?

He estado fotografiando en Los Ángeles toda mi vida, y como todas las grandes ciudades, cambia dramáticamente cada década. Hoy en día en Los Ángeles tenemos taxis autónomos que llevan a las personas a sus destinos. Los coches robot están conduciendo sin nadie dentro, por toda la ciudad. Es una sensación muy extraña cuando estás conduciendo justo al lado de uno. Los Ángeles ahora también tiene un nuevo sistema de metro, nunca tuvimos eso antes, y sigue construyéndose alrededor de los límites de la ciudad. Esto significa que las personas pueden ir de un vecindario a otro fácilmente, lo que está cambiando la dinámica de cómo interactúan entre sí en Los Ángeles. Se ha vuelto mucho más caro vivir bien en Los Ángeles, y ahora tenemos un serio problema de personas sin hogar. Eso nunca fue así antes. Visualmente, Los Ángeles sigue siendo una carga de riquezas para un fotógrafo, con vecindarios tanto ricos como pobres, modernos y antiguos; hay muchas culturas y subculturas con las que interactuar aquí. Los domingos por la mañana me encanta conducir por la ciudad y fotografiar lo que capta mi atención. Puede ser un viejo edificio demolido cubierto de graffiti o un nuevo rascacielos moderno con el sol reflejándose en él como una estrella brillante. Podría ser maniquíes sexys vestidos con lencería exhibidos en escaparates o estatuas de cromo en los parques de Beverly Hills. La energía de Los Ángeles es innegable, hay tanto sucediendo aquí, en muchos sentidos es un paraíso para los fotógrafos.

“Gay Couple” Los Angeles, California, 1970

¿A que te dedicas en la actualidad? ¿Puedes compartir algunos detalles sobre futuros proyectos en los que estás trabajando o temas que te gustaría explorar en tu fotografía?

Actualmente he estado fotografiando “still life’s” en las playas del sur de California. Estas fotografías irán en mi “Surfing Essay”. Esto incluye desde aves marinas muertas y vida marina (quiero honrar sus vidas haciendo hermosas fotografías de ellas), hasta piezas escultóricas de madera flotante, partes de bolsas de plástico negras y plateadas que parecen pinturas de arte moderno, grandes depósitos de algas marinas y conchas increíbles que llegan a la arena. La magnífica simetría de la naturaleza está en plena exhibición aquí. Cada día ofrece nuevas imágenes, especialmente después de poderosas tormentas con mareas altas y lluvias. Sigo fotografiando las olas del océano. Para mí, simbolizan nuestro universo con su energía siempre cambiante, como grandes obras de arte, son eternas.

www.anthonyfriedkinphotography.com