{english below} David Gibson nació en Ilford, Essex, en la frontera de Londres; lugar donde la empresa de película fotográfica Ilford toma su nombre -una maravillosa casualidad que le fascina-. 

Gibson lleva treinta años haciendo fotografía de calle, una pasión que le llevó un día a comenzar a escribir y divulgar sobre ello. El pasado año 2019 editó su tercer libro “Street Photography. A History Of 100 Iconic Images”, continuación de su super ventas “The Street Photographers Manual” (2014) y del aclamado “100 Great Street Photographs” (2017). Gibson es miembro del prestigioso colectivo de fotografía UP (Un Public) anteriormente conocido como In-Public. 

¿Quién es David Gibson?
Buena pregunta. Debería saberlo, supongo. Recuerdo cuando estaba en la escuela y la gente solía preguntar: “¿Qué vas a hacer cuando seas grande?” La pregunta parece más potente ahora que nunca. Digamos que he tomado fotografías durante más de 30 años. Quizás sea mejor decirlo a través de mis fotos, hay pistas allí.

Decía Winogrand que no le gustaba la etiqueta Street Photographer porque le perjudicaba a la hora de conseguir otros trabajos fotográficos ¿te molesta o perjudica a ti?
Probablemente ahora me molesta más de lo que solía hacerlo antes. Pero puedes dar vueltas y vueltas en círculos alrededor de todas estas etiquetas y preguntarte qué es y qué no es fotografía callejera. Prefiero decir que solo tomo fotografías, la mayoría de las cuales están hechas en la calle, pero estoy abierto a todo tipo de fotografías. El problema con las etiquetas es que pueden ser restrictivas.

¿Donde está tu límite ético -si es que lo tienes- a la hora de fotografiar a desconocidos por la calle?
No fotografiar a nadie en apuros, o a personas sin hogar.

¿Sueles salir de tu zona de confort a menudo cuando estás ahí fuera fotografiando? ¿Es productivo para ti salir de la comodidad, o prefieres disparar en un estado de mayor tranquilidad?
Bueno, en primer lugar rara vez me pillan haciendo fotos. No sé como lo hago. Debe de ser algún tipo de habilidad que tengo, o simplemente que el sentirse medio invisible me funciona. A veces puedo ser bastante audaz, y muy rápido. No me gusta molestar a la gente, prefiero pasar desapercibido, deslizarme por las escenas. Esa es mi “zona de confort”, supongo. Respecto a salir de la zona de confort, diría que cuando hago fotografía abstracta. La fotografía de desenfoque/movimiento es una especie de escape, pero bueno, igualmente podría estar seguro en ella. Disparo mucho a la gente desde atrás, podría decirse que es una zona de confort para mí.

¿Cuando y por qué nació el colectivo In-Public? ¿Por qué pasó a llamarse Un-Public?
In-Public comenzó en el año 2000, justo cuando Internet comenzó a afectar la vida de las personas, y fue el primer colectivo de fotografía de calle. En 2018 el grupo se convirtió en Un-Public (UP), es una larga historia. Tuvimos una gran dificultad para decidir un nuevo nombre, pero UP es perfecto. En el nuevo sitio web de UP hay una carta de Blake Andrews que explica los motivos del cambio.

La historia de como el colectivo de fotografía callejera In-Public desapareció es fascinante. Hay multitud de artículos y análisis en la red que lo cuentan con detalle, pero resumiré diciendo que la culpa la tuvo la interpretación de la siempre conflictiva etiqueta street photography, su interpretación, y su, para los más puristas, carácter dogmático. Un polémico debate que enfrentó a varios miembros importantes del grupo y que acabó por torpedear la línea de flotación del colectivo, que solo pudo salir de nuevo a flote con un nuevo nombre, y varios miembros menos.

En comparación con épocas pasadas ¿Crees que las redes sociales son simplemente un cambio de soporte para la fotografía? ¿Piensas que la carga psicológica que sustenta la operatividad es positiva? Por ejemplo, la influencia del like a la hora de elegir el tema a fotografiar.
La mayoría de los fotógrafos están atrapados de alguna manera u otra en las redes sociales. Admito que disfruto de Instagram porque es muy simple y directo, pero reconozco que es un tema importante en el que todos estamos viendo como gestionar correctamente. Si quieres esperanza, mira las páginas de Instagram de algunos de los fotógrafos importantes que interactúan con su audiencia. Fotógrafos como Joel Meyerowitz, Alex y Rebecca Norris Webb, o Gueorgui Pinkhassov que publica maravillosos videos cortos y abstractos. Sin embargo, hay tanta basura que a veces tienes que salir huyendo de ahí. El aspecto inquietante es que muchos fotógrafos de nivel medio obtienen muchos seguidores pero números ridículos de “me gusta”. Esto me parece muy desalentador, como si las personas hubieran perdido de vista -o simplemente no aprecian- lo que es especial en fotografía.

Si tuvieras que quedarte con solo 3 foto libros de tu colección ¿Cuales serían?
Dream/Life (Trent Parke). Up West (David Solomons) y 99 (Vasco Trancoso). Siempre me hacen esta pregunta, que es tan difícil de responder. El primero de mi recomendación es un clásico, y ahora, bastante raro de encontrar. En todo caso es una elección personal.
Escribí las introducciones de Up West y 99.

Hace unos meses me hice con una copia de “A history in 100 iconic images”, y he de decir que es un libro fantástico, y lo recomendaría sin duda tanto al fotógrafo novato como al experimentado. Está lleno de referencias y explicaciones maravillosas. Es realmente un libro para tener a mano y consultar y aprender. Como autor del libro, y gran conocedor de la historia de la fotografía de calle ¿cual dirías que es la época dorada de esta disciplina?
Esta es una buena pregunta y lo he considerado antes. De hecho, estoy un poco preocupado por la posibilidad de que la “edad de oro de la fotografía de calle” fuera anterior a mi época. La creatividad, el talento, quizás la genuina y la determinación pueden surgir en cualquier momento. Citaría a Gueorgui Pinkhassov, el fotógrafo de Magnum, como alguien especial y en su mejor momento ahora. Fotógrafos como él hacen que el presente brille dorado y hay otros que simplemente te dan esperanza e inspiración.
Sin embargo, diría que la década de los ‘50 y ‘60 fueron la edad de oro, antes del turismo de masas, cuando alguien caminando con una cámara era relativamente raro.
Miro mucha fotografía y admito que la nostalgia es un factor determinante a la hora de elegir los ‘50 y los ‘60 como la edad de oro de la fotografía de calle para mí. Por ejemplo, cuando visité Roma recientemente, tenía en mi cabeza las fotografías en blanco y negro de William Klein. Ese tiempo se ha ido. Podrías aplicar lo mismo a España en la década de 1960, todas esas maravillosas fotografías en blanco y negro de alguien como Ricard Terre.
Soy consciente de que hacer foto de calle ahora incluye que aparezca gente con sus teléfonos móviles. Esto me molesta de alguna manera porque una escena que visualmente podría ser atemporal de repente delata una temporalidad muy marcada. Los teléfonos móviles han cambiado el lenguaje corporal, son una intrusión no deseada.
La “edad de oro” también es un lugar, no solo el tiempo. Me imagino que Nueva York en la década de 1970 fue especial.
Todo esto se dice en retrospectiva, por supuesto.

En estos momentos de tu carrera ¿te consideras más fotógrafo que divulgador, o viceversa?
Durante mucho tiempo me consideré solo fotógrafo. Llamarme escritor parece pretencioso. También dirijo talleres de fotografía callejera, pero realmente no me considero un maestro. Prefiero evitar estas divisiones porque para mí todo es fotografía.
Sin embargo, el relativo éxito de los tres libros de fotografía que he escrito gradualmente me ha llevado a reajustar mi dirección. Sí, todavía hago fotografía de calle, pero realmente me gustaría hacer más libros.
Básicamente me encanta la fotografía, no tiene que ser mía. De hecho, escribir sobre fotografía y considerar a los grandes fotógrafos me pone en mi lugar. Estoy feliz de mirar hacia arriba y seguir inspirándome porque todo retroalimenta mi fotografía.

¿Cítame a algún fotógrafo español, pasado y/o presente que quieras destacar?
Están los nombres clásicos como Ramon Masats, Xavier Miserachs y Ricard Terre, los cuales aparecen en esos pequeños libros de bolsillo que publica La Frabrica. Por cierto, estuve en la librería que tiene La Fabrica en Madrid el año pasado, es como la cueva de Aladino para mí. La cueva de los descubrimientos.
Me vienen a la mente otros nombres como David Jiménez y Ricky Davilla.
Y en Instagram hay algunos cuyo trabajo me gusta constantemente, como @txemarodriguez, @santilaespada y @orietta.gs

English:

DAVID GIBSON

David Gibson was born in Ilford, Essex, on the London border; place where the Ilford photographic film company takes its name – a wonderful coincidence that fascinates him.

Gibson has been taking street photography for thirty years, a passion that took him one day to start writing and spreading about it. Last year 2019 he edited his third book “Street Photography. A History Of 100 Iconic Images ”, continuation of its super sales “The Street Photographers Manual ”(2014) and the acclaimed “100 Great Street Photographs” (2017). Gibson is a member of the prestigious UP (Un Public) photography collective formerly known as In-Public.

Who is David Gibson? 
Good question. I should know I guess. I remember when I was at school that people often said: “What are you going to do when you grow up?” The question seems more potent now than ever. Let’s just say that I’ve taken photographs for more than 30 years. Perhaps it’s best said through my photos, there are clues there.

Winogrand said that he did not like the label ” Street Photographer” because it didn’t help him in order to get photography assignments. Does this label bother you? 
It probably bothers me more now than it used to. But you can go round and round in circles with all these labels and what is, and what isn’t street photography? I prefer to say that I just take photographs, most of which are on the streets but I’m open to all sorts of photography. The trouble with labels is that they can be restrictive.

Where is your ethical limit – if you have one – when photographing strangers on the street? 
Well, firstly I rarely get caught taking photos on the street. Whatever it is, some kind of knack, or just feeling half- invisible, it seems to work. My ethical limit? Not to photograph anyone in distress or the homeless.

Do you usually leave your comfort zone often when you’re out there photographing? Is it productive for you to leave that area, or do you prefer to shoot in a state of greater tranquility? 
I can be quite bold sometimes — and very quick. I don’t like to upset people, I prefer to be unnoticed, to glide through scenes. That’s my ‘comfort zone’ I suppose. Do I ever leave my comfort zone? That’s difficult to answer. Abstract photography, my blur / movement photography is a sort of escape but equally it might be safe. I shoot people from behind quite a lot, it sometimes works but that’s arguably a comfort zone.

What was In Public, how was it born, and why did it stop operating? What is UP and what it has to do with In Public? 
In-Public started in 2000, just as the Internet began to grip people’s lives and it was the first street photography collective. It’s a long story but in 2018 the group became Un- Public, which was gradually shortened to just UP. We had great difficulty in deciding on a new name but UP is perfect. On the new UP website is a letter from Blake Andrews that explains the reasons for the change.

Compared to past times, do you think social networks are simply a change of medium for photography? Do you think that the psychological burden that sustains operability is positive? for example the influence of having “likes” when choosing photography themes. 
Most photographers are caught up in some way with social media. I admit to enjoying Instagram because it’s so simple and direct. This is a big subject and we’re all still working our way through it. If you want hope look at the Instagram pages of some of the important photographers who engage with their audience. Photographers such as Joel Meyerowitz and Alex and Rebecca Norris Webb. Or Gueorgui Pinkhassov who posts wonderful short abstract videos. However, there is so much rubbish out there that you sometimes have to wade through. The disturbing aspect is that many average photographers get huge followings and ridiculous numbers of ‘likes.’ I find this very dispiriting, as if people have lost sight — or simply do not appreciate — what is special in photography.

If you had to keep only 3 photo books from your collection, what would they be? 
Dream/Life (Trent Parke) Up West (David Solomons) 99 (Vasco Trancoso). Always this question, which is so hard to answer. The first one is legendary and now very rare. But all three choices are personel in some way. I wrote the introductions to Up West and 99.

A few months ago I get myself a copy of “Street Photography: A History in 100 iconic Images”, and I must say that it is a fantastic book, and I would definitely recommend it to both the novice and the experienced photographer. It is full of wonderful references and explanations. It is really a book to have on hand and consult and learn. As a great connoisseur of the history of photography, what would you say is the golden age of street photography? 
This is a good question and I’ve considered this before. In fact I am slightly troubled by the possibility that the ‘golden age of photography’ was before my time. Creativity, talent, perhaps genuis and of course determination can surface at any time. I would cite Gueorgui Pinkhassov, the Magnum photographer as someone special and in his prime now. Photographers like him make the present shine golden and there are others, who just give you hope and inspiration.
However, I’d still say that the 1950s was the golden age, before mass tourism when somebody walking around with a camrea was relatively rare.  I look at a lot pf photography and I admit that nostalgia creeps in making the 1950s into the 1960s the golden age for me. For instance visiting Rome recently I had William Klein’s black and white photographs in my head. That time has gone. You could apply the same to Spain in the 1960s, all those wondeeful black and white photographs by someone like Ricard Terre.
I’m very aware of how taking street photographs now constantly includes people with their mobile phones. I resent this in a way because a relatively timeless scene suddenly screams now. Mobile phones have changed body language, they’re an unwanted intrusion. The ‘golden age’ is a place too, not just the time. I can imagine that New York in the 1970s was special. All this is said with hindsight of course.

In these moments of your career do you consider yourself more as a photographer than a writer / critic, or vice versa? 
For a long time I have considered myself just a photographer. To call myself a writer seems pretentious. I lead street photography workshops too but I don’t really consider myself a teacher. I’d rather avoid these divisions because it’s all photography to me.
Yet the relative success of the three books on photography that I’ve written has gradually caused me to readjust my direction. Yes, I still just take street photographs but I really would like to do more books.
Basically I love photography, it does not have to be my own. In fact writing on photography, and considering the truly great photographers puts me in my place. I’m happy to look up and continue being inspired because it all feeds back into my photography.

Is there any Spanish photographer you admire or follow? 
There are the established names like Ramon Masats, Xavier Miserachs and Ricard Terre who all feature all in those little PhotoBotsillo books from La Fabrica. I was in the La Fabrica book store in Madrid last year, an Aladdin’s Cave of discovery. Other names like David Jimenez and Ricky Dvilla spring to mind. But on Instagram there are a few whose work I constantly like: @txemarodriguez, @santilaespada & @orietta.gs