Jonah Levine Collective: la cura es la música

9 June 2018 Texto: Pedro Rodríguez Ruiz. Fotografía: Archivo .

{english below} La caja de medicinas cae en tu mano junto al disco de Jonah Levine Collective. El médico alza una ceja y golpea la mesa dos veces con el índice de cada mano. En tus oídos retumban dos golpes y en tu mente crece un ritmo. Estiras el cuello a un lado y a otro notando el viento del trombón subiendo por tu laringe. Tus pies ya están bailando de una lado hacia otro. La voz del doctor está muy muy lejos. Tú mirada más aún. Ha viajado a un escenario oscuro con luces azules donde brillan las teclas blancas del piano… El disco da vueltas solo sobre la mesa y se eleva en el aire. Alguien da un golpe en la mesa y la música se agazapa, el ritmo tintinea suave sobre la caja y el charlie… Una mano derecha juega sobre las notas agudas… La caja de medicinas se ha caído y el prospecto se ha salido. Lo coges y lo lees. Son notas sobre papel. Una partitura. Y la caja está vacía. Para la música no hay cura. Jonah Levine lleva la música tan dentro que el mundo sufre deficit de atención. Pero la Jonah Levine Collective construye un mundo completo hecho de música. Esto es lo que es, a fin de cuentas. Hablamos con el propio Jonah Levine sobre su pasión irremediable y su primer álbum con la Jonah Levine Collective, Attention Deficit (World Galaxy Records, 2017), un universo musical en si mismo, vital y poliédrico, lleno de matices y voces globales, un testimonio de nuestro más puro lenguaje común, la música.

¿Cómo fue tu encuentro inicial con la música?
Solía andar por la casa jugando con mi grabadora de fisherprice durante todo el día improvisando canciones para niños y cantando a través de ese micrófono de plástico rojo brillante. Siempre había algo para jugar entre el piano de pared y las guitarras. Cuando estaba en cuarto grado, cogí el trombón y el piano de verdad. Siempre tuve un profundo amor por la música.

Eres profesor, compositor, músico habitual en giras y tocas en varias bandas de Los Angeles. Creo que no te alejas mucho de la música en los minutos de tu día a día. ¿Cómo es tu rutina?
Mi rutina cambia día a día, semana a semana, mes a mes y cada año. Mantiene las cosas interesantes. Debido a que me involucro en tantos aspectos de la música siempre hay algo que hacer, pero realmente cambia en función de qué proyectos están sucediendo. Acabo de pasar una semana en Ciudad del Cabo, Sudáfrica con Miguel Atwood-Ferguson y he estado produciendo / componiendo principalmente en la comodidad de mi propio dormitorio desde que volví, entre tanto, enseñaba en el Lincoln Jazz Center con el programa de difusión para escuelas primarias locales. En una semana comenzaré a cambiar mi energía para escribir, grabar y producir el disco debut de mi otra banda, Katalyst.

Tocas habitualmente el trombón y el piano. Cómo compositor supongo que trabajaras mucho sobre el piano y como solista el trombón. ¿Cómo es tu dinámica entre instrumentos?
Eso es totalmente correcto. Técnicamente comencé a tocar el piano, pero nunca lo consideré mi instrumento principal porque el trombón era lo que tocaba en la escuela, las bandas, los conciertos y las clases. El trombón es casi lo opuesto al piano en muchos sentidos, así que aprovecho esas diferencias al tocar cada instrumento. En el trombón, me concentro en la respiración, las ideas melódicas, la ornamentación microtonal, la dinámica, etc. Cuando me canso de tocar el trombón, puedo simplemente sentarme y tocar el piano durante horas. Es tan visual y físicamente fácil de tocar que realmente puedo explorar la armonía, la composición y los conceptos rítmicos, cosas que las limitaciones del trombón me impiden hacer. Como director de orquesta y alguien a quien le gusta realizar juegos completos de música improvisada, utilizo el piano para guiar a la banda hacia canciones o grooves, algo que es mucho más difícil de hacer cuando se limita a tocar solo una nota en el trombón.

 

 

¿Cómo empezasteis el sexteto Jonah Levine Collective con la que nos has presentado el álbum debut, Attention Deficit (Alpha Pup Records/World Galaxy, 2017)?
Todos en la banda se conocieron en Los Ángeles y principalmente en UCLA. Todos nos hicimos amigos mucho antes de comenzar a tocar música juntos. Siempre he admirado a todos estos muchachos y me asombran sus talentos, pero cada uno de ellos es tan genuinamente amable y compasivo que nunca sentí que fueran inaccesibles. Entonces, cuando hice mi primera actuación tocando en el Museo Fowler en el campus de la UCLA, pensé que también podría armar el equipo de mis sueños: mis músicos favoritos y mis mejores amigos. Todos dijeron que sí sin dudarlo y el ambiente de la música inmediatamente se sintió como algo muy especial en el momento en que comenzamos nuestro primer ensayo.

¿Cuales han sido tus ideas predominantes a la hora de crear Attention Deficit?
Me tomé mi tiempo con Attention Deficit y realmente me concentré en cada paso del proceso antes de pasar al siguiente en lugar de concebir una visión global desde el principio. La idea principal era grabar toda la música que había escrito con mis músicos favoritos. Después de escuchar las sesiones, decidí que quería que la música reflejara mi trayectoria profesional en Los Ángeles, que se ha dividido por igual entre el mundo del jazz y “el mundo de la música/el mundo del hip hop”. Es por eso que llamé a mis amigos Ringgo, Iman y Aditya. Durante el proceso de mezcla, hice una lluvia de ideas sobre las diferentes partes en los que quería mezclar los efectos, ya que era cuando comencé a aprender Ableton. No quería volverme completamente ridículo, pero sabía que quería aprovechar el hecho de que era un disco y no una actuación en vivo. Más tarde en el proceso, se me ocurrió el nombre de Attention Deficit. Para mí, el título refleja definitivamente mi personalidad y experiencia vital, pero también es apropiado para esta música que va por todas partes (desde melodías suaves de hip-hop hasta ritmos acelerados de 5/8 de melodías balcánicas y de vuelta a las versiones de lestilo stride pop de los años 20).

Hemos leido que has estudiado profundamente el trabajo de grandes artistas del jazz como Kenny Burrell o James Newton. ¿Qué nos puedes contar sobre ellos y otras referencias que estimes comentarnos?
Estudiar con Kenny Burrell y James Newton fue la mejor parte de mi experiencia en UCLA. En mi primer año de escuela, ambos se convirtieron en importantes mentores y amigos. Kenny dirigió mi clase de combo y siempre tuvo ideas locas e inusuales que pudimos probar. Esto me dejó una gran impresión porque la sensación de alegría y maravilla que emanaba Kenny como una leyenda del jazz viviente era equivalente a que un niño explorara la música por primera vez. James Newton me abrió los oídos y me presentó muchos conceptos musicales, técnicas de composición y cambió la forma en que abordo y pienso sobre la música. También tuve la suerte de aprender del gran George Bohanon cuyas historias y consejos sobre la vida fueron casi más valiosos que el tiempo que pasó tocando el trombón. Los considero a todos mi familia en este punto y estoy agradecido por todo lo que han hecho por mí.

En 2014 te graduaste en etnomusicología por la UCLA. Pienso que las bases del jazz no son solo sus raíces culturales sino sus vientos de libertad, en cierto modo. Creo que en tu música aparece de algún modo esta idea. Una apertura global a otras melodías y sonidos. ¿Cual es tu  consideración sobre el tema?
Hay una gran cita de Ellington que Kenny solía compartir con nosotros: “Simplemente hay dos tipos de música, buena música y la otra clase”. Esto resuena en mi porque siempre me ha gustado todo tipo de música. No creo que las fronteras realmente existan en la música; sirven un propósito que tiene más que ver con el marketing que con cualquier otra cosa. En UCLA, me sumergí en mi exploración de la música mundial, específicamente la música india, búlgara y armenia. Naturalmente, comencé a unir las cosas con mis propias experiencias en jazz, hip-hop y pop. Cuando escribo o improviso trato de dejar que la música fluya. No niego de dónde provienen mis influencias, pero rara vez escribo con la intención de combinar elementos musicales específicos de un conjunto particular de géneros. Trato de exponerme a la mayor cantidad de música posible porque creo que todo lo que proviene de mí es el resultado de todo lo que he escuchado antes.

Hay una fuerte y enérgica ola de jóvenes músicos en la Costa Oeste. Siendo parte de dicha generación y de la zona ¿qué nos puedes contar sobre este auge cultural que estamos viviendo?
Es lo más increíble de ser músico en Los Ángeles en este momento y es la razón por la que me he instalado aquí por tanto tiempo. En los últimos ocho años, he visto la escena musical creativa de Los Angeles crecer más rápido y más fuerte cada vez. Héroes locales como Kamasi Washington y Thundercat se han convertido en íconos mundiales liderando las tendencias actuales de la música. He visto todo tipo de nuevos espacios de arte emerger para que los músicos los exploren y cada mes conozco a alguien nuevo al que esta música le ha motivado a seguira. También he visto que estas fronteras entre diferentes géneros e incluso otras formas de arte se desvanecen rápidamente. Parece que los músicos se animan a ser completamente ellos mismos sin sacrificar una audiencia potencial. Ser parte de esta escena ha sido el factor más inspirador y motivador en mi vida y sé que no estaría donde estoy hoy sin eso.

 

 

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English:

JONAH LEVINE COLLECTIVE: THE CURE IS MUSIC

The medicine box falls into your hand next to the disc of Jonah Levine Collective. The doctor raises an eyebrow and hits the table twice with the index of each hand. Two blows echo in your ears and a rhythm grows in your mind. Stretch the neck to one side and another noticing the wind of the trombone rising through your larynx. Your feet are already dancing from one side to the other. The doctor’s voice is very far away. You look even more. He has traveled to a dark stage with blue lights where the white keys of the piano shine … The disc spins only on the table and rises in the air. Somebody bangs on the table and the music crouches, the rhythm tinkles softly on the snare drum and the hi-hat … A right hand plays on the high notes … The medicine box has fallen and the prospect has left . You take it and read it. They are notes on paper. A score And the box is empty. For music there is no cure. Jonah Levine takes the music so deep that the world suffers attention deficit. But the Jonah Levine Collective builds a complete world made of music. This is what it is, after all. We speak with Jonah Levine himself about his irremediable passion and his first album with the Jonah Levine Collective, Attention Deficit (World Galaxy Records, 2017), a musical universe in itself, vital and polyhedral, full of nuances and global voices, a testimony from our purest common language, music.

How was your initial encounter with music?
I used to walk around the house playing with my fisher price tape player all day long jamming to kids songs and singing through that bright red plastic mic. There was always something to tinker on too between the upright piano and guitars laying around. By the time I was in 4th grade I picked up trombone and piano for real. I always had a deep love for music.

You are a teacher, composer, regular musician on tours and plays in several Los Angeles bands. I think you do not get too far away from the music in the minutes of your day to day. How is your routine?
My routine changes day to day, week to week, month to month, and every year. It keeps things interesting. Because I involve myself in so many aspects of music making there is always something to do but it really changes based on what projects are happening when. I just spent a week in Cape Town, South Africa with Miguel Atwood-Ferguson and have been producing/composing mostly in the comfort of my own bedroom since returning, in between teaching with Lincoln Jazz Center’s outreach program at local elementary schools every other day or so. In a week I will begin shifting my energy towards writing, recording, and producing the debut record for my other band Katalyst.

You usually play the trombone and the piano. As a composer I suppose you worked a lot on the piano and as a soloist the trombone. How is your dynamics between instruments?
That’s absolutely correct. I technically started on the piano but never considered it my main instrument because trombone was what I played in school, bands, concerts, and lessons. The trombone is almost the opposite of piano in many ways, so I take advantage of those differences when playing each instrument. On trombone, I get to focus on my breathing, melodic ideas, microtonal ornamentation, dynamics, etc. When I get tired of playing trombone, however, I can simply sit down and play piano for hours. It’s so visual and (physically) easy to play that I get to really explore harmony, composition, and rhythmic concepts, things that the limitations of trombone prevent me from doing. As a bandleader and someone that loves to perform full sets of improvised music, I use the piano to lead the band into songs or grooves, something that is much more difficult to do when restricted to only playing one note on the horn.

How did you start the Jonah Levine Collective sextet with which you presented us your album debut, Attention Deficit (Alpha Pup Records / World Galaxy, 2017)?
Everyone in the band met in Los Angeles and mostly at UCLA. We all became friends well before we started playing music together. I have always looked up to all these guys and been in awe of their talents but each one of them is such a genuinely kind and compassionate human being that I never felt like they were unapproachable. So, when I got my first gig playing at the Fowler Museum on UCLA campus, I figured I might as well assemble my dream team: my favorite musicians and best friends. They all said yes without hesitation and the vibe of the music immediately felt like something very special the moment we started our first rehearsal.

What have been your predominant ideas when creating Attention Deficit?
I took my time with Attention Deficit and really focused on each step of the process before moving on to the next rather conceiving the whole vision from the beginning. The main idea at first was to record all the music I had written with my favorite musicians. After listening back to the sessions, I decided I wanted the music to reflect my career path in Los Angeles which has been equally split between the jazz world and the world music/hip-hop worlds. That’s why I reached out to my friends Ringgo, Iman, and Aditya. During the mixing process I brainstormed all the different places I wanted to mess with effects as this was around the time I started learning Ableton. I didn’t want to get completely ridiculous with it but I knew I wanted to take advantage of the fact that this was a record and not a live performance. Late into the process, I came up with the name Attention Deficit. To me, the title definitely reflects my personality and life experience but it also is fitting for this music which goes all over the place (from mellow hip-hop beats to fast-paced ⅝ Balkan melodies and back to  20’s stride-style pop covers).

We have read that you have studied deeply the work of great jazz artists such as Kenny Burrell or James Newton. What can you tell us about them and other references you want to tell us about?
Studying with Kenny Burrell and James Newton was hands-down the best part of my UCLA experience. Within my first year of school, they both became important mentors and friends of mine. Kenny ran my combo class and always had crazy and unusual ideas we could try out. This left a huge impression on me because the sense of joy and wonder Kenny emanated as a living jazz legend was tantamount to a child first exploring music. James Newton opened my ears and introduced me to many musical concepts, compositional techniques, and changed the way I approach and think about music. I was also fortunate enough to learn from the great George Bohanon whose stories and life advice were almost more valuable than the time spent playing the horn. I consider them all family at this point and I am grateful for everything they have done for me.

In 2014, you graduated in ethnomusicology from UCLA. I think that the basis of jazz is not only its cultural roots but its winds of freedom too, in a certain way. I think that in your music somehow this idea appears. A global opening to other melodies and sounds. What is your consideration on the subject?
There is a great Ellington quote that Kenny used to share with us: “There are simply two kinds of music, good music and the other kind.” This resonates with me because I have always loved all kinds of music. I don’t think borders really exist in music; they serve a purpose that has more to do with marketing than anything else. At UCLA I fell deeper into my exploration of world music, specifically Indian, Bulgarian, and Armenian music. Naturally, I started to tie together things together to my own experiences in jazz, hip-hop, and pop. When I write or improvise I try to just let the music flow. I don’t deny where my influences come from at all, but rarely do I write with the intention of combining specific musical elements from a particular set of genres.  I do try to expose myself to as much music as possible because I believe that everything that comes from me is the result of everything I have listened to before.

There is a strong and energetic wave of young musicians on the West Coast. Being part of that generation and of the area, what can you tell us about this cultural boom that we are experiencing?
It is the most incredible thing about being a musician in Los Angeles right now and it is the reason I have stayed here for this long. In the past eight years, I have seen the creative music scene grow faster and stronger every year in LA. Local heroes like Kamasi Washington and Thundercat have become worldwide icons leading the current trends in music. I’ve seen all sorts of new art spaces emerge for musicians to explore and every month I meet someone new that moved her to pursue this music. I’ve also seen these borders between different genres and even other art forms fade fast. It feels like musicians are encouraged to completely be themselves without sacrificing a potential audience. Being a part of this scene has been the most inspiring and motivating factor in my life and I know I wouldn’t be where I am today without it.

 

 

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