Sam Flores

27 October 2018 Texto: Pedro Rodríguez. Fotografía: Archivo Sam Flores.


los colores del desierto

{english below} El arte tiene ojos y manos que siempre dan con las formas de la vida. Es un contacto natural. Fluido. Una empatía totalmente intuitiva. Y todo pasa a través del artista. Él nunca ve un paisaje árido. Un rincón vacío. Una pared sucia en un callejón maloliente. Conecta directamente con el sueño de las cosas que casi son invisibles. Las palpitaciones de aire en sus pulmones aumentan la intensidad del color como una vibración del objeto observado. Las lineas se mueven en su cabeza como ondas de bello y polvo electrizado. Hay fantasía y realidad. No son elementos antagónicos. No hay lucha. Es el mismo liquido con muchos aspectos y brillos. En cualquier sitio. Sin necesidad de escuelas ni academias. Todo empieza directamente a partir de una vida. Pequeña. Dibujando en el suelo con lápices de colores. Es la esencia de lo urbano. Cuando el arte crece como la hierba que agrieta el cemento. Y si te fijas bien, puedes ver como sobre las retinas del artista hay unas llamas bailando. Ese alma imaginativa trabajando. Haciendo que apriete los labios mientras sacude el bote de spray. Esos pasos cortos de lado a lado, atrás y delante, mirando el lienzo con el pincel girando entre los dedos. Esa comunicación no son solo ideas. Es el espacio entre lo colectivo y lo personal. Cuando encuentras pedazos de ti escondidos fuera. Es el arranque de la mirada más humana: la fascinación. Y Sam Flores es uno de ese tipo de artistas. Tan apasionado como autodidacta. Tan soñador como observador. Un brote salvaje de nuestra cultura con la sensibilidad de esos ojos decaídos de sus personajes. Fuertes y expuestos. Honestos.

El arte de Sam Flores te invita a mirar. Te invita a encontrar. A no caminar cabizbajo. Escuchémosle.

 

 

Te mudaste muy joven de los desiertos del sudoeste de Nuevo Mexico a la zona de la Bahía de San Francisco. ¿Qué cambio cultural y personal te supuso?
Crecí en Alburquerque, Nuevo México, pero luego viajaría a San Francisco antes de mudarme. Crecí corriendo por las calles de Alburquerce, así que fue más un cambio de escenario: el polvo era igual, pero en sitio diferente.

Eres un apasionado del skateboard, del grafitti y los cómics ¿Cuales fueron tus principales influencias y cómo te marcaron en tu juventud?
Crecer en la escena grafitera del desierto tuvo mucha influencia de AGREE, él se mudó a Alburquerque desde Nueva York. Él y Mike Giant fueron grandes influencias en mi graffiti y en todo mi estilo artístico en desarrollo. También, Todd McFarlane, Simon Bisley y Frank Miller, del mundo del cómic me inspiraron mucho. El arte del skate, Andy Howell fue una gran influencia; Barry McGee también fue una gran inspiración.

 

 

Como artista eres autodidacta ¿Cómo empezaste a dibujar? ¿Qué te motivaba como creador?
Crecí con mi madre, que me crió como madre soltera. No teníamos mucho dinero en la época. No tenía juguetes, ni televisión, ni ordenadores, así que cuando me aburría ella me daba papel y lápiz. O cuando no teníamos ni papel ni lápiz dibujaba en nuestras cajas de mudanza. Me quedé enganchado con eso instantáneamente y desde entonces iría por ahí llevando un lápiz de color. Es todo lo que he querido hacer desde ese momento.

Hemos leído que entre tus grandes influencias se encuentran la obra de Michael Parkes y Maurice Sendak. ¿Qué te atrajo de sus trabajos por primera vez? ¿Qué inspiración te aportaron?
Me encanta el movimiento de Art Nouveau de Klimt y Mucha. Me gustaba mucho Mickey in the night kitchen de Sendak, o Where the wild things are. Me encantaba Richard Scary y por supuesto Bill Watterson (Calvin & Hobbes).

 

 

La cultura del grafitti es esencialmente urbana, rebelde y clandestina. Pero ha tomado por méritos propios de una cultura con fuerza su espacio del arte contemporáneo. ¿Cual es tu opinión sobre su evolución y sus bases esenciales? ¿Cuales son tus experiencias personales con el grafitti?
Tengo un montón de vivencias personales con el grafiti, la mayoría de ellas mejor las dejo sin mencionar. Creo que las raíces del graffiti siempre vivirán y pertenecerán a las calles, la gente ha llevado y ha traído sus estilos e inspiraciones de ahí a diferentes medios y plataformas, en galerías y espectáculos. Pero la esencia del graffiti siempre vivirá en las calles.

Trabajas la ilustración desde varios medios (acrílicos, tinta…). ¿Cómo ideas una obra y llegas a las técnicas concretas que te pide? ¿Cómo es un día de trabajo en tu estudio?
Depende de aquello en lo que esté trabajando en ese momento. Las ideas pueden surgir de caminar por la ciudad o donde quiera que esté. Puedo abocetar un concepto y luego llevarlo al estudio y desarrollarlo. Me gusta usar muchas técnicas: óleo, acrílico, acuarela, pintura en espray, madera, arcilla… me ayuda tener varias cosas en las que trabajar en el momento. Si alguna parece forzada o la he estampado contra la pared, paso a otra cosa, así que pienso en todo, pero ahí tengo el último proyecto; me abriré a él y encontraré una idea para terminarlo.

 

 

También haces escultura, principalmente vinilos y toys. Todos están fuertemente marcados con la esencia de tu trabajo. ¿Cómo empezaste con la escultura y cómo es tu método de trabajo?
Siempre me han interesado las esculturas, las figuras y los coleccionables. Probablemente comenzó cuando Star Wars salió y cada niño tenía las figuras de Luke Skywalker y Darth Vader. Solía tener que pedirlos prestados a un amigo por unas noches y luego devolverlos. es emocionante tomar una idea 2D y llevarla a una forma tridimensional y verla cobrar vida.

Hay un personaje recurrente en tus obras: la figura femenina de ojos cerrados. Espiritual. Como un tótem. Envuelta en un halo de belleza y meditación. Y que se une o del que surgen otros elementos complejos de la obra, como paisajes naturales, pieles de animales, cactus, elementos culturales y urbanos, etc. ¿Cómo te alcanzó este personaje? ¿Qué ideas básicas te transmite para alcanzar tantas otras diferentes en la diversidad de tus obras?
La mayoría de mis personajes son más una idea o un sentimiento que una persona real. Pueden representar muchas cosas diferentes. Puede ser una relación entre algo y su medio ambiente o un pensamiento o idea surgido de ese medio ambiente.

 

 

Tus primeros trabajos estaban muy volcados en el diseño para el skateboard y la ropa. Siendo el skate una de tus pasiones, ¿te enfocabas directamente en trabajar para este mundo?
La verdad es que no, me llevó bastante acostumbrarme al medio del skate, como en crear diseños que funcionen bien con esa forma. Mis primeros diseños fueron muy raros y no le iban bien a un skate.

En 2013 entras a formar parte de Upper Playground. ¿Cómo fue ese proceso? ¿Puede ser que en la naturaleza intrínseca del arte independiente esté la tendencia lógica del colectivo artístico? ¿De la unión de artistas locales o de una zona?
Conocí a los de UP en un espectáculo artístico en San Francisco hace casi 20 años. Por aquel entonces solo tenían 4 diseños.

En Upper Playground estás con artistas como Jeremy Fish, David Choe, Munk One, Dustin Canalin, Alex Pardee o Morning Breath. ¿Cómo funcionáis en colectivo?
UP fue una de las primeras marcas que acreditaban al artista. Imprimían la firma del artista en la manga de la camiseta para darle reconocimiento. Todos nosotros conectamos entre nosotros y teníamos una pasión similar.

 

 

Dentro de Upper Playground está tu marca personal: 12Grain. ¿Cómo levantaste el proyecto y qué puedes contarnos de su andadura actual y de sus próximas novedades?
Vendremos con nuevos proyectos, tanto con UP como 12Grain hacia finales del 2018 o ya en 2019. ¡¡¡Estad atentos!!!

El 12 es un número recurrente en tu vida. Está en el nombre de tu linea de ropa. Ha estado en la fecha señalada de algunas de tus exposiciones (por ejemplo, en la FIFTY24SF Gallery el 12/12/12). ¿Qué puedes contarnos sobre su simbología personal?
Crecí en Alburquerque, y tenía un grupo de amigos. “Dose” (“Twolve”, en el original) era nuestro número. No es que fuéramos 12, simplemente era el número con el que resonábamos. Crecer en Alburquerque era algo violento y alocado. Muchos de mi antigua pandilla murieron. Empecé mis negocios hidden12project y 12grain para mantener el pasado vivo y celebrar de dónde venimos. Escondo un 12 en todos mis trabajos; me ayuda a rememorarlos y mantenerlos con vida a través del arte que creo.

 

 

Como artista ¿cómo te afecta el panorama cultural, social y polÍtico de EEUU?
Como ser humano, los Estados Unidos nos afectan a todos. Hay mierdas muy jodidas a todos los niveles en estos momentos. Yo intento mantenerme concentrado, compasivo y consciente de lo que está sucediendo en nuestro mundo. Son tiempos muy tristes.

¿Qué puedes contarnos de tus próximos proyectos?
Iniciar una nueva Plataforma artística con Micke Giant @ogmikegiant en Instagram llamada KacusKids.com, así que echadnos un vistazo y manteneos en sintonía para más cosas con esto. También terminar mi nuevo libro, que saldrá en 2019, así como un corto animado a finales de 2019.

 

 

 

 

English:

SAM FLORES: THE COLORS OF THE DESERT.

Art has eyes and hands that always come with the forms of life. Itts a natural contact. Fluid. A totally intuitive empathy. And everything happens through the artist. He never sees an arid landscape. An empty corner. A dirty wall in a smelly alley. Connect directly with the dream of things that are almost invisible. The palpitations of air in his lungs increase the intensity of the color as a vibration of the observed object. The lines move in his head like waves of hair and electrified dust. There is fantasy and reality. It´s not antagonistic elements. There is no fight. It is the same liquid with many aspects and brightness. Anywhere. No need for schools or academies. Everything starts directly from a life. Little. Drawing on the floor with colored pencils. Its the essence of the urban. When art grows like grass that cracks cement. And if you look closely, you can see how on the artist’s retinas there are dancing flames. That imaginative soul working. Making him squeeze his lips while shaking the spray can. Those short steps from side to side, back and forward, looking at the canvas with the brush rotating between the fingers. That communication is not just ideas. It is the space between the collective and the personal. When it’s a part of you hiding out. It is the start of the most human look: the fascination. And Sam Flores is one of that kind of artists. As passionate as self-taught. So dreamy as an observer. A wild outbreak of our culture with the sensitivity of those decayed eyes of its characters. Strong and exposed. Honest.

The art of Sam Flores invites you to look. Invites you to find. To not walk in a crouch. Now, come on and listen to him.

You moved very young from the deserts of southwest New Mexico to the Bay Area of San Francisco. What cultural and personal change did it entail?
I grew up, in Albuquerque New Mexico, but would go travel to SF before I moved. I grew up running around the streets of ALBQ, so it was moire just a scenery change the dirt was the same just different setting.

You are passionate about skateboarding, graffiti and comics. What were your main influences and how did they mark you in your youth?
Growing up in the dessert graph scene got really influenced from AGREE, he moved to Albs. from NYC him and MIKEGIANT were big influences in
my graffiti and my whole art style growing up. Also Todd MCfarlane, Simon Bizley, Frank Miller from the comic book world inspired me a lot. In Skate Board art
Andy Howell was a big influence, Barry Mcgee was a strong inpiration also.

As an artist, you are self-taught. How did you start to draw? What motivated you as a creator?
I grew up with my moms, she raised me as a single mother. We didn’t have a lot of money growing up, I didn’t have toys or television, computers… so when I was bored she gave me paper and pencil. Or when we didn’t have paper I would draw on our moving boxes. I got hooked instantly and since I could walk and hold a crayon thats all I’ve wanted to do since.

We have read that among your great influences are the work of Michael Parkes and Maurice Sendak. What attracted you to your jobs for the first time? What inspiration did they give you?
I love the Art Nouveau movement Klimt, Mucha was really into Sendak, Mickey in the night kitchen, Where the wild things are. I loved Richard scary and of course Bill Watterson (Calvin & Hobbes)

The graffiti culture is essentially urban, rebellious and clandestine. But he has taken the merits of a culture with strength his space of contemporary art. What is your opinion about its evolution and its essential bases? What are your personal experiences with graffiti?
I have a lot of personal experiences with Graffiti, most of them well keep off the record. I think the roots of graffiti will always live and belong in the streets, people have brought their styles and inspiration from that to different mediums and platforms, in galleries and shows. But the essence of graffiti will always live in the streets.

You work the illustration from various media (acrylics, ink …). How do you create a work and get to the specific techniques that it asks for? How is a work day in your study?
Depends on what ill be working on at the time. Ideas can spawn from walking around the city or what ever location I’m at, I might sketch a loose concept down then bring it back to the studio and develop it. I like to use many mediums, oil ,acrylic, watercolor, spray paint, wood, clay… it helps me have a few things I’m working on at time. If one feels like its being forced or I’ve hit a wall on it. Ill switch to something else so I’m thinking about everything but that last project then it’ll open up and I will get an idea how to finish it.

You also do sculpture, mainly vinyl and toys. All are strongly marked with the essence of your work. How did you start with the sculpture and how is your work method?
Ive ways been interested in sculpture, Figures and collectibles. Probably started when Star Wars came out and every kid had the Luke Skywalker and Darth Vader figures. I used to have to borrow them from a friend for a few nights and then return them. its exciting taking a 2d idea and bringing  it into a 3d form and watching it come to life.

There is a recurring character in your works: the female figure with closed eyes. Spiritual. Like a totem. Wrapped in a halo of beauty and meditation. And what comes together or from which other complex elements of the work emerge, such as natural landscapes, animal skins, cactus, cultural and urban elements, etc. How did this character reach you? What basic ideas do you transmit to reach so many different ones in the diversity of your works?
Most of my characters are more of an idea or feeling more then an actual person. They can represent many different things, it can be a relationship between something and its environment or a thought or idea born out of its environment.

Your first jobs were very focused on the design for skateboarding and clothing. Being skateboarding one of your passions, did you focus directly on working for this world?
Not really, it took awhile to get used to the skateboard platform, as in creating designs that work well with that shape. My first graphics were very odd and didn’t lend well to a skateboard.

In 2013 you become part of Upper Playground. How was that process? Could it be that the intrinsic nature of independent art is the logic of the artistic collective? Of the union of local artists or of an area?
I met UP, doing an art show in SF almost 20 years ago at the time they had only 4 designs.

In Upper Playground is with artists like Jeremy Fish, David Choe, Munk One, Dustin Canalin, Alex Pardee or Morning Breath. How do you work in a collective?
UP was one of the first brands that showcased the artist. They would print the artist signature on the sleeve of the shirt to give the artist recognition. We all just clicked together and had a similar passion.

Within Upper Playground is your personal brand: 12Grain. How is the project raised and what can be said about its current activity and its upcoming developments?
We are coming upn with some new projects with both Upper Playground and 12Grain towards end of 2018-2019 look out!!

12 is a recurring number in your life. It’s in the name of your clothing line. You have been on the designated date of some of your exhibitions (for example, in the FIFTY24SF Gallery on 12/12/12). What can you tell us about your personal symbolism?
Growing up in Albuquerque, I had a group of close friends “Twolve” was  our number it wasn’t like there was 12 of us it was just our number that we resonated with. Albuquerque growing up was very violent and crazy a lot of my old crew have past away. I started my companies hidden12project, 12Grain to keep mot past and frond alive and to celebrate where we cane from. I will hide a 12 in all my art I greats it helps me celebrate them and keep them going though my art and what I create.

As an artist, how does the cultural, social and political landscape of the US affect you?
As human the US is affecting us all ,shits really fucked up on all levels at the moment. Im just trying to stay focused compassionate and aware of whats happening in our world. Its a very sad time.

What can you tell us about your next projects?
Starting a new Art Collar Platform With MikeGIant @ogmikegiant on IG called KactusKids.com so go check us out and stay tuned for more with that. Finishing my new book which will drop in 2019. as well as an animated short film at the end of 2019.

 

 

SAM FLORES UPPER PLAYGROUND

INSTAGRAM: @samagram12

 

SHARE THIS

¿Te ha gustado este artículo?

Dale a me gusta al Facebook de Staf y síguenos en Twitter, Instagram y Playmoss.

Enjoyed this article?

Like Staf on Facebook and follow us on Twitter, Instagram, and Playmoss.