RICHEY BECKETT.
EL BRILLO EN LA TINTA

10 June 2020 Texto: Pedro Rodríguez Ruiz. Fotografía: Archivo Richey Beckett.

{english below} Richey Beckett se expresa con pasión. Pero no parece impulsivo. Cada palabra está afinada y resuena como en un instrumento musical de meditación. Como en su arte, brilla el detalle, pero transmite una composición mayor: la coherencia. Así me ha parecido Richey mientras preparábamos esta entrevista de Staf Magazine. Y así se representa su obra. Richey Beckett enhebra hilos de tinta negra linea tras linea, tejiendo pacientemente el tiempo, desgranando la sombra, rizando la bruma. Su trabajo es un universo sin frontera, enraizado sutilmente con la música bajo la portada, con el aura del nombre de la banda, con la idea de una historia captada en el signo de un momento concreto… El trabajo de Richey Beckett transmite intensidad y a la vez una pacifica armonía. Como una clave musical. Como una virtud sutil. Y entonces la tinta brilla como el pigmento invisible de todos los colores.

 

 

Hola Richey, vamos a empezar un poco por tus orígenes. Eres del sur de Gales y tienes cuarenta años. Hablanos por favor de tu infancia y de como despertaron tus intereses culturales.
Cuando era niño me enseñaron que si algo se rompía, descubrirías cómo arreglarlo. Si se necesita construir algo, descubrirás cómo hacerlo. Si tenía tres botellas de leche vacías, las llenaba con diferentes niveles de agua, y entonces podrías tocar una melodía con ellas. Creo que yo nunca vi una división entre las personas que hacían música y el arte en los discos y tampoco cualquiera de mi familia (o cualquier otro). Entonces, si estamos hablando de despertar … No recuerdo haberme sentido nunca dormido o sin inspiración. Siempre he hecho cosas. Pero supongo que mucho de eso debería atribuirse a mis padres, rodeándonos con instrumentos y materiales de arte y liderando con el ejemplo.

 

 

¿Cuales fueron tus influencias más primarias durante tu juventud? ¿Cómics, música, cine…?
Nunca me metí en los cómics y todavía siguen sin llamarme la atención … de alguna manera no tengo la paciencia para leerlos y el arquetipo de superhéroe nunca me ha atraído. Simplemente no los entiendo. Extrañamente, fueron más los cómics “divertidos” de los niños, Beano y Dandy, lo que me atrajo. Pensé que las ilustraciones eran brillantes. Todavía lo pienso. La forma en que refinaron las líneas y realmente estilizaron a los personajes.
La música siempre estuvo presente … una casa llena de instrumentos. Me criaron con Pink Floyd, War Of The Worlds y The Travelling Wilburys. Los 80 fueron un momento increíble para las películas, hay una cierta magia en esa década que siento que nunca hemos podido aprovechar desde entonces… y todo aquello definitivamente inspiró mucho arte. Recuerdo ver películas regularmente y luego pasar toda la semana dibujando escenas de esas películas. También me encantaban las películas de monstruos más antiguas, específicamente las de animación en stop-motion de Ray Harryhausen.

 

 

¿Cuando decidiste tu futuro como artista y cómo fue tu formación académica?
Nunca lo decidí. Siempre supe que quería ser ilustrador. También quería ser animador y cineasta, pero ilustrarlo es más inmediato. Solo hazlo. Es económico, cualquiera puede hacerlo. Una parte de esto es la privacidad, ¿sabes? Lo haces tú solo, solo necesitas un bolígrafo y papel. No necesita una cámara y un equipo de personas, ni la participación de nadie. Todo lo que hice cuando era niño, lo hice solo. Realmente no me comunicaba demasiado bien, o tenía el deseo de comunicarme o hacer cosas con otras personas, en parte porque era callado y tímido, y en parte porque no confiaba en nadie para hacer un buen trabajo. Solo puedes confiar en ti mismo y en los primeros seis álbumes de Black Sabbath.
Fui a la escuela de arte y realmente me especialicé en Diseño Gráfico, porque no había un curso de ilustración, pero creo que realmente me sirvió bien, ya que me enseñó diseño y tipografía, mientras que mi camino de ilustración se ha dejado abierto con muy poca influencia formal. Realmente todo es autodidacta, y sigue siéndolo. Durante ese tiempo también tomé un curso semanal de estudios de cine.

 

 

Tu trabajo comunica en cierto modo una visión moderna del diseño y la imagen con elementos de autores clásicos que tú mismo citas como Doré, Durero, Bewick o el Art Noveau… Transmites un fuerte conocimiento en los contenidos de estos autores, como si ahondaras dentro del marco académico y mítico y alcanzaras el impacto primal de sus obras, su aspecto transgresor atemporal. ¿Cuando y cómo decidiste abordar la influencia tan elaborada de estos autores en tu obra? Y ¿cómo desarrollaste ese nexo común entre tus propias fantasía e imaginería y los elementos artísticos de tus clásicos? Imagino que es algo más allá de técnicas y estilos, ¿puede ser?
Art Nouveau, bolígrafo y tinta, todas las cosas que realmente me encantaron: recuerdo haber estado en la escuela, en clases de arte, y simplemente me las pasaban por alto. En la clase de historia del arte, mencionaron un día: “Entonces hubo Art Noveau …” y luego simplemente lo saltaron, y yo dije: “Woah, hey, ¿qué fue eso?” Las alarmas sonando en mi cabeza. Me identifiqué completamente con eso. Lo mismo cuando explicaron brevemente a Durero. Recuerdo esa sensación de estar en clase y literalmente ver pasar esos momentos, porque estaban tratando de enseñarnos toda la historia del arte, principalmente sobre el Renacimiento, y luego algunas cosas salían solo mencionadas en una presentación de diapositivas, y yo pensaba, “¡Espera, qué fue eso! ¡Regresa!” Entonces tenía que hacer mi propia investigación yendo a la biblioteca. Durero me llevó a Doré, pero también a Harry Clarke y Aubrey Beardsley. Y lo vi como un lenguaje que entendí, lo sentí, una profunda afinidad. Ahora no estoy diciendo que cualquier trabajo que he creado o crearé podría compararse con el trabajo de cualquiera de esos tipos, en absoluto … Pero sí estoy diciendo que sus métodos tenían sentido para mí. Entonces, cuando preguntas sobre mis propias imágenes, de eso se trata realmente, nunca me he propuesto replicar sus estilos o temas, sino heredar su enfoque. Y tal vez robar algunos trucos. Porque eso es realmente lo que es el arte visual: una serie de trucos e ilusiones.

Enganchando un poco con la pregunta anterior, ¿cómo fue madurando y variando tu estilo durante tu desarrollo como artista?
Lo veo como tratar de ser más valiente y no esconderse detrás del caos. No trato de distraer o abrumar a las personas con detalles, como ciertamente lo he hecho en el pasado. Ese es un truco fácil. En cambio, tratando de hacer algo que solo esté parado frente a ti, para que tus ojos no se deslicen por la página deslumbrado por este loco espectáculo de magia, sino que solo te muestren algo puro. Refinándolo a algo más limpio y autentico. No estoy seguro si todavía estoy ahí, pero en términos de desarrollo, lo veo como el camino en el que he estado durante estos últimos años trabajando únicamente como artista, y ahora estoy bastante inmerso en eso.

 

 

Tu trabajo se basa en lápiz y tinta ¿cómo es tu forma de trabajo habitual y qué técnicas has ido desarrollando con los años? ¿Te apoyas o tienes pensado usar otros medios para tu trabajo?
Siento que solo con pluma y tinta hay mucho camino por recorrer. Es como si tocas una guitarra y tiene doce trastes, doce notas, podrías tocar eso durante toda tu vida, pero nunca llegarás al final, nunca resolverás el rompecabezas, ¿verdad? Y no vas a tirarlo de repente y recoger un instrumento diferente. Bueno, tal vez lo harás … pero no vas a hacer eso porque llegaste al “final”. Así es como lo siento para mí. Podría dibujar con pluma y tinta toda mi vida y todavía hay un millón de otras cosas que podría hacer con ellas. Así que en realidad no estoy tan interesado en probar otras cosas, porque hay mucho que explorar. Y mis materiales son muy primitivos, no hay mucho que decir sobre ellos, o incluso sobre mi técnica, utilizo un bolígrafo y tinta sobre papel, a veces un bolígrafo técnico o una línea de punta. Los resultados son casi indistinguibles, por lo que se trata de mezclarlo sutilmente para mi propio entretenimiento en lugar de cambiar la técnica. Me he metido un poco en la placa raspadora, lo cual es muy diferente, ya que es un método retractor … pero para ser honesto, me he sentido un poco abrumado por el alcance y vuelvo rápidamente a los brazos de la pluma y la tinta. “¡Lamento haber dudado de ti!” Jajaja.
Otras personas no lo verían, pero en lo que a mí respecta, hay cosas que he hecho y explorado en mis propios términos que solo yo realmente conozco o puedo ver en el trabajo. Aunque parezca bastante consistente, para mí no lo es, porque puedo ver las diferentes cosas que he probado. Y hay algo más atractivo en tomar algo que aparentemente es tan simple: solo un color o falta de color, solo tinta negra y una herramienta simple, y ver qué se puede lograr con él. Es más interesante que usar todos los colores, escalas, texturas y materiales. Demasiadas permutaciones. Mi método es refinar la pluma y la tinta monocromas y solo luego agregar color (como un regalo especial) justo al final. Y sea implacablemente selectivo sobre los colores que lo atraviesan. Son tan poderosos que podrían volcar una nave.

 

 

Tienes muchos clientes músicos, especialmente de la escena metal ¿Has tenido alguna relación muy directa con el medio desde tu juventud? ¿Bandas, carteles para grupos locales o fanzines durante tu adolescencia? ¿Cómo fue creciendo tu contacto como ilustrador en este medio, trabajando para bandas como Baroness, Metallica, Converge, Kvelertak…? (¡por mencionar solo unas pocas, son un montón!)
Absolutamente, como muchos otros, crecí tocando en bandas, punk, metal, hardcore e inevitablemente eso me llevó a trabajar en carteles, diseños de camisetas, discos auto editados. Siento que eso me preparó bien en términos de entender el diálogo, de lo que es estar en una banda de gira, hacer un disco … la importancia de ese disco y cuánto peso se invierte en la portada. En cuanto a los trabajos en sí … comenzó conmigo trabajando para bandas dentro de mis propios círculos, pero la belleza del medio es que cuando haces un diseño de camisa, sale de gira, se multiplica, florece y es polinizado por los niños sudorosos en los festivales, donde trincan las camisetas en puestos de merchandaising  y se las ponen en otros conciertos, extendiéndose, exponiendo el arte a nuevas multitudes, a otras bandas. Es un sistema hermoso.

En las últimas dos décadas más o menos se ha desarrollado mucho el medio artístico al rededor de las bandas. Ya no solo está la ilustración en el disco y esas ocasionales camisetas de tour. Todo a crecido principalmente por el contacto directo que ofrece internet. Se genera un merchandaising mucho más cuidado y elegante a través de prints, textil o pins, por ejemplo. Tú tienes tu propia tienda oficial, www.richeybeckett.com . ¿Cómo ves esta creación de empresa directa, tanto a nivel particular como tu opinión generalizada?
Sí, ahora hay más oportunidades que nunca para hacer cosas, hacer cosas geniales y tener más control sobre cómo se presenta. Lo apoyo. Es divertido. Un artista individual puede hacer productos de muy alta calidad con solo un poco de visión y un poco de investigación desde el sofá. He coqueteado con algunas cosas, camisas, parches, alfileres, tapices … pero realmente solo quiero hacer impresiones artísticas. Cada vez que expongo mi arte en otras formas, casi me siento culpable, ¿cómo me sentiría si viera una ilustración de Harry Clarke impresa en una fiambrera? Bien, compraría la mierda de esa fiambrera … pero es bastante asqueroso. No es que esté comparando mi trabajo con el suyo, Dios no, pero si tengo que respetar el medio y honrar su belleza, entonces debería sentir la necesidad de agregarle más “valor”. Como, “oh, mira, es una hermosa ilustración … ¡pero también un parche tejido que puedes coser en tu chaqueta!”. No creo que sea para mí. En cuanto a mi sitio web y tienda … He manejado con éxito mi propia tienda casi solo durante la última década, así que finalmente decidí dejarlo ir un poco para permitirme concentrar más tiempo y energía en hacer arte. Estaos pendientes porque pronto habrá actualizaciones en mi web: habrá una galería y un punto de contacto, y habrá un enlace a nuevos sitios donde será posible comprar mi arte en diferentes partes del mundo. En realidad es un gran cambio para mí, estoy realmente emocionado.

 

 

También trabajas para medios audiovisuales: cine, tv… Como Game of Thrones, Lord of the Rings, Army of Darkness (Mondo), o películas como It Follows (All City Media), entre otras. ¿Cómo surgió esta relación con el medio y cómo ves el resurgir de la ilustración en un medio que siempre se había apoyado más en la fotografía?
Realmente pienso que hacer carteles para películas es increíblemente difícil. Solo lo hago porque amo las películas, y estoy emocionado de tener un pie en ese mundo. Es muy, muy difícil. Porque estás intentando capturar el tono de la película o el mensaje de la película en una imagen fija perfecta. Habiendo crecido en una época de carteles de películas que eran predominantemente ilustrados (Drew Struzan es otro de mis héroes de la infancia)… es emocionante ver un resurgimiento de este tipo de arte. Puede agregar una mayor profundidad de magia que no creo que se pueda lograr de la misma manera fotográfica, pero, como dije, es increíblemente difícil, y en este momento hay muchos pósters ilustrados de películas muy flojos, tan flojos como e se han hecho los carteles fotográficos. Sería bueno ver que los estudios fueran lo suficientemente valientes como para usar más de las piezas ilustradas para sus campañas principales. Vivimos en una época en que todo es tan transparente y expuesto … Creo que el enfoque ilustrado puede agregar una capa de magia al cine que está faltando desde hace mucho tiempo.
Mi ruta hacia los carteles de películas fue a través de Mondo. Me enteré de ellos cuando recogí el póster de Tyler Stout “The Thing” (en realidad, uno de los carteles de Mondo más buscados). Me impresionó la obra de arte y me entusiasmó la perspectiva de lo que estaba haciendo Mondo. Inmediatamente se convirtió en un sueño para mí trabajar con ellos … pero no tenía ni idea de si eso sucedería alguna vez. Un par de años más tarde, recibí un correo electrónico del propio Tyler Stout, diciendo que Mondo le había pedido juntar a un grupo de artistas elegidos a mano para un proyecto de camisetas, y él me eligió a mí. Así comenzó nuestra relación. Y, sin embargo, a pesar de realizar este sueño y tener la oportunidad de trabajar en muchos pósters de películas, en realidad rechacé varios … Solo quiero trabajar en un póster de película si realmente creo que puedo traer algo nuevo o que puedo hacerle justicia, y si no, preferiría no joderlo. Siento que las películas son demasiado preciosas.

 

 

El presente es cada vez más rápido y sobrecargado de vértigo social y político, y 2020 ya está marcado por la crisis global del Covid-19. ¿Cómo piensas que la actualidad influye y se comunica en cierto modo con tu obra?
Debe influir, ¿no? Siento que he re evaluado muchas cosas. Me ha hecho darme cuenta de que no tengo que hacer cosas que no quiero hacer, el poder del ‘no’, las batallas que tan a menudo mantengo sobre las razones para hacer el trabajo, sentirme obligado o impulsado por fuerzas que no son ni verdaderamente saludables, sinceras o enriquecedoras. Hacer que el mundo deje de girar durante unos meses ha sido un momento hermoso para bajar del tren y pensar en cómo se gasta nuestro tiempo y energía. En todo caso, me ha dado más fe en el arte y en mi arte, porque mientras todo lo demás se desmorona, los sistemas fallan, las empresas colapsan … la obra de arte permanece intacta y el diálogo continúa. Nada puede impedirnos crear cosas hermosas, y la naturaleza nos rodea y continúa dándonos regalos y no se nos pone en pausa. Se remonta a mi primera respuesta sobre el arte de ser libre. Es magia libre.

Se podría decir que tu obra comunica muchos mundos distintos de expresión, se unen elementos visuales de mitos bíblicos y de grabado de libro antiguo, con elementos botánicos y biológicos con el mundo musical y audiovisual. ¿Te planteas o sueñas con llevar tu trabajo a otros medios o formatos que todavía no has probado?
No, en realidad no. Me gustaría hacer películas, pero no veo que esto se correlacione con mi trabajo de ilustrador en absoluto. No deseo cambiar el formato de mi trabajo ilustrativo, porque hay tantas cosas que todavía quiero resolver. Me encantaría trabajar en películas, pero esa es una búsqueda completamente diferente y no estoy seguro de qué papel desempeñaría , como algún tipo de director de arte o escritor, o director … Creo que es porque el trabajo ilustrativo está muy enfocado y es un camino e el que he estado mucho tiempo buscando un método, convirtiéndolo en mi propia versión de un gran idioma, trabajando en el mismo tipo de cosas pero refinando, refinando y refinando, y si lo cambiara a un medio diferente, me sentiría como si hubiera dejado eso, como si hubiera detenido ese proceso en alguna parte y empezado uno completamente nuevo. Estoy feliz de seguir trabajando en lo mismo. Pero me gustaría emplear más color y aprender a luchar contra esa bestia.

 

 

¿Qué puedes contarnos sobre tus próximos proyectos?
Probablemente continuaré trabajando en carteles de conciertos en el futuro cercano. Porque me he dado cuenta que con los carteles de conciertos obtienes una libertad artística bastante completa. Por lo tanto, es una buena manera de tener algún tipo de incentivo para hacer una obra, pero en última instancia, puede hacer lo que quieras y seguir progresando y empujando su arte. Existe un buen equilibrio de restricciones que pueden ser una poderosa influencia en la creatividad, en términos de formato y mensaje, al mismo tiempo que están abiertas a cualquier estilo visual y tema. Este no es siempre el caso, a veces hay pautas, pero generalmente agregan un poco de sabor al proyecto. Y hay algo que realmente me gusta de la naturaleza transitoria de un cartel de concierto. No tiene que ser atemporal. En realidad, quita la presión frente a algo como hacer un póster de película, creo que es mucho más difícil, porque creo que una película debería ser atemporal, y el póster es una declaración que se adjuntará a esta cosa para siempre, mientras que un póster de concierto literalmente tiene una cita, así que es como, “Este fue este momento en el tiempo”, es solo celebrar una sola noche, o ni siquiera una noche, unas pocas horas, ¿sabes? Algo sobre esa fugacidad te permite un poco más de la libertad que siento. Si eso es cierto o no, para mí ayuda mentalmente, ya que me permite experimentar más y no sentir que un solo póster definirá mi arte.
Así que creo que mi trato es: continuar haciendo carteles de conciertos, durante todo el tiempo que pueda, lo que me brindará una forma de trabajar con temas libres y fluidos y también hacer que mi trabajo sea distribuido en todo el mundo, apareciendo en diferentes territorios. Entonces, si puedo seguir ganándome la vida con estos trabajos de carteles de conciertos, también me daré tiempo para trabajar en privado en algunas piezas de arte puro. Quiero hacer algunas impresiones a gran escala, realmente grandes y muy coloridas. Tengo la visión de dibujar piezas concisas muy pequeñas pero escalarlas en enormes impresiones que llenen una pared. Pero el color también es un factor importante. Ese es mi objetivo principal, porque el color es el mayor desafío, es realmente difícil de discutir. Entonces, si alguna vez puedo hacer cosas donde el color brille realmente audaz, será un importante logro para mis ojos.

www.richeybeckett.com

 

 

 

English:

RICHEY BECKETT. THE SHINE IN THE INK.

Richey Beckett expresses himself with passion. But it doesn’t seem impulsive. Each word is in tune and resonates like a musical meditation instrument. As in his art, the detail shines, but transmits a greater composition: coherence. That’s how Richey seemed to me as we prepared this STAF Magazine interview. And so his work is represented. Richey Beckett threads threads of black ink line after line, patiently weaving time, threshing the shadow, curling the mist. His work is a borderless universe, subtly rooted with the music under the cover, with the aura of the band’s name, with the idea of ​​a story captured in the sign of a specific moment … Richey Beckett’s work transmits intensity and at the same time a peaceful harmony. Like a musical key. Like a subtle virtue. And then the ink shines like the invisible pigment of all colors.

Hi Richey, let’s start a little with your origins. You are from South Wales and you are forty years old. Please tell us about your childhood and how your cultural interests were awakened.
As a child I was taught that if something broke, you’d figure out how to fix it. If something needed to be built you’d figure out how to build it. If you had three empty milk bottles you filled them with different levels of water, then you could play a tune on them. I don’t think I ever saw a division between the people who made the music and art on the records and any one of my family (or anyone at all). So if we’re talking about awakening.. I don’t remember ever feeling asleep or uninspired. I’ve always made things. But I guess a lot of that should be attributed to my parents, surrounding us with instruments and art materials and leading by example.

What were your most primary influences during your youth? Comics, music, movies …?
I never got into comics and I still don’t care for them.. somehow I just don’t have the patience to read them and the superhero archetype has never appealed to me. I just don’t get it. Weirdly it was more the children’s ‘funny’ comics, the Beano and Dandy, that appealed to me – I thought the illustrations were brilliant. I still do. The way they refined the lines and really stylised the characters. Music was always present.. a house full of instruments. I was brought up on Pink Floyd, War Of The Worlds and The Travelling Wilburys. The 80’s were an incredible time for movies, there’s a certain magic in that decade that I feel we’ve never been able to tap into since.. and that definitely inspired a lot of art. I remember regularly watching movies then spending all week drawing scenes from those movies. I also had a great love for older monster movies, specifically Ray Harryhausen’s stop motion animation.

When did you decide your future as an artist and how was your academic training?
I never did decide. I always knew I wanted to be an illustrator. I also wanted to be an animator and filmmaker, but illustrating’s more immediate. You just do it. It’s inexpensive, anyone can do it. A part of it is privacy, you know? You just do it by yourself – you just need a pen and paper. You don’t need a camera and a team of people, or anyone’s involvement. Everything I made when I was a kid, I made by myself. I didn’t really communicate too well, or have a desire to communicate or make things with other people – partly because I was quiet and shy, and partly because I didn’t trust anyone to do a good job. You can only trust yourself and the first six Black Sabbath albums.
I went to art school and actually specialised in Graphic Design, because there was no illustration course, but I think that actually served me well as it taught me layout and typography, whilst my illustration path has been left open with very little formal influence. It’s really all self taught, and continues to be.  During that time I also took a weekly film studies course.

Your work communicates in a certain way a modern vision of design and image with elements of classic authors that you yourself cite as Doré, Dürer, Bewick or Art Noveau … You transmit a strong knowledge of the content of these authors, as if you were going deeper within the academic and mythical framework and you will reach the primal impact of his works, his timeless transgressive aspect. When and how did you decide to approach the elaborate influence of these authors on your work? And how did you develop that common link between your own fantasy and imagery and the artistic elements of your classics? I imagine it is something beyond techniques and styles, can it be?
Art Nouveau, pen and ink, all the things I really loved—I remember being in school, in art lessons, and they’d just skip over it. In art history class they’d mention one day, “So then there was Art Noveau…” and then they’d just skip past it, and I’d be like, “Woah, hey, what was that?” Alarms ringing in my head. I just completely identified with it. The same when they briefly touched up Dürer. I remember that feeling of being in class and literally seeing those moments go by, because they were trying to teach us the whole of art history, mostly about the Renaissance, and then certain things would be touched upon or mentioned on like, a slideshow, and I’d think, “Wait, what was that! Go back!” So I’d have to do my own research then, just go to the library. Dürer lead me to Doré, but also to Harry Clarke and Aubrey Beardsley. And I saw it as a language that I understood — I felt it, a deep affinity. Now I’m not saying that any work I’ve created or ever will create could compare to the work of any of those guys, not at all.. but I’m saying that their methods made sense to me. So when you ask about my own imagery – that’s really what it’s about, I’ve never set out to replicate their styles or subject matter but instead to inherit their approach. And maybe steal some tricks. Because that’s really what visual art is – a series of tricks and illusions.

Hooking up a bit with the previous question, how did your style mature and vary during your development as an artist?
I see it as trying to be braver and not hide behind chaos. Not trying to distract or overwhelm people with detail  – as I certainly have in the past. That’s an easy trick.  Instead, trying to make something that’s just standing there in front of you, so your eyes aren’t darting around the page being dazzled by this crazy magic show, but instead just showing you some pure thing. Refining it to something that’s cleaner and truer. I’m not sure if I’m there yet – but in terms of development, I see that as the path I’ve been on for these last few years of working solely as an artist, and I’m pretty deep in that now.

Your work is based on pen and ink. What is your usual way of working and what techniques have you developed over the years? Do you lean or do you plan to use other means for your work?
I feel like in pen and ink alone there’s so far to go. It’s like if you play a guitar and it’s got twelve frets, twelve notes, you could play that for your whole lifetime but you’re never going to get to the end of it—you’re never going to solve the puzzle, are you? And you’re not going to just suddenly dump it and pick up a different instrument. Well, maybe you will.. but you’re not going to do that because you reached ‘the end’. That’s how it feels to me. I could draw with pen and ink for my whole life and there’s still a million other things I could do with it. So I’m not actually that interested in trying other things, because there’s so explore. And my materials are very primitive, there’s not a whole lot to say about them – or my technique even – I use dip pen and ink on paper, sometimes a technical pen or fineliner. The results are almost indistinguishable, so  it’s really just about subtly mixing it up for my own entertainment rather than to change the technique. I’ve dabbled in scraper board a little, which is very different as it’s a retractive method.. but to be honest I’ve been kinda overwhelmed by the scope of that and come very quickly rushing back to the arms of pen and ink. “I’m sorry I ever doubted you!”. hah.
Other people wouldn’t see it, but as far as I’m concerned, there’s stuff I’ve done and explored on my own terms only I really know about or could see in the work. Even though it might look quite consistent, to me it doesn’t, because I can see the different things I’ve tried. And there’s something more appealing about taking something that’s seemingly so simple: just one color, or lack of color—just black ink, and a simple tool, and seeing what can be achieved with it. It’s more interesting than using all the colors, and scale and textures and materials. Too many permutations. My method is to refine the monochrome pen and ink and only then add colour (as a special treat) right at the end. And be ruthlessly selective about which colours make it through. They’re so powerful they might capsize the ship.

You have many musician clients, especially from the metal scene. Have you had a very direct relationship with the medium since your youth? Bands, posters for local groups or fanzines during your teens? How did your contact grow as an illustrator in this medium, working for bands like Baroness, Metallica, Converge, Kvelertak …? (To mention just a few, they are a lot!)
Absolutely, like so many others I grew up playing in bands, punk, metal, hardcore, and inevitably that lead to me working on posters, shirt designs, DIY records. I feel like that equipped me well in terms of understanding the dialogue, of what it’s like to be in a touring band, to be making a record.. the importance of that record and how much weight is invested in the cover art. As for the jobs themselves.. it started out with me working for bands within my own circles, but the beauty of the medium is that when you make a shirt design, it goes out on tour, it multiplies, it blossoms and is pollenated by the sweaty kids at shows who grab the shirts at the merch desk and wear them to other shows, spreading out, exposing the art to new crowds, other bands. It’s a beautiful system.

In the last two decades or so, the artistic environment around the bands has developed a lot. There’s no longer just the artwork on the record and those occasional tour jerseys. Everything has grown mainly due to the direct contact that the internet offers. Much more careful and elegant merchandising is generated through prints, textiles or pins, for example. You have your own official store, www.richeybeckett.com. How do you see this direct company creation, both at a private level and your general opinion?
Yeah, there’s more opportunity now than there ever has been before to make things, make cool shit, and to have more control over how it’s put out there. I do encourage it. It’s fun. An individual artist can make really high quality products with just a little vision and some armchair research. I’ve flirted with a few things, shirts, patches, pins, tapestries.. but I really just want to make art prints. Whenever I’ve put my art out in other forms I almost feel a guilt, like how would I feel if I saw a Harry Clarke illustration printed on a lunchbox? Okay, I’d buy the shit out of that lunchbox.. but it’s pretty gross. Not that I’m comparing my work to his, god no – but if I’m to have a respect for the medium and honour it’s beauty then I should feel the need to add further ‘value’ to it. Like, “oh look, it’s a beautiful illustration.. but also a woven patch you can sew onto your jacket!”. I don’t think it’s for me. As for my website and store.. I’ve successfully run my own store almost single handedly for the last decade, so I’ve finally decided to let some of that go, to allow myself to focus more time and energy on making art. So look out for a new website very soon – it’ll be a gallery and contact point and will link to new places where you can buy my art in different parts of the world. It’s actually a huge change for me, I’m really excited.

You also work for audiovisual media: cinema, tv … Like Game of Thrones, Lord of the Rings, Army of Darkness (Mondo), or movies like It Follows (All City Media), among others. How did this relationship with the medium emerge and how do you see the resurgence of illustration in a medium that had always relied more on photography?
I actually find making posters for movies impossibly hard. I only do it because I love movies, and I’m excited to have a foot in that world. It’s really, really difficult. Because you’re trying to capture the tone of the movie or the message of the movie in one perfect still image. Having grown up in a time of predominantly illustrated movie posters, Drew Struzan being another childhood hero.. it’s definitely exciting to see a resurgence of that. It can add a greater depth of magic that I don’t feel can be achieved in the same way photographically – but, like I said, it’s incredibly hard, and right now there are a lot of very lazy illustrated movie posters being made, just the same as there have been lazy photographic posters made. It’d be nice to see the studios being brave enough to use more of the illustrated pieces for their main campaigns. We live in a time where everything is so transparent and exposed.. I think the illustrated approach can add a layer of magic to cinema that’d been missing for a long time.
My route into movie posters was through Mondo. I was made aware of them when I picked up the Tyler Stout ‘The Thing’ poster (actually one of the most sought after Mondo posters out there). I was blown away by the artwork and excited by the prospect of what Mondo were doing. Immediately it became a dream of mine to work with them.. but I had no idea if that’d ever actually happen. A couple of years later, I received an email from Tyler Stout himself, saying that Mondo had asked him to curate a group of hand picked artists for a t-shirt project, and he’d picked me. Thus began our relationship. And yet, despite realising this dream and having the opportunity to work on many movie posters, I’ve actually turned down several.. I only want to work on a movie poster if I really think I can bring something new or that I can do it justice – and if not then I’d rather not fuck with it. I feel like movies are too precious.

The present is getting faster and more overloaded with social and political vertigo, and 2020 is already marked by the global crisis of Covid-19. How do you think that current events influence and communicate in some way with your work?
It must influence it, mustn’t it? I feel like I’ve re-evaluated a lot of things. It’s made me realize I don’t have to do things I don’t want to do, the power of ‘no’, the battles I so often hold over the reasons for making work, feeling obligated, or driven by forces that aren’t truly healthy, sincere or enriching. Having the world stop turning for a few months has been a beautiful moment to step off the train and think about how our time and energy is spent. If anything it’s given me more faith in art, and in my art – because whilst everything else is falling apart, systems failing, businesses collapsing.. the artwork remains in tact and the dialogue continues. Nothing can stop us creating beautiful things, and nature surrounds us and continues to give us gifts and isn’t being put on pause. It goes back to my first answer about art being free. It’s free magic.

It could be said that your work communicates many different worlds of expression, visual elements of biblical myths and ancient book engravings are united, with botanical and biological elements with the musical and audiovisual world. Do you consider or dream of taking your work to other media or formats that you have not yet tried?
No, not really. I would like to make movies, but I don’t see that as correlating with my illustrative work at all. I don’t have a desire to change the format of my illustrative work, because there’s so much that I still have to figure out. I would love to work in movies but that’s a completely different pursuit and I’m not sure what role I’d play some sort of art director or writer, or director… I think it’s because the illustrative work is very focused and it’s a path I’ve been on for a long time pursuing a method, making it my own version of a great language, working on the same kind of thing but refining, refining, refining, and if I switched it up to a different medium it would feel like I’d left that, like I’d stopped that process somewhere and started a whole new one. I’m just happy still working on that same thing. But I would like to employ more colour and learn how to wrangle that beast.

What can you tell us about your next projects?
I’ll probably continue working on gig posters for the foreseeable future. Because I’ve realised with gig posters you get pretty much complete artistic freedom. So it’s a good way of having some sort of a brief or some incentive to make a piece of artwork but ultimately you can make what you want and still keep progressing and pushing your art. There’s a good balance of restrictions that can be a powerful influence on creativity, in terms of format and message, whilst at the same time being open to any visual style and subject matter. This isn’t always the case, sometimes there are guidelines but they usually add a little spice to the project. And there’s something I really like about the transient nature of a gig poster. It doesn’t have to be timeless. It actually takes the pressure off it versus something like making a movie poster, I think is way harder, because I think a movie should be timeless, and the poster is a statement that’s gonna be attached to this thing forever, whereas a gig poster literally has a date on it, so it’s like, “This was this moment in time,” it’s just celebrating one single night—or not even a night, a few hours, you know? Something about that transience allows you a bit more freedom I feel. Whether that’s even true or not – for me, it helps mentally, as it allows me to experiment more and not feel that a single poster is going to be defining of my art.

So I think my deal is, I’ll continue making gig posters, for as long as I can – which gives me a way to work with free and low stakes design briefs and also have my work fired all over world to appear in different territories. So if can continue making a living from these gig poster jobs, it’ll allow me the time to privately work on some pure art pieces, too. I want to make some large scale prints – really big and really colourful. I have a vision of drawing very tiny concise pieces but scaling them up into huge, wall filling prints. But colour being a big factor also. That’s my main goal, because colour’s the biggest challenge, it’s really hard to wrangle. So if ever I can make things where really bold bright colour is used successfully it’s an achievement in my eyes.

 

 

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