Nathan Oldfield

20 August 2017 Texto: Rando. Fotografía: Nathan Oldfield.


El Juego Infinito

{english below} Nathan Oldfield es un artista singular, con una voz propia. Sus películas no son de usar y tirar -algo que olvidaremos en la vorágine de videos de internet-. En sus películas vemos como es la relación que tienen algunas personas con esta actividad tan particular, que sigue sobreviviendo a la presión de la publicidad y a los estereotipos que la adornan.

Tu padre y tus tíos surfeaban y se construían sus propias tablas, pienso que obviamente para ti fue algo muy natural empezar a surfear. Creo que esas primeras sensaciones las transmites muy bien en tus películas ¿al final el surfing es una búsqueda de la infancia y de la libertad?
Sí, el surf para mí era algo natural, siguiendo los pasos de mi padre y sus hermanos. He estado enamorado del surf desde que era un niño, pero no lo llamaría una búsqueda de la infancia. Para mí el surf se trata de estar en el ahora, no un anhelo nostálgico por el pasado. Pero el surf definitivamente me mantiene joven de corazón. Mi amigo Lauren Hill llama al surfing ‘juego significativo’ que es una idea encantadora para mí. Todavía encuentro el juego del surf como algo alegre y atractivo como lo hacía cuando era un niño.

Empezaste haciendo fotos y es algo que sigues haciendo ¿cuáles son tus fotógrafos favoritos fuera del mundo del surfing?
Henri Cartier-Bresson. Robert Cappa. Ansel Adams. Me gusta un estilo poco forzado de retrato, paisajes y documentales. No hay configuración, es simplemente capturar el momento, capturar espacios salvajes, capturar la humanidad cruda. Crecí leyendo viejas revistas de National Geographic también. Cuando era niño estaba completamente enamorado de las fotografías de paisajes y vida silvestre y de personas y culturas. Creo que sembró una semilla para mi propia fotografía.

 

 

¿Qué sucedió para que empezaras a hacer películas? ¿cómo empezaste ese camino?
Literalmente comenzó con algunos amigos y yo compartiendo tareas de cámara. Rotábamos cada media hora entre el surf y el rodaje. Supongo que me sentí atraído porque he tomado fotos toda mi vida. Yo estaba fascinado con las oportunidades creativas de rodar y editar imágenes en movimiento. Entonces más adelante ya comencé a rodar en serio y conecté con el hecho de recoger hermosas imágenes y contar historias. Nunca me decidí conscientemente a ser cineasta. Simplemente ocurrió orgánicamente.

En tus películas recuperas ese espíritu primigenio del surf, viajes, camaradería, respeto… y esto es algo inusual y ajeno al exceso de comercialización que vivimos ¿son estas las ideas que te mueven a hacer películas? ¿sientes que estas aportando algo nuevo?
¡Gracias por tus palabras tan amables! Para mí el surf se trata de un sentimiento. Lo que parece siempre ha sido secundario con respecto a cómo se siente. Entonces, no estoy demasiado preocupado con la captura de la acción. Estoy más interesado en comunicar un sentimiento y contar historias. Y las historias que tiendo a contar exploran y celebran la dignidad humana. Todos tenemos historias. Somos cada uno de nosotros tan únicos, frágiles y preciosos. Son las narrativas que suelo explorar, simples historias humanas. Sé que no soy el primer cineasta de surf en hacer esto, pero trato de contar las historias a mi manera con mi propia visión. Una cosa que a menudo obtengo es que mis películas son diferentes porque son tan personales. Supongo que mis películas van a esos lugares personales, porque son una extensión de lo que soy como hombre, de lo que soy creativamente y de lo que soy como surfer. Uno de los mejores elogios que he recibido fue de Jolyon Hoff, quien hizo Searching For Michael Peterson. Me dijo que mis películas le recordaban el trabajo de Alby Falzon, nada forzadas y poco pulidas, porque documento lo que está sucediendo a mi alrededor, en mi propia vida y en la vida de mis amigos. Eso fue un gran estímulo para mí. Alcanzar la autenticidad y la humildad en mi trabajo siempre ha sido algo en lo que me he esforzado. Supongo que mis películas son personales también porque mi compromiso con el surf es muy profundo para mí personalmente. Tiene un significado enorme para mí en mi vida, y lo ha tenido desde que era un niño pequeño. Cuando documento el surf, sale de ese lugar personal y espiritual, de lo más profundo de mi corazón.

 

 

¿Cuáles fueron las primeras películas de surf que viste y cómo te influyeron?
He sido un aficionado a las películas de surf durante más tiempo del que he estado practicando surf en realidad. La primera película de surf que vi fue una reposición de The Endless Summer en la televisión como a los seis o siete años de edad, durante las vacaciones de Navidad en la casa de mi primo. Literalmente cambió mi vida. Yo era sólo un principiante del bodysurfing y jugando en tablas de boogie en la orilla en el momento, pero mientras veía esa película sabía en el fondo en mi corazón que iba a ser un surfer para toda la vida como mi pardre y sus hermanos. De alguna manera también sentí que tenía una película de surf en mí. Por supuesto, siendo un niño pequeño, no habría podido articular ese sueño en palabras. Pero era real. Ese sueño permaneció inactivo durante mucho tiempo, hasta los veinte años, en realidad, sobre todo porque estaba más centrado en el surf que en la documentación. Pero toda una vida de fotografía ya allanó el camino para el deseo de crear imágenes en movimiento. Las películas de Jack McCoy habían impactado en mi imaginación cuando crecí, al igual que las películas de Sonny Miller. Y me emocionó increíblemente Morning of the Earth, sobre todo porque a me comunicó un sentido de sentimiento muy honesto. Esas películas fueron profundamente influyentes para mí, como surfista y como cineasta de surf.

En esta época ¿podemos hablar de un estilo de vida ligado al surf o es sólo un espejismo?
El término estilo de vida me cohíbe un poco, pero al mismo tiempo, definitivamente no es un espejismo. El surf es realmente una forma de vivir en el mundo, una forma de habitar los espacios costeros e interactuar con las ecologías y comunidades locales. Para mí, y para tanta gente que conozco, el surf es una experiencia diaria. He estado practicando surf durante toda mi vida. Realmente es una parte de la vida.

 

 

¿Cómo afrontas la realización de un nuevo film? ¿de dónde sacas la inspiración?
Honestamente, a veces tengo ideas sueltas para una parte de la película, pero por lo general sólo capto los momentos sobre la marcha. Yo no llevo storyboard. Realmente no preparo fotos ni las dirijo. Prefiero un acercamiento documental más de tipo observacional. Para la inspiración no necesito mirar demasiado lejos, porque hay tanta belleza y magia en el mundo del surf – las olas, el paisaje, los seres humanos que juegan en toda esa agua salvaje e inmensa… Y yo soy una de esas personas que están conectadas a hacer cosas. Siempre tengo algo en lo que estoy trabajando, una canción, un poema, una película, un bonsai, una tabla de surf, una esquina de mi jardín. Tengo una profunda necesidad de crear. Esa es la manera en que Dios me hizo, para soñar y hacer.

“Lines From a Poem” fue tu primera película y ya salen muchos elementos que marcan tu filmografía ¿cómo fue el proceso de hacerla y qué aprendiste?
Hice esa película hace casi quince años. Era mi primera película y yo era completamente autodidacta, aprendiendo cosas mientras seguía adelante. Era como un curso intensivo en desafíos técnicos y creativos. Hay demasiadas cosas para mencionar realmente, pero una gran lección que aprendí fue respaldar todo. Yo casi había terminado la película cuando mi disco duro reventó. Completamente muerto. Yo era tan novato y con tantas carencias tecnológicas que ni siquiera sabía lo que era un disco duro externo, y mucho menos un sistema de copia de seguridad de archivos. Con la ayuda técnica de expertos sólo fui capaz de recuperar unos cinco o diez minutos de más de una hora de la película completa. Era pesado. Casi me rendí. Pero yo estaba tan comprometido y decidido a dar al mundo una película de surf que me limité a bajar la cabeza, irme a trabajar y rehacer la película. Creo que fue entonces cuando me di cuenta de que el cine de surf podría ser una pasión para toda la vida.

 

 

“Sea worthy” se ha convertido en una película de culto y que como tu cuentas se realizó en un momento de inflexión en tu vida; al final el arte es probablemente más útil para uno mismo que para los demás ¿Qué significo la realización de esta película en un momento tan oscuro?
Definitivamente durante todo el tiempo que trabajaba en Seaworthy, estaba pasando por el principio del duelo por nuestra hija Willow. Estaba decidid a contar su historia y a honrarla en la película, lo cual realmente me mantuvo en pie atravesando ese momento tan difícil. La pieza central de Seaworthy era acerca de Willow, y la segunda mitad de la película trataba sobre descubrir nueva esperanza. Fue una terapia dolorosa hacer esa película, pero una terapia al fin y al cabo. El proceso creativo del cine me llevó de alguna manera a la temporada más dura de mi vida.

“The heart & the sea” es una continuación de “Seaworthy”, pero con un tono de optimismo de vuelta a celebrar la vida, ¿esta forma tan sincera de afrontar el proceso creativo es importante para entender tu obra?
Sí, The Heart & The Sea era un retorno a la alegría, siguiendo en la dirección hacia la cual se dirigía la segunda mitad de Seaworthy. Creo que tienes razón y eres bastante perspicaz al destacar que no puedo evitar hacer un trabajo sincero. Es sólo quien soy. Necesito ser genuino. Me siento inútil al fingir. Estoy increíblemente incómodo con ser poco auténtico, o incluso estando cerca de cualquier cosa que sea poco auténtica. Así que puedo ver que parte de mi personalidad sale a través de mi cine.

 

 

Vivimos una época en el que el surfing es muy popular, pero en la que no se le da la atención que merece al surfing femenino ¿qué te atrae del surf de mujeres?
Como fotógrafo y cineasta, estoy fascinado y enamorado de la estética que las mujeres aportan al surf. Personalmente, siempre he visto el surf como una forma de baile. Los hombres y las mujeres bailan de manera diferente y navegan de forma diferente, pero siento que las mujeres aportan una gracia y una emoción a la danza que realmente se distingue de la clase de gracia o emoción que los hombres pueden aportar. Personalmente, me gusta ver a las mujeres surfear. Como fotógrafo y cineasta, estoy dedicándome a la documentación de su baile de manera sensible y creativa.

Belinda Bags llama la atención por su estilo de surfing, muy elegante ¿sientes que es necesario darles visibilidad a las mujeres en el surfing?
Tengo la suerte de haber filmado a Belinda en cuatro largometrajes en más de quince años. Ella es realmente una de mis materias favoritas y es una querida amiga. Por supuesto, siempre aspiro a disparar con hombres y mujeres simplemente porque considero que es un retrato más redondo e inclusivo de nuestro mundo del surf. Cuando crecí, el surf era mucho más exclusivamente una búsqueda masculina. Por ejemplo, sólo puedo pensar en dos o tres chicas que surfearon en la playa en la que crecí. Así que la experiencia de surf de mi infancia y juventud fue mucho más machista y agresiva de lo que es ahora. Hoy, en la parte del mundo en la que vivo, hay muchas chicas y mujeres de todas las edades que practican surf. Me encanta que haya cambiado de esa manera. Como padre de una hija que crece aquí en la bahía de Byron, estoy tan feliz de ver que ella tiene mujeres jóvenes en esta comunidad a las que admirar. En realidad, ya está inspirada por sus vidas de surf. Además, creo que he disparado naturalmente con las mujeres porque siempre he apreciado la compañía de las mujeres. Mi mejor amiga en el mundo entero es una mujer, mi encantadora esposa. Y algunas de mis mejores amigas son mujeres. Estoy muy feliz de compartir experiencias diarias de surf con mujeres y creo que su presencia cambia la alineación y lo convierte en un lugar mejor. Por supuesto que quiero incluirlas en las formas en que represento el surf.

 

 

En la industria del surf (y en cualquier tema relacionado con la publicidad) se tiende a cosificar a la mujer, por eso es de agradecer el tratamiento que le das en tus películas ¿es algo premeditado o simplemente fue algo surgió en la realización de tus películas?
Creo que lo más importante para descosificar a las mujeres es representarlas como participantes activos, no como “objetos” pasivos. El deseo de mi corazón es celebrar a las mujeres surfistas como capaces, expresivas, hermosas, poderosas y elegantes. Todavía estoy preocupado y confundido en cuanto a por qué la industria del surf no va para este “ángulo”, para utilizar un término de marketing. Porque no es un ángulo, es realmente la verdad. Es la hermosa realidad del surf femenino.

The Church of Open sky es tu última película, en el que se acentúan ciertos aspectos espirituales alrededor del surf: háblanos un poco del su proceso de creación.
Bueno, el título es una paráfrasis de una expresión que Tom Blake usó. Para aquellos que no lo saben, Blake fue probablemente el surfista más influyente de la primera mitad del siglo pasado después de Duke Kahanamoku. Para Blake, el surf era una 
experiencia profundamente personal, significativa y espiritual. Era un panteísta autoproclamado y acuñó la ecuación ‘Naturaleza = Dios’. Creo que esa idea resuena con muchos surfistas. Comparaba el surf con el culto bajo lo que él llamaba “la bendita iglesia del cielo abierto”. Me encantaba esa frase y un día se me ocurrió que sería un título perfecto para la película que ya estaba rodando. La idea de que el surf es una actividad metafísica, y no sólo una actividad física o deporte, y eso es algo que he sentido a lo largo de mi vida. Es un tema que ya ha surgido en otras películas que he hecho. También creo profundamente que todo es sagrado. Todo es santo. Todo es “iglesia”. Así que siento firmemente que la práctica del surf puede ser sacramental en ese sentido. Eso ha sido realmente mi experiencia. La otra cosa que me gusta del título de la película es que es inclusiva para todos. Todos estamos bajo la iglesia del cielo abierto. Nadie está excluido. Todos son bienvenidos. Es una cosa compartida y comunal. Una comunión universal. Pero la película no explora explícitamente este tipo de idea, son sólo temas en la película que quizás surjan sutilmente.

 

 

English:

NATHAN OLDFIELD. THE INFINITE GAME

Nathan Oldfield is a unique artist with a voice of his own. His films are not disposable – something we’ll forget in the maelstrom of internet videos. In his films we can see how is the relationship of some people with this particular activity, which continues to survive the pressure of advertising and the stereotypes that adorn it.

Your father and your uncles surfed and built their own boards, I think it was obviously natural for you to start surfing. I think that you express those first feelings very well in your films, is surfing in the end a search of childhood and freedom?
Yes, surfing for me was a natural thing, following in the footsteps of my dad and his brothers. I’ve been in love with surfing since I was a little kid, but I wouldn’t call it a search for childhood. For me surfing is about being in the now, not a nostalgic longing for the past. But surfing definitely keeps me young at heart. My friend Lauren Hill calls surfing ‘meaningful play’ which is a lovely idea to me. I still find the play of surfing as joyful and engaging as I did when I was a young boy.

You started taking pictures and it’s something that you still do, what are your favourite photographers outside the surfing world?
Henri Cartier-Bresson. Robert Cappa. Ansel Adams. I like uncontrived portraiture, landscape and documentary style work. There’s no set up, it’s just capturing the moment, capturing wild spaces, capturing raw humanity. I grew up reading old hand-me-down National Geographic magazines, too. As a kid I was completely enamoured with the photographs of landscapes and wildlife and people and cultures. I think that planted a seed for my own photography.

What motivated you to start making movies? How did you start that way?
Literally it began with some friends and I sharing camera duties. We’d rotate every half hour between surfing and shooting. I guess I was drawn to it because I have taken photos my whole life. I was fascinated with the creative opportunities of shooting and editing moving pictures. Then the further I went into filmmaking I really connected with collecting beautiful images and telling stories. I didn’t ever consciously set out to be a filmmaker. It just kind of happened organically.

In your movies you recover that original spirit of surfing, travelling, camaraderie, respect … and this is something unusual and alien to the excess of marketing that we live. Are these ideas that motivate you to make movies? Do you feel that you are bringing something new?
Thank you, they are such kind words. For me surfing is about a feeling. What it looks like has always been secondary to what it feels like. So I’m not overly preoccupied with capturing performance. I’m more interested in communicating a feeling and telling stories. And the stories I tend to tell explore and celebrate human dignity. We all have stories. We are each of us so unique and fragile and precious. They are the narratives I tend to explore, simple human stories. I know that I’m not the first surf filmmaker to do this, but I try to tell the stories in my own way with my own vision. One piece of feedback I often get is that my films are different because they are so personal. I guess my films go to those personal places, because they are an extension of who I am as a man, who I am creatively and who I am as a surfer. One of the best compliments I’ve received was from Jolyon Hoff, who made Searching For Michael Peterson. He told me my films reminded him Alby Falzon’s work, because he thought they were unpolished and uncontrived, because I just document what’s happening around me in my own life and in friends’ lives. That was a huge encouragement to me. Achieving authenticity and humility in my work has always been something I’ve strived for. I guess my films are personal, too, because my engagement with surfing is so profound for me personally. It has enormous meaning for me in my life, and it has ever since I was a little kid. When I document surfing, it comes out of that personal and spiritual place, my heart country.

What were the first surf movies you saw and how did they influence you?
I’ve been an aficionado of surf films for longer than I’ve been surfing really. The first surf film I ever saw was a re-run of The Endless Summer on television as a six or seven year old while on Christmas holiday’s at my cousin’s house. It literally changed my life. I was just a grommet bodysurfing and messing around on boogie boards in the shore break at the time, but while watching that film I knew deep down in my heart that I was going to be a lifelong surfer like my Dad and his brothers. Somehow I also sensed that I had a surf film in me. Of course, as a little kid, I would not have been able to articulate that dream in words. But it was real. That dream lay dormant for a long time, until my mid twenties really, mostly because I was more focussed on surfing than I was on documenting it. But a lifetime of photography already paved the way for a desire to create moving pictures. Jack McCoy’s films had impacted my surfing imagination growing up. So had Sonny Miller’s beautiful Search films. And I was incredibly touched by Morning of the Earth, mostly because to me it communicated such an honest sense of feeling. Those kinds of films were profoundly influential for me, as a surfer and as a surf filmmaker.

At this time can we talk about a lifestyle linked to surfing or is it just a mirage?
Lifestyle sounds a little too self-conscious to me. But at the same time it’s definitely not a mirage. Surfing really is a way of living in the world, a way of inhabiting coastal spaces and interacting with local ecologies and communities. For myself, and for so many people I know, surfing is a daily experience. I’ve been surfing for my entire life. It really is a part of living.

How do you face the developing of a new film? Where do you get the inspiration?
Honestly, I sometimes have loose ideas for a film part but usually I just collect the moments as I go. I don’t storyboard. I don’t really set up shots or direct them. I prefer a more fly-on-the-wall, documentary approach. For inspiration I don’t need to look too far, because there is so much beauty and magic in the surfing world – the waves, the landscape, the human beings who play in all of that wide wild water. And I’m one of those people who are wired to make things. I always have something I’m working on, a song, a poem, a film, a bonsai, a surfboard, a corner of my garden. I have a deep down need to create. That is the way that God made me, to dream and to make.

Lines From a Poem was your first movie and there are many elements on it that mark your filmography, how was the process of doing it and what did you learn?
I made that film nearly fifteen years ago. It was my first film and I was completely self-taught, just learning things as I went along. It was kind of like a crash course in ilmmaking’sf technical and creative challenges. There are too many things to mention really, but one big lesson I learned was to back everything up. I had nearly finished the film when my hard drive crashed. Completely dead. I was such a newbie and so technologically challenged, I didn’t even know what an external hard drive was, let alone a system for backing up files. With expert technical help I was still only able to recover about five or ten minutes of over an hour’s worth of completed film. It was heavy. I nearly gave up. But I was so committed and determined to give the world a surfing film, I just put my head down and went to work and remade the movie. I think it was maybe then that it dawned on me that surf filmmaking might be something of a lifelong passion.

Seaworthy has become a cult movie. You say it was done in a moment of inflection in your life. In the end the art is probably more useful for oneself than for others. What does making this film mean in such a dark moment?
Definitely the whole time I was working on Seaworthy, I was journeying through the early days of grieving for our daughter Willow. I was determined to tell her story and to honour her in the film, so that really kept me going through that deeply difficult time. The centerpiece of Seaworthy was about Willow, and the second half of the film was about discovering new hope. It was a painful therapy to make that film, but a therapy nevertheless. The creative process of filmmaking somehow carried me through the hardest season of my life.

The Heart & The Sea is a continuation of Seaworthy, but with a tone of optimism, back to celebrate life. Is this sincere way of facing the creative process important to understand your work?
Yes, The Heart & The Sea was a return to joy, following on in the direction that the second half of Seaworthy was heading towards. I think that you are right and perceptive in highlighting that I cannot help but make sincere work. It’s just who I am. I need to be genuine. I’m hopeless at faking anything. I’m incredibly uncomfortable with being inauthentic, or even being around anyone of anything that is inauthentic. So I can see that part of my personality comes through in my filmmaking.

We live in a time when surfing is very popular, but it does not give the attention it deserves to girls surfing. What attracts you to women surfing?
As a photographer and filmmaker, I’m intrigued and enamored with the aesthetic that women bring to surfing. Personally, I’ve always seen surfing as a dance form. Men and women dance differently and surf differently, but I feel that women bring a grace and an emotion to the dance that really stands apart from the kind of grace or emotion that men can bring. Personally, I just really enjoy watching women surf. As a photographer and filmmaker, I am invested in documenting their dance in sensitive and creative ways.

Belinda Bags stands out for her surfing style, so elegant. Do you feel it is necessary to give women visibility in surfing?
I’m fortunate enough to have filmed Belinda in four feature films in over fifteen years. She really is one of my favourite subjects and she is a dear friend. For sure, I always aim to shoot with both men and women simply because it’s a more rounded and inclusive portrayal of our surfing world. When I grew up, surfing was much more exclusively a male pursuit. For example, I can think of only two or three girls who surfed at the beach I grew up at. So the surfing experience of my childhood and youth was much more macho and aggressive than it is now. Today, in the part of the world that I live in, there are so many girls and women of all ages who surf. I love that it’s changed in that way. As a father of a daughter growing up here in the Byron Bay, I’m so happy to see that she has young women in this community to look up to. Already, she’s inspired by their surfing lives. Also, I think that I have just naturally shot with women because I’ve always appreciated women’s company. My best friend in the entire world is a woman, my lovely wife. And some of my best friends are women. I’m so happy to share daily surfing experiences with women and I think that their presence changes the lineup and makes it a better place. Of course I want to include them in the ways that I represent surfing.

In the surf industry (and in any subject related to advertising) people tends to objectify women, so it is of great appreciation the treatment you give them in your movies. Is it something deliberated or is simply something that came up when developing your films?
I think the key thing to de-objectifying women is to represent them being active participants, not passive ‘objects.’ My heart’s desire is to celebrate female surfers as capable, expressive, beautiful, powerful, graceful wave riders. I’m still troubled and confused as to why the surf industry isn’t going for this ‘angle’, to use a marketing term. Because it isn’t an angle, it is actually the truth. It is the beautiful reality of women’s surfing.

The Church of Open sky is your last film, which emphasizes certain spiritual aspects of surfing: tell us a little about the process of its creation.
Well, the title is a paraphrase of an expression Tom Blake used. For those who don’t know, Blake was probably the most influential surfer of the first half of last century after Duke Kahanamoku. For Blake, surfing was a deeply personal, meaningful and spiritual experience. He was a self-professed pantheist, and coined the equation ‘Nature = God.’ I think that idea resonates with a lot of surfers. He likened surfing to worship under what he called ‘the blessed church of the open sky.’ I kind of always loved that phrase and one day it occurred to me that it would be a perfect title for the film that I was already shooting. The idea that surfing is a metaphysical activity, and not just a physical activity or sport, is something that I have felt throughout my surfing life. It’s a theme that’s already emerged in other films I’ve made. I also deeply believe that everything is sacred. Everything is holy. It’s all ‘church.’ So I feel strongly that the practice of surfing can be sacramental in that sense. That has genuinely been my experience. The other thing that I like about the title of the film is that it is inclusive for everyone. We are all under the church of the open sky. No one is excluded or left out in the cold. Everyone’s welcome. It’s a shared, communal thing. A universal fellowship. But the film doesn’t explicitly explore these kinds of idea, they are just themes in the film that perhaps come subtlety come through.

 

 

 

 

www.nathanoldfield.com

 

 

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