GRAPHIC MEANS: una historia de la producción del diseño gráfico

20 August 2017 Texto: Teresa Pérez Contreras. Fotografía: Archivo.


Cuando el diseño no era digital

{english below} El diseño gráfico, una práctica llamada así en 1922, ha tenido tiempo suficiente para  evolucionar a lo largo de la historia de manera frenética hasta el momento actual en el que el diseño es más popular que nunca, con miles de estudiantes queriendo aprender esta disciplina y numerosas publicaciones específicas sobre la materia. Se ha convertido en una importante área de producción cultural, investigación y experimentación pero su historia ha sido más bien ignorada hasta ahora y aunque es fácil encontrar bibliografía sobre tipografía, por ejemplo, no lo es tanto encontrar libros sobre cómo era todo antes de la llegada del ordenador, ese compañero inseparable de cualquier diseñador.

Entrevistamos a Briar Levit, directora de un documental que pretende dar visibilidad y voz a todas aquellas personas que hicieron diseño en la era pre-digital. Como profesora y profesional del diseño, descubre coleccionando manuales de producción de los años 60 a los 80, cómo era ese diseño que nunca conoció pues su educación y trabajo profesional siempre ha sido a través de la pantalla de un ordenador. Consciente de que las generaciones más jóvenes saben aún menos, ha invertido varios años en investigar y realizar un documental basado en entrevistas a diseñadores reconocidos como Ellen Lupton, Art Chantry o Ian Swift y otros tantos protagonistas de un momento fascinante en la historia del diseño.

Desde la era del tipo de metal, pasando por la era del tipo frío hasta nuestros días: un paseo por el proceso de producción del diseño gráfico cuando todo se hacía a mano con la ayuda de inventos analógicos. Una exploración de los métodos, las herramientas y los roles sociales que evolucionaban y que dieron lugar a la industria del diseño gráfico tal y como la conocemos hoy.

“Graphic means” no es solo una mirada al pasado sino un valioso documento gráfico para futuras generaciones que merece la pena conocer.

 

 

Cuéntanos un poco sobre ti. ¿Cómo nace tu interés por documentar la historia del diseño gráfico?
Estudiar Historia del diseño es fascinante en si mismo, pero a los que ejercen como diseñadores les da la oportunidad de ver lo que había antes de ellos y porqué. El porqué es tan importante como el qué. La mayoría de nosotros solo conocemos la historia de nuestra disciplina a grandes rasgos, pero la era del tipo frío ha sido una especie de agujero negro en el conocimiento de la mayoría de los diseñadores posteriores a esa época. “Graphic Means” echa un vistazo a cómo la tecnología de este breve periodo cambió el curso del diseño y de las personas que lo practicaban.

¿Cómo te vino la idea de realizar este documental y cuánto te ha llevado hacer realidad este proyecto?
Mientras mi primera inclinación fue la de simplemente incluir este contenido a mis clases o redactar un libro, luego me di cuenta, compartiendo la idea con mis colegas, que interesaba a mucha mas gente de la que había pensado. Fui afortunada al ver un gran documental realizado por un diseñador gráfico, Doug Wilson, llamado “Linotype: In Search of the Eight Wonder of the World”. El film cuenta la historia de esa máquina, pero lo hace con una gran pasión y estilo, así que pensé: “Si él puede hacerlo, ¿podré yo?”. Ha sido mi mentor desde casi el principio, que fue hace unos 4 años.

Creo que este documental es una herramienta muy útil para profesores de diseño gráfico y para hacer entender a los estudiantes la evolución de una disciplina que siempre está cambiando. ¿Pensaste en el documental como en una herramienta educativa para tus clases?
Sí, definitivamente será una herramienta en mi clase de Historia del Diseño. Espero que otros profesores le encuentren también un sitio en sus temarios.

 

 

Después de entrevistar a tantas personas, ¿qué has descubierto? ¿Alguna anécdota? ¿Fue difícil contactar a esas personas relevantes para el documental?
Ha sido maravilloso contactar con gente a la que admiro desde hace mucho tiempo, y aprender sobre otros que he descubierto gracias a las redes entre comunidades. El reparto del film está lleno de gente increíblemente talentosa. Os sugiero que busquéis a aquellos que no os suenen, no os decepcionarán.

Vemos en la película que, en una determinada época en la historia del diseño gráfico en los Estados Unidos, empezaron a emerger diseñadores experimentales en la costa Oeste, moviéndose de la costa Este (Nueva York) a la Oeste (California). ¿Piensas que hay un acercamiento diferente al diseño o un estilo de diseño oriental u occidental?
Sí pienso que hay estilos de diseño regionales. Son ciertamente menos notables desde que Internet ha borrado mucha de las barreras invisibles y todo el tiempo podemos ver trabajos de todas partes del mundo.

Habiendo estudiado en San Francisco y en Londres, ¿crees que Europa es consciente de la importancia del diseño gráfico tanto como lo es en Estados Unidos?
Europa está tan concienciada sobre la importancia del diseño gráfico como lo estamos en los Estados Unidos. Siempre señalo el diseño de packaging que puedes encontrar en las tiendas de comestibles del Reino Unido (que es la parte de Europa donde he pasado más tiempo). Hay un cierto nivel de sofisticación  en este tipo de diseño, una simplicidad y una intencionalidad de no dirigirse al cliente, que no se ve tanto por aquí en Estados Unidos. Mi mejor suposición para esto es que en Gran Bretaña aún parece que la tendencia principal es una aproximación semi-modernista al diseño y a la tipografía. En los Estados Unidos, mientras tuvimos un breve periodo en el que el Estilo Tipográfico Internacional parecía dominarlo todo, la tendencia general está enfocada hacia algo más comercial, y/o extravagante en cosas como los envoltorios de comidas.

 

 

Algo que admiro de tu documental es que no solo nos permite conocer más sobre la historia del diseño gráfico y su producción sino también entender el papel fundamental de la mujer en el diseño gráfico y cómo se introdujo en el mercado laboral. He visto últimamente algunos proyectos muy interesantes como el blog “Women of graphic design”  o el proyecto de Natalia Ilyin: “Ayudemos a hacer la historia del diseño más inclusiva”, que se están tomando muy en serio la cuestión de la igualdad de género en la educación en diseño. ¿Crees que “Graphic Means” forma parte de estos nuevos y necesarios acercamientos a la historia del diseño?
Es importante para nosotras vernos incluidas en la historia de nuestra disciplina. De la misma manera en la que nos sentimos identificados con historias en los libros o en el cine, que retratan a gente que se parece a nosotros y con la que podemos sentirnos identificados, lo mismo podría decirse de la historia. Nosotras (las mujeres), hemos estado ahí durante todo el tiempo, pero las historias estuvieron enterradas durante mucho tiempo. La gente que esté interesada en aprender más sobre mujeres diseñadoras puede leer el libro “Women in Graphic Design 1890-2012”, o para lectores más rápidos, ojear la serie de libros “Hall of Femmes”.

Has seleccionado un equipo de mujeres para realizar tu documental ya que el porcentaje de mujeres trabajando en la industria del cine es aún muy bajo. ¿Ocurre lo mismo en la industria del diseño gráfico hoy día?
Yo no diría que hay menos mujeres trabajando en la industria del diseño gráfico de ninguna manera, pero he visto a varias figuras señalar que las mujeres no ocupan tantos puestos de alto nivel como los hombres, y no están tan reconocidas por su trabajo en términos de premios o invitaciones a hablar en eventos.
He visto cómo las cosas mejoraban, y espero que esto continúe. Una de las maneras en las que esto está cambiando es en que las mujeres están estableciendo espacios por sí mismas para progresar. Veo una ola de estudios fundados por mujeres y que apoyan descaradamente la inclusión de las mismas en sus estructuras.

 

 

El eterno debate hombre versus máquina está presente en el documental; algunas diseñadores como Lucille Tenazas parecen tener nostalgia de la era del tipo frío mientras otras como Ellen Lupton, adoptan las ventajas del uso de los ordenadores en la producción del diseño. ¿Cuál es tu conclusión sobre esta dicotomía?
Soy una gran amante de la tecnología de diseño digital. Siempre me pregunto si yo lo hubiera conseguido como diseñadora si no hubiese tenido un ordenador para aprender. Dicho esto, puedo comprender perfectamente lo que dice Tenazas cuando pregunta: “¿No es bueno cuando está hecho con tu cuerpo?”. Hay un cierto sentimiento cuando acabas algo que has creado con tus habilidades físicas que es difícil de igualar cuando trabajas con una máquina. Creo que los mejores trabajos son una combinación de las dos cosas, ya sea haciendo un boceto a mano para no distraerte con las lucecitas y botoncitos de tu software de diseño, o dibujando a mano, escaneando y desarrollando esos diseños digitalmente. Siempre habrá sitio para el trabajo hecho a mano en nuestra disciplina.

Estamos viviendo un revival de la era del tipo de metal, con jóvenes diseñadores que rescatan antiguas máquinas de letterpress y que realizan con ellas trabajos de mucha calidad. No hemos visto un revival de la era del tipo frío. ¿Tal vez es menos conocida o menos atractiva que su predecesora o tal vez es demasiado pronto para que merezca la pena rescatarla?
Incluso si mereciese la pena recuperarla, es simplemente imposible. Los papeles y químicos necesarios para ello ya no se producen. Hay muy pocas máquinas también. Al contrario que con las maquinas de la Revolución Industrial, las máquinas de tipo de los años sesenta y setenta fueron mayormente destruidas, y si no lo fueron, sus circuitos electrónicos están mas allá de poder resucitarse.

¿Qué has aprendido haciendo este documental?
Hay muchísimas historias sobre diseño gráfico que contar, y es increíblemente curioso escucharlas de los diseñadores de todas las micro-especialidades de nuestra industria.

 

 

¿Y sobre la promoción de la película? ¿Has tenido algún feedback de los espectadores?
No realmente. La promoción ha sido únicamente online, a través de Kickstarter, Twitter, Facebook e Instagram.

¿Te imaginas a ti misma trabajando como arte finalista o en fotocomposición?
Aunque haga bastantes artes finales como diseñadora gráfica, no creo que quisiera hacerlo todo el día, todos los días. La belleza de ser diseñadora gráfica es que tienes que investigar, idear, y luego conseguir sacar algo de ese trabajo. Me gusta esa variedad, y el hecho de estar trabajando con varias partes de mi cerebro y de mi cuerpo.

Después de este viaje al pasado de la historia del diseño, ¿cuál crees que será el futuro del diseño gráfico ahora que está cambiando tan rápidamente incluso en la época digital?
Esa es la pregunta del millón, una que no estoy realmente cualificada para contestar. He oído que algunos dicen que la realidad aumentada es el nuevo territorio a descubrir y que tiene un gran potencial, lo cual me parece posible teniendo en cuenta el éxito de cosas como el juego de “Pokemon Go”.

¿Estás pensando en continuar trabajando en proyectos relacionados con el diseño gráfico? ¿Algún proyecto nuevo?
Ahora mismo puedo finalmente trabajar en un libro que acompañe a la película. Hubo mucho que no pudo encajarse en el documental, así que un libro me permitirá añadir más detalles, desde las extrañas máquinas de tipo que han existido a las historias sociales que permitirán un mayor entendimiento de la vida de los diseñadores y los artistas de producción en la era del tipo frío.

 

 

English:

GRAPHIC MEANS: A HISTORY OF GRAPHIC DESIGN PRODUCTION
WHEN DESIGN WAS NOT DIGITAL

Graphic design, a practice named in 1922, has had enough time to evolve throughout history in a frantic way until today when design is more popular than ever, with thousands of students wanting to learn this discipline and numerous publications on the subject. It has become an important area of cultural production, research and experimentation but its history has been ignored until now and although it is easy to find bibliography on typography, for example, it is not so much to find books about how everything was before the arrival of the computer, that inseparable companion of any designer.

We interviewed Briar Levit, director of a documentary that aims to give visibility and voice to all those people who did design in the pre-digital era. As a teacher and design professional, she discovers collecting production manuals from the 60s to the 80s, how was that design she never knew since her education and professional work has always been through the screen of a computer. Aware that the younger generation knows even less, she has spent several years researching and documenting interviews based on well-known designers such as Ellen Lupton, Art Chantry and Ian Swift, as well as other leading figures from a fascinating moment in design history.

From the era of hot metal typesetting, going through the era of the cold type to our days: a walk through the process of production of graphic design when everything was done by hand with the help of analogical inventions. An exploration of the evolving methods, tools, and social roles that gave rise to the graphic design industry as we know it today.

“Graphic means” is not just a look at the past but a valuable graphic document for future generations worth knowing.

Tell us a little about yourself. Why are you so committed to documenting graphic design history? 
Studying design history is fascinating on its own, but for practicing designers, it gives them a chance to see what went before them and why. The “why” is just as important as the “what”. Most of us know the broad strokes of our discipline’s history, but the cold type era is one that has been a sort of black hole in the knowledge of most designers who trained any time after the era took place. Graphic Means takes a look at how the technology of this brief period changed the course of design and the lives of people who practiced it.

How the idea of making a documentary first came to you and how long took you to make this project real?
While my first inclination was to simply bring the content into my college classroom or a book, I realized after sharing the idea with friends and colleagues that this was likely interesting to a lot more people than those outlets alone. I was lucky enough to have seen a great documentary made by a graphic designer, Doug Wilson called Linotype: In Search of the Eighth Wonder of the World. The film told the story of the one machine, but it did so with a great deal of heart and style. I thought, if he can do it, maybe I can too? He has been a mentor for me almost from the beginning, which was about 4 years ago,

I think this film is a helpful tool for graphic design teachers to make students understand the evolution of this ever-changing discipline. Have you thought of it as an educational tool for your classes?
Yes, this will absolutely be a tool in my design history class. I hope many other teachers will find a spot for it in their curriculum too!

After interviewing so many people, what have you discovered? Some funny stories? It was difficult to contact the right people?
It’s been wonderful to reach out to people I have long admired, and to learn about others based on the networks within the communities. The cast of the film if full of incredibly talented people. I suggest Googling any of the designers that you may not have been familiar with. You won’t be disappointed.

We see in the film that at a certain time of graphic design history in the US, experimental designers start to emerge in the West Coast, moving from the East Coast (New York) to the West (California). Do you think there is still a different approach or a Western or Eastern design style?
I do still think there are regional design styles. They are certainly less noticeable as the internet has erased a lot of those invisible barriers, and we can see work all the time, from all over the world on the internet.

As you have studied both in San Francisco and London, have you noticed Europe is so much concerned about the importance of Graphic Design as in the US? 
Europe is absolutely just as concerned about the importance of graphic design as we are in the US. I always point to the design of packaging found in grocery stores in the UK (which is the part of Europe I’ve spent the most time in). There is a certain level of sophistication in British food package design—a simplicity and willingness not to “talk down” to the customer, that one sees less here in the US. My best guess for this is that Britain still seems to be driven by a semi-Modernist approach to design and typography specifically. In the US, while we had a brief period in which the International Typographic Style took the design world by storm, we are driven by a more commercial, and/or flamboyant approach to things like food packaging.

Something that I admire from your film is that not only allows us to know more about graphic design production and history but also to understand the essential role of women in graphic design and how they entered the labour market. I have seen lately some interesting projects like the blog Women of graphic design or the Project Help Make Design History Inclusive from Natalia Ilyin, that are taking seriously the question of gender equality in design education. Do you think Graphic Means takes part of this necessary new approaches to Design history?
It’s important for us to see ourselves in the history of our discipline. In the same way that we relate to stories in books and on film that feature people that look like us and who we relate to, the same can be said of history. We (women) have been there all along, but the stories were covered up for a long time. People who are interested in learning more about women designers can check out the book Women in Graphic Design 1890–2012, or for quicker reads, check out the Hall of Femmes book series.

You have selected a women crew to make your documentary as the percentage of women working in the film industry is still very low. The same happens in graphic design industry now?
I wouldn’t say there are fewer women working in the graphic design industry by any means, but I have seen various figures that point out that women are not in as many top-level positions as often as men are, and they aren’t recognized for their work in terms of awards and invitations to speak at established/respected events. I see things improving though, and I hope this continues. One way it’s changing is that women are establishing spaces for themselves to progress. I see a wave of studios that were started by women, and that are unabashed about their support of women in their studio structure.

The eternal debate of man versus machine is present in your documentary; some designers like Lucille Tenazas seems to miss the cold type era while others like Ellen Lupton embraces the advantages of the use of computers in design production. What’s your conclusion about this dichotomy?
I’m very much a lover of digital design technology. I often wonder if I would have made it as a designer if I didn’t have a desktop computer to learn on. That said, I can absolutely see what Tenazas is saying when she asks “isn’t it good if it’s made with your body?”. There is a certain feeling when you finish something that you created with your physical skills that is hard to match with printing out of a digital printer. Ultimately, I think the best work combines the two—whether it’s sketching your ideas out by hand so you don’t get distracted by the whistles and bells of your design software, or whether you are drawing pictures or letters by hand, scanning them in, and developing them further digitally. There will always be a place for handmade work in our discipline.

We are having a revival of hot metal type, with many young graphic designers rescuing old letterpress machines from printers and making some quality design works. We have not seen a revival of the cold type era. Maybe is less known or less attractive than the previous one or maybe is too soon to be considered something worth recovering?
Even if it was worth recovering, it just isn’t possible. The papers and chemicals necessary aren’t in production anymore. The number of machines out there is few and far between as well. Unlike the mechanical machines of the Industrial Revolution, the type machines of the 60s and 70s were mostly trashed, and if they weren’t, their electronics are beyond resuscitation.

What have you learned doing this documentary?
There are so many graphic design stories to tell, and designers across all the micro-specialties of our industry are incredibly curious hear them.

What about the promotion of the film? Have you had some feedback from the spectators? 
Not really. Promotion has been only online through Kickstarter, Twitter, Facebook and Instagram.

Do you imagine yourself working as a paste-up expert or photo typesetter?
In as much that I would do paste-up as a graphic designer, but I don’t think I would have wanted to do only paste-up production all day, every day. The beauty of being a graphic designer is that you get to do research, ideation, and then make something out of that work. I like the variety of it, and the fact that I’m working various parts of my brain and body.

After this trip to the past in design history, what is going to be the future of graphic design now that is changing so fast even in the computer era? 
That’s the million-dollar question, and not one, I’m really qualified to answer. I’ve heard some say that augmented reality is the new uncharted territory that has tons of potential, which seems possible to me, with the success of things like the “Pokemon Go” game.

Are you planning to continue working in some more graphic design related projects? Any other new projects? 
Right now, I’m finally able to work on a book to accompany the film. There was a lot that just couldn’t fit into the film, so a book will allow me to get into more details from the oddball typesetting machines that existed, to the social stories that will fill out an understanding of the life of designers, typesetters, and production artists of the Cold Type Era even more.

 

 

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www.graphicmeans.com

 

 

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