He seguido la carrera artística de Evan Hecox desde hace años, aunque al principio no sabía quien era aquel tipo que se escondía detrás de algunos de los mejores diseños de tablas para Chocolate Skateboards. Todo cambió hace cinco años, cuando cayó en mis manos su libro titulado Urban Abstract y descubrí que su obra abarca mucho más que el mundo del patín. Esto nos lleva a que hace tres años Evan organizó una exposición en París, donde pude experimentar su arte en directo, además de tener la oportunidad de conocerlo en persona (y que me dedicara el libro). Cuando Staf me pidió que entrevistara a Evan para la revista, me entusiasmé mucho con la propuesta y acepté sin dudarlo ni un minuto. Aprovechando que este año se organizan dos grandes muestras de su obra, era la ocasión perfecta para preguntarle sobre la evolución de su estilo, sus viajes, su relación con la fotografía y mucho más.

Este año has estado muy ocupado con tus exposiciones en solitario en New York y Londres. Sin olvidar las muestras colectivas en Copenhague (con Thomas Campbell y Ed Templeton) y en Denver (con Shepard Fairey y Jim Houser). Y, si no me equivoco, también estuviste en Australia. ¿Cómo te sientes con este frenesí de trabajo? // ¡Muy bien! He trabajado muy duro, pero también ha sido divertido y estoy contento al ver que todo ha salido de esta manera. Fue muy divertido estar en Londres y también me encanta exponer en New York. He estado en Londres muchas veces, pero fue genial poder profundizar en el lugar y crear unas obras que, de alguna manera, fueran una exploración de la ciudad. Compartir muestra con Shepard y Jim fue increíble. Shepard se ha convertido en una especia de estrella del rock, así que es muy divertido exponer con él. Hay muchas cámaras y mucha gente pidiéndole autógrafos. Al final no pude ir a Copenhague para mi expo, pero me gustaría visitar la ciudad pronto porque me encanta la V1 Gallery y fue un honor compartir muestra con Thomas y Ed. La residencia en Australia fue apoteósica, porque me alojé en una hermosa casa en Byron Bay, que es una playa perfecta, y pasé una semana dibujando y nadando en el océano cada vez que necesitaba un descanso.

Tu trabajo ha ido evolucionando con el paso de los años, pero una de las grandes constantes es la importancia de la fotografía durante el proceso de documentación, justo antes de crear las obras. ¿Qué relación tienes con la fotografía y qué equipo utilizas normalmente? // Sí, hace tiempo que estoy metido en la fotografía. Casi siempre dibujo y pinto a partir de mis propias fotos. El proceso de reunir las fotos para empezar a trabajar es una de las tareas más importantes, porque es esencial vivir la experiencia de estar en un lugar, hacer las fotos y recuperar las sensaciones y recuerdos cuando empiezo a dibujar. También me gusta esta disciplina por si sola e intento hacerlo lo mejor posible… intento ser muy artístico. Para las imágenes de referencia utilizo una cámara digital (Canon 5D). Cuando hago fotografía artística me gusta trabajar en negativo de verdad y utilizo una Leica M6, una Mamiya 7II, una Linhof Technika 4×5 y una Hasselblad.

La eterna “confrontación” entre fotografía analógica y digital ¿tiene importancia para ti?  // Me gusta mucho la manera que el negativo procesa la luz y la forma. Es algo muy sutil, pero creo que resulta importante, puesto que las fotos analógicas tomadas con una buena óptica desprenden más vida y una sensación más cálida. Podríamos compararlo con un disco de vinilo que suena a través de un buen equipo de música… es más rico y cálido que la música digital. Lo mismo sucede con la fotografía. Lo más importante es la calidad del fotógrafo, pero el negativo me parece más bonito y es más divertido de usar. Es como si utilizaras material artístico y resulta más visceral. Cuando me dedico a recopilar imágenes para mis dibujos tengo que trabajar rápido y tomar cientos de fotos que pueda manipular en seguida. Así que el formato digital es la clave. Utilizo ópticas Zeiss en mi equipo digital y consigo unas instantáneas muy hermosas.

Continuando en el mundo de la fotografía, ¿has pensado alguna vez organizar una muestra de tus instantáneas? // Sería una opción, pero debería concentrarme solamente en eso durante un tiempo si lo hiciera. Si eligiera un tema específico que me motivara durante suficiente tiempo y pudiera reunir una colección de fotos muy consistente, estaría bien montar un “show”. Mi problema es que tomo muchas imágenes, pero son cosas muy dispersas. Sería genial concentrarme en un tema único y trabajarlo a fondo.

La caligrafía y la fotografía tienen mucha relevancia en tu obra. ¿Has establecido un proceso creativo o cada obra funciona de manera individual? // Realmente no sigo un proceso de trabajo fijo, pero si que tengo algunas constantes que se repiten. Normalmente me gusta empezar a crear en una superficie que tenga cierta textura y esté emborronada. No me gusta lanzarme a dibujar en algo perfecto, blanco y limpio. A veces convino viejos periódicos con papel muy grueso y empiezo a dibujar en esta mezcla de formato… otras veces mezclo la pintura acrílica, la froto con esponjas y la dejo secar. Acostumbro a seleccionar unas cuantas fotografías que me gustaría dibujar, elijo una, decido las partes que quiero eliminar y las que quiero enfatizar. Entonces imprimo la foto en un tamaño grande, empiezo a hacer los bocetos de los ángulos generales, establezco las proporciones de la imagen e incluso los elementos más destacados. A partir de aquí me dedico a dibujar las personas y los elementos orgánicos, intentando mantenerme suelto y expresivo. Se trata de un proceso lento y gradual de añadir color, perfilar las formas y mirar si funciona. Cuando empiezo, tengo una idea de cómo debería ser cada obra, pero normalmente ésta cambia. Cada pieza tiene vida propia, es como si estuviera predestinada a tener cierta forma y yo soy el encargado de moldearla.

Has vivido muchos años en San Francisco, uno de los epicentros culturales de los Estados Unidos. Ahora estás en Denver, una ciudad menos relevante. ¿Estar alejado del frenesí artístico ha influido en tu obra? // Me gusta vivir aquí. Colorado es un lugar bonito y es muy relajado. Mis ideas y mi inspiración surgen de mi cabeza, de los viajes y de otras experiencias. Es bueno tener influencias, pero creo que si estás constantemente mirando lo que hace otra gente, esto puede llegar a contaminar tus pensamientos y tu trabajo. Sinceramente, creo que el trabajo más original puede surgir de gente que vive alejada de la escena artística.

¿Esta reflexión forma parte del concepto de “alejarse para crear” que mencionas en tu blog? // Sí, porque creo que las ideas buenas y originales pueden surgir cuando trabajas por tu cuenta, haciendo las cosas a tu manera y sin prestar atención a si tu obra se parece o no a la de otros artistas. Es genial apreciar el talento y la grandeza de otros creadores, además de usarlo como elemento de motivación personal. Pero cuando se trata de crear tus propias obras, es importante perderte en tu interior y en tus ideas. Los artistas de blues y de jazz se refieren a esta idea como “woodshedding” porque es como esconderse en una cabaña en medio del bosque, lejos de la gente y, simplemente, desarrollar tus ideas y ensayar.

En la introducción del libro Urban Abstract hay varias fotos de tu estudio de aquella época. Después, leyendo tu blog, he descubierto que te has trasladado a un nuevo espacio. ¿Podrías contarnos cómo es tu lugar de trabajo? // Sí, tengo un nuevo estudio en la parte trasera de mi casa. El estudio viejo era un simple garaje que acondicioné para el trabajo. Hace un par de años derrumbe el garaje, limpié la parte trasera de mi jardín e hice espacio para un nuevo estudio. Lo hablé con un amigo mío que es arquitecto y entendió perfectamente el tipo de espacio que necesitaba. Me presentó un diseño fabuloso, que encajaba con mi casa y me ofrecía un hermoso ambiente de trabajo. La otra parte del edificio es una habitación para invitados, así que tenemos espacio para las visitas y los familiares que quieren quedarse unos días. Esto ha convertido nuestra casa en un pequeño complejo, con el estudio y la vivienda cara a cara y el jardín en medio de los dos.

Parte de tu trabajo ha consistido en representar distintas ciudades donde nunca has vivido. ¿Crees que el hecho de ser un “visitante” ha influido en tu visión de estos lugares? // Creo que tengo un talento para observar. Cuando visito otras ciudades, intento mirar todas las cosas que me rodean de una manera muy intensa. Ser un visitante me permite ver cosas desde una perspectiva que la gente que vive allí no puede tener, por el simple hecho de que están familiarizados con esas cosas. Pero para mi todo es nuevo. Normalmente salgo solo a hacer fotos, así que hay algo especial en el hecho de estar por tu cuenta en una ciudad grande. A veces es raro y solitario, pero me gusta la sensación. Cuando estoy solo me concentro en observar las cosas y veo detalles que la gente no aprecia en su día a día.

Hablando de ciudades, este año has hecho dos exposiciones dedicadas a New York y Londres. ¿Te planteaste el mismo proceso creativo para ambas urbes o fueron experiencias distintas? // En ciertos aspectos fue similar, pero en otros detalles fue completamente distinto. Aunque no vivo en New York, he pasado mucho tiempo allí, me siento muy cómodo y me oriento perfectamente en sus calles, como mínimo en Manhattan y Brooklyn.

Como soy americano, estar en New York me hace sentir como en casa, aunque sea muy distinta de mi propia ciudad. Por el contrario, Londres me resulta totalmente desconocida. Solamente he estado allí una vez antes de hacer mi trabajo fotográfico. Es un lugar enorme y complejo, que además me hace sentir como un extranjero, aunque hablen inglés. Todo el mundo parece odiar a los americanos, así que nunca me sentí realmente acogido, pero la gente es muy educada, aunque en el fondo no les gustes. Siempre es un reto hacer fotos en la calle, porque la gente se enfada, así que tengo que hacerlo medio a escondidas.

Mirando tu obra más reciente, cada vez se aprecia una mayor en la abstracción y la tipografía. ¿Cómo crees que ha evolucionado tu proceso creativo? // Siempre me ha interesado la tipografía y la señalización como partes fundamentales del ambiente urbano. En los trabajos pasados he recurrido mucho a la escritura y a la caligrafía, ya fuera con un simple bolígrafo o con un pincel. Sigo haciendo esto, pero empecé a sentir que se convertía en una especie de fórmula y no quiero estancarme en los mismos patrones. Siempre he tenido cierto talento con el dibujo técnico y soy capaz de crear tipos a mano. En mis exposiciones recientes he decidido incluir esta técnica en mis obras porque aporta un contraste hermoso al estar junto a los dibujos. En estas piezas tipográficas, como la de “28th Street Station”, simplemente cojo algo que ya existe en el mundo real y lo reinvento a partir de mi lenguaje gráfico.

En las nuevas obras también recurres a técnicas novedosas como el papel de aluminio o el collage de periódicos. ¿Qué te ha llevado a esos formatos? // Se trata de empezar a crear con materiales que no sean perfectos. Me gusta tener una capa con cierta textura porque creo que es más interesante. Las obras tienen más profundidad y transmiten más energía cuando el fondo que he desarrollado es más complejo. Con las obras de periódicos, encontré ejemplares muy viejos (de finales de 1800) que tienen tipografías geniales y a penas contienen fotos… simplemente letras pequeñas que aportan una textura increíble.

Recurrir a periódicos de finales del siglo XIX hace evidente tu interés por la historia. ¿Cómo crees que el concepto de “memoria” se refleja en tu obra? // Una parte de lo que más me interesa sobre las ciudades es la historia que esconden. Me fascina la idea de pasear por una calle que miles y miles de personas han pisado a lo largo de décadas o de siglos. Y es el mismo sitio. Ciertas calles de New York donde ahora hay grandes tiendas y restaurantes, seguramente fue un lugar sucio y peligroso hace sólo 30 o 40 años. Es imposible saber qué ha permanecido en un lugar como ese, pero es divertido imaginarlo. Utilizar viejos periódicos de New York está relacionado con esa idea de una manera simbólica. Dibujar una escena de una calle moderna encima de un viejo periódico de esa misma ciudad es una manera de reflejar su evolución real, puesto que las urbes siguen construyéndose y reinventándose constantemente.

Este año has participado en dos exposiciones colectivas, junto a artistas como Thomas Campbell, Ed Templeton y Shepard Fairey. Curiosamente, todos ellos han surgido de la escena del street art y del skate. Sin olvidar que tú has diseñado muchas tablas y has creaste la imagen de marca de Chocolate Skateboards. ¿Qué opinas de este movimiento artístico, si es que podemos denominarlo “movimiento”? // Creo que la gente que ha crecido con el skate es gente que mira el mundo de una manera distinta y, además, tienen una manera alternativa de ver las cosas. Esto se puede aplicar al mundo del arte y de la música, por este motivo hay muchas personas con un pasado en el mundo del patín que han acabado involucrados en el mundo artístico y musical. Más allá de esto, no creo que representen una escena o un movimiento. Simplemente sucede que muchos skaters son personas creativas.

¿Qué importancia tiene el skate en tu vida actualmente y qué opinas de su evolución? // Ya no patino tanto como antes, sólo de vez en cuando. Pero el skate es importante para mi porque fue la base desde donde empecé. Estar involucrado en el mundo del patín me hizo ver las cosas de manera distinta y me dio confianza suficiente para afrontar las cosas de manera distinta que la otra gente con la que había ido al colegio.

El skate me hizo sentir que podía hacer las cosas a mi manera y que esa era la mejor opción, además de convencerme de que era libre para hacer lo que deseara, sin tener que seguir las normas convencionales. En ese sentido, el skateboarding o los ideales que lleva implícitos siguen siendo importantes en mi vida actual, aunque a penas coja una tabla.

Me he dado cuenta de que has diseñado o incluso has construido los elementos decorativos de tu estudio. ¿Te gustaría centrarte en ese ámbito creativo en el futuro? // Sí, me encanta trabajar la madera y construir objetos tridimensionales como sillas o mesas. Siempre he pensado que este interés creativo debería introducirse en mi obra de algún modo, pero aún no he encontrado la manera adecuada. He realizado muchos cuadros de madera, pero siguen siendo obras en dos dimensiones. Creo que en el futuro próximo empezaré haciendo esculturas…

Si continuamos hablando sobre tu estudio, en la mayoría de fotos que he visto aparece un tocadiscos. ¿Qué importancia tienen los vinilos y la música en tu proceso creativo? // Me gustan los discos de vinilo por su sonido y por el diseño de las portadas. Me encanta tener los diseños de esas portadas esparcidos por el estudio y los discos amontonados me dan cierta idea de confort. Escuchar música en el tocadiscos mientras trabajo es algo que me distrae porque de vez en cuando tengo que parar de dibujar para dar la vuelta al vinilo. Aunque me gusta poner música muy variada mientras trabajo, sobretodo la música extraña o suave se ajusta a mi proceso creativo. Cosas como My Bloody Valentine o Panda Bear son una buena fuente de inspiración mental.

Después de un año tan intenso ¿quieres que el 2013 sea más relajado? ¿Cuándo podremos ver una exposición en Francia o en España? // Me encantaría organizar otro show en Francia y montar algo en España, puesto que nunca he hecho nada allí. Tenía 8 años la última vez que viajé a España, así que creo que ya es hora de visitarla de nuevo.

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